Alberto Gerchunoff nació el 1 de enero de 1883 en Proskurov, en el Imperio ruso; actualmente la localidad lleva el nombre de Jmelnitsky, y se encuentra en Ucrania. Su familia emigró en 1889, instalándose en la colonia judía de Moisés Ville, ubicada en la provincia de Santa Fe, y posteriormente a un colonia de la misma índole, llamada Colonia Rajil, en la provincia de Entre Ríos (este poblado se encuentra en las cercanías de Villaguay, ciudad fundada por el filántropo Barón Moritz Hirsch, como refugio para los judíos que huían de los pogroms europeos). Entre estas dos localidades Gerchunoff pasó su infancia, en la que trabajó como agricultor y boyero.

Sólo cuatro años permanecen los Gerchunoff en Entre Ríos. En 1895, el desánimo por el fracaso sucesivo de varias cosechas, sumado al obsesivo recuerdo de aquella trágica tarde de Moisés Ville, los arranca de la colonia y los lleva a Buenos Aires. En la gran ciudad comienza entonces Gerchunoff, a los doce años, “su vida incierta y andariega” enrolándose en cuanto oficio se le presenta: panadero, cigarrero, niquelador, pasamanero, vendedor ambulante.

Un compañero de trabajo de origen asturiano le descubre el Don Quijote, libro que lo deslumbra para toda la vida. Lee con voracidad, va a conferencias, se relaciona con escritores y periodistas, y comienza a vivir en las redacciones, a participar de la vida bohemia y a publicar notas periodísticas. En 1903, a los veinte años, le ofrecen dirigir un diario en la ciudad de Rosario, y entra así, definitivamente, en el mundo del periodismo. En 1908, de la mano de Roberto J. Payró, ingresa al diario La Nación y allí, entre otros textos, comienza a publicar unos relatos costumbristas de la vida judía en las colonias, que luego formarían parte de Los gauchos judíos, libro que aparece en 1910, en homenaje al centenario de la Revolución de Mayo.

A partir de aquí comienzan a conjugarse el escritor y el periodista en una serie de obras de difícil clasificación, que van del ensayo político —El nuevo régimen (1918), El problema judío (1945)— al literario —La jofaina maravillosa (1922), Roberto J. Payró (1925), Enrique Heine, el poeta de nuestra intimidad (1927)— al filosófico-literario —La asamblea de la bohardilla (1925), Pequeñas prosas (1926), El hombre que hablo en la Sorbona (1926)— y a la ficción, a veces con un trasfondo autobiográfico —Cuentos de ayer (1919), Historias y proezas de amor (1926), Los amores de Baruj Spinoza (1932), El hombre importante (1934)— resultando a veces difícil precisar dónde termina uno de sus rostros y comienza el otro.

Los gauchos judíos, publicado en 1910, fue la primera gran expresión literaria de la utopía rural americana de los judíos que huían de la opresión zarista. El libro de Gerchunoff se adelantó a otras obras importantes sobre la Tierra Prometida que metaforizaba el espacio recreado en la alteridad y en la delimitación de la diferencia del nuevo territorio donde instalar la utopía. Gerchunoff eligió las colonias judías de la provincia de Entre Ríos para escribir sobre esa tierra, mucho antes de que la utopía espacial latinoamericana fuera narrada por los brasileros Jorge Amado en Los caminos del hambre y Graca Aranha en Canaán, o que Alejo Carpentier emprendiera el viaje iniciático por los rincones ocultos de la selva.

Gerchunoff fue profesor universitario y editor de numerosos diarios y revistas. De él dijo Borges: Fue un indiscutible escritor, pero el estilo de su fama trasciende la de un hombre de letras. Sin proponérselo y quizá sin saberlo, encarnó un tipo más antiguo: el de aquellos maestros que veían en la palabra escrita un mero sucedáneo de la oral, no un objeto sagrado.

Prosista y periodista de conmovida palabra poética, personaje protagónico de la vida literaria argentina, Alberto Gerchunoff constituye un lugar singular entre los clásicos de las letras argentinas de la primera mitad de este siglo.

Entre las muchas novelas y ensayos que escribió sobre la vida de los judíos en Latinoamérica se destaca Los gauchos judíos (1910), compuesta en homenaje al centenario de la Revolución de Mayo, donde recoge estampas y relatos de la inmigración judía en la Argentina inspirados en sus recuerdos de niñez y adolescencia.

Inmediatamente después de terminada la guerra, Gerchunoff se enroló públicamente como intelectual sionista argentino, en la determinación de defender la causa de Israel en los foros intelectuales de América Latina. Entre 1946 y 1948, Gerchunoff fue el redactor principal de Jalda, boletín informativo y de difusión en español de la Agencia Judía Pro-Palestina. Asimismo, durante las decisivas semanas previas a la convocatoria de la Asamblea General de la ONU, en noviembre de 1947, para tratar sobre la partición de Palestina, Gerchunoff recorrió varios países latinoamericanos enviado por la Agencia Judía, a los efectos de conseguir la adhesión de intelectuales católicos para los Comités Pro-Palestina Hebrea.

Alberto Gerchunoff fallece en Buenos Aires, el 2 de marzo de 1950. De manera póstuma fueron apareciendo seis volúmenes con algunas de sus notas y ensayos breves clasificados por tema: Retorno a Don Quijote (1950), Entre Ríos, mi país (1950), El pino y la palmera (1952), Argentina, país de advenimiento (1952), Buenos Aires, la metrópoli de mañana (1960) y Figuras de nuestro tiempo (1979)

Escena del filme "Los Gauchos Judíos" realizado por Juan Jose Jusid en 1974, basado en la novela de Gerchunoff

Theda Bara

Theodosia Burr Goodman nació a mediados de la década de 1880 en una familia judía de clase media baja de inmigrantes que vivían en el barrio judío de Avondale, en Cincinnati. Bernard Goodman, el padre, era un comerciante procedente de Polonia, y su madre, Pauline DeCoppett, una suiza. Tenía dos hermanas (una de ellas, Lori, en realidad llamada Esther, llegó a hacer pequeños guiones en algunas películas).

Desde joven, Theo mostró una gran inclinación a las artes escénicas, hasta el punto que, tras acabar sus estudios decidió encontrar trabajo en el mundo del espectáculo tras teñirse el pelo, originariamente rubio, de negro. No tuvo demasiado éxito al principio, encasillándose a principios de siglo en pequeñas obras de teatro ambulantes. Una vez en Los Angeles, en 1914, comenzó a trabajar como extra (la primera película fue The Stain, estrenada en 1915) hasta que llegó su gran oportunidad.

Ésta llevaba el nombre de A fool there was y estaba dirigida por Frank Powell. Aunque Theda ya estaba considerada como vieja para protagonizar un papel (tenía treinta años, en una época en la que no se concebía una protagonista mayor de veinticinco), su especial personalidad hizo que los productores se fijasen en ella y la “creasen” : Theo se convirtió en la primera estrella prefabricada por unos estudios cinematográficos, que explotaron su imagen de vamp y le cambiaron el nombre a Theda Bara, anagrama de Arab Death (muerte árabe). Para el gran público, Theda había nacido en 1890 hija de una concubina egipcia y su amante, un artista francés, en pleno Sahara, e incluso conocía misteriosos rituales mágicos orientales. Fue todo un éxito.

1915 dio lugar a seis películas más protagonizadas por Theda, que culminó el año con una de sus obras más famosas, Carmen, pero, sin duda, la película que la catapultaría a la fama absoluta sería Cleopatra de J. Gordon Edward en 1917, una de las primeras adaptaciones de la vida de la reina de Egipto.

En 1919, tras finalizar el rodaje de The lure of ambition, Theda fue despedida por la productora que la había creado, la Fox. La moda de las vamps había finalizado para dar paso a las alegres flappers. Dos años después, en 1921, y tras su matrimonio con Charles Brabin, Theda se retiró, aunque colaboró en el rodaje de Madame Mystery en 1926, poniendo entonces el punto y final definitivo a su carrera, que se hizo efectivo cuando, en la década de 1930, fracasaron todos sus intentos para volver al teatro y, en la de 1950, de crear una biopic con su vida. La razón de su retiro fue que Brabin no deseaba que ella actuase; en efecto, todas sus colaboraciones en películas desde su matrimonio las hizo sin el consentimiento de su esposo, mientras éste se hallaba en el extranjero.

Theda Bara estuvo activamente comprometida con la causa Sionista participando en innumerables actos y campañas. Dejó maravillosas películas de culto, dejó para la posteridad una estética, un nombre y una frase (entre muchas otras), hoy convertida en clásico :- “Bésame tonto”. Y se fue para quedarse por siempre, ya que una verdadera Vamp, mejor dicho: La Vamp, nunca muere.

A la edad de 69 años, Theodosia falleció en un hospital de Los Angeles a causa de un cáncer abdominal.

Irving Kershner

Nació el 29 de abril de 1923, en Filadelfia, Pennsylvania (Estados Unidos).Asiste a la South Philadelphia High School; es designado ingeniero de vuelo de las Fuerzas Aéreas Norteamericanas durante la Segunda Guerra Mundial (1942-1945); después de una temporada en Europa, regresa a los Estados Unidos para matricularse en la Tyler School of Fine Arts; adquiere una formación artística ecléctica (pintura, arquitectura, música, fotografía), que complementa con sus estudios de cine en la Universidad del Sur de California (USC)(1949-1950);

Es requerido por el Servicio de Información de los Estados Unidos para realizar diversos documentales en Europa y el Medio Oriente; es contratado para dirigir la serie de documentales titulada Confidential File; al mismo tiempo que se estrena su primer largometraje, Stakeout On Dope Street (1958) se hace cargo de la realización de la serie televisiva The Rebel (1959-1961).Nominado al Emmy de Programa Especial, Dramático o Comedia al Mejor Director por Brigada antisecuestro (1976-1977)(NBC).

Si bien la trayectoria cinematográfica de Irvin Kershner invite a pensar en un director de condición gregaria, heterodoxo y poco escrupuloso a la hora de escoger sus proyectos, subyace en su cine una máxima que ha intentado preservar a lo largo de los años. Para el cineasta de origen judío, "la ópera es cine. Tiene sonido, drama, sexo, decorados, música, pero todo es irreal.

Pero en el cine todo funciona mejor cuando la superficie es naturalista, los espacios reales, las localizaciones reales. La gente tiene que ser real, al igual que los decorados". Desde esta perspectiva, se entiende que Irvin Kershner escogiera para su debut cinematográfico Stakeout On Dope Street, un título deudor de su formación de documentalista que penetra en los submundos de la droga escasamente explorados hasta entonces, a la estela de films pioneros como El hombre del brazo de oro (1955) y Un sombrero lleno de lluvia (1957). De hecho, la primera etapa cinematográfica de Kershner se posicionaba en una línea rupturista similar a la adoptada por algunos de los miembros de La generación de la televisión como John Frankenheimer, Robert Mulligan o Sidney Lumet. Esta dinámica se podría entender como una trasposición al celuloide de los espacios dramáticos televisivos emitidos en directo.

Pero en el caso del cine de Kershner uno de los rasgos diferenciadores lo aportaba el tratamiento experimental de la fotografía de Haskell Wexler, otro técnico proveniente del campo del documental. Una impronta más relevante que la que dejaría Roger Corman, el productor ejecutivo titular de Stakeout On Dope Street y The Young Captives --otra variante sobre la rebeldía y el inconformismo juvenil--, a quien Kershner ni siquiera llegó a conocer. La relación profesional entre Kershner y Wexler se prolongaría a A Face in the Rain y Refugio de criminales, en la que se plantea la redención de un grupo de jóvenes marginados a través de la figura de un sacerdote (Don Murray, asimismo autor del guión y coproductor) y que causaría una cierta controversia durante su estreno. De este modo, Kershner se había hecho acreedor de una aureola de cineasta polémico e inquieto.

Pero sería una imagen que se iría difuminando progresivamente al aceptar su ingreso en producciones de talante abiertamente comercial. No quiere esto decir que Kershner prescindiera de la iluminación como un elemento que aportara una mayor dimensión dramática a la historia (así lo atestiguan la excelente nómina de operadores con los que trabajó, como Gordon Willis, Gerry Fisher u Owen Roizman) o se limitara a rodar guiones impuestos por los productores. A modo de ejemplo, rechazó el guión completo de Ojos escrito por John Carpenter. Pero sí que las historias que plasmó en la gran pantalla se encontraban a las antípodas de su ideario como cineasta, con la excepción de La venganza de un hombre llamado caballo, cuyo tratamiento antropológico adivinaba la presencia tras la cámara de un cineasta familiarizado con el mundo del documental.

Precisamente, este film interpretado por Richard Harris, a partir de entonces valdría para establecer un extraño vínculo de Kershner con producciones deudoras de éxitos precedentes, ya sea desde la fórmula de las segundas partes (Robocop 2), continuaciones (El imperio contraataca) o integradas en una saga, la de James Bond (Nunca digas nunca jamás, el título no oficial de la serie sobre el agente 007 encarnado por Sean Connery) que serviría de filón para los films de vocación paródica-desmitificadora de la etapa intermedia de Kershner (Un loco maravilloso, Un fabuloso bribón, Dos espías a lo loco). Por consiguiente, la obra de Kershner se puede distinguir en tres partes bien diferenciadas, como corresponde a la segunda trilogía galáctica en la que participó con la elaboración de El imperio contraataca.

Para definir esta megaproducción de ciencia-ficción, Kershner ofrece un paralelismo con otro ámbito artístico que había estudiado durante su ecléctica formación: "Es como una pieza musical. La primera parte (La guerra de las galaxias) es una sonata, rápida, alegre; la segunda (El imperio contraataca) es un largo y la tercera" (El retorno del Jedi) un vivace". Una percepción operística de la obra cinematográfica que nos permite entender el interés de Kershner por llevar a cabo un biopic sobre Giacomo Puccini --uno de sus proyectos frustrados, junto con The White Crow, centrado en la figura del general nazi Adolph Eichmann que acabaría dirigiendo William A. Graham--. Mientras tanto, su nombre aparece en los créditos de films (Travelling Man) o series manufacturadas para la televisión (el capítulo piloto de Sea Quest y el episodio Hell Toupee de la serie Cuentos asombrosos).

Elías Canetti

Hijo de una familia comerciante de origen sefardí (su apellido proviene de Cañete, pueblo de Cuenca, España de donde es Hijo Adoptivo), vivió en la actual Bulgaria hasta que en 1911 se trasladó a Gran Bretaña, más precisamente a la ciudad de Manchester, donde tomó contacto con las mejores obras de la literatura universal.

Desde niño dominaba el búlgaro, el alemán y el ladino (en su autobiografía, asociado a fuertes recuerdos de la infancia). Muerto su padre, al año siguiente la familia emigró a Viena donde vive la Primera Guerra Mundial y se enorgullece con sus pequeños amigos de ser "británico antes que austriaco". Una vez instalado en Austria, utilizará el alemán principalmente.

Tras pasar por Zúrich y Alemania, regresó de nuevo a Viena en 1924 como estudiante de Ciencias Químicas, licenciándose en 1929, aunque su gran pasión era la literatura, dedicándose al estudio de esa disciplina en Suiza.

Durante su estancia en Viena, contrae matrimonio con la también escritora Veza Taubner, y redacta sus primeras obras: La Boda, La Comedia de las Vanidades y Auto de Fe. En 1938, después de la Noche de los cristales rotos en Austria, Canetti se trasladó a Londres, obteniendo la ciudadanía británica en 1952.

Es en Gran Bretaña donde vivió pobremente trabajando en una de sus obras magnas, Masa y poder, influido notablemente por la Alemania nazi que había podido ver de cerca. Incómodo con la mentalidad y las costumbres inglesas, se mostró muy crítico con la intelectualidad del país, como describe en su libro Fiesta bajo las bombas, y fue amante de la novelista británica Iris Murdoch, de quien dejó en este libro un retrato inmisericorde.

A partir de los 70 vivió en Zúrich hasta su muerte, acontecida el 14 de agosto de 1994. En 1971, tras la muerte de su primera esposa, se casa con la restauradora de arte Hera Buschor, de quien tiene una hija.

En 1972 recibe el Premio Georg Büchner, la más importante distinción literaria en lengua alemana, y en 1981 el Premio Nobel de Literatura.

Entre los fundamentos de la entrega del Nobel, se menciona su estudio de los movimientos de masas y de manera especial con la brutalidad del nacionalsocialismo germano y de las dictaduras en general.

El conjunto de su obra personal no podrá ser conocido hasta el 2024 por sus propias disposiciones testamentarias.

Eddie Fisher

Eddie Fisher fue el cuarto de los siete hijos procreados por el matrimonio integrado por los esposos Joseph Fisch y Kate Winokur, ambos de origen hebreo, residenciados en Philadelphia, estado de Pennsylvania.
Eddie, nació el 10 de agosto de 1928, y adquirió junto a su familia, el apellido Fisher, como se le llegaría a conocer en el mundo del espectáculo musical.
El pequeño “Sonny Boy”, desde sus primeros años demostró aptitudes para la escena artística, destacándose como un exquisito vocalista. Sus primeras actuaciones se desarrollaron en el ámbito local, donde participó en concursos de aficionados. También destacó en emisoras de radio, hasta que fue descubierto por Arthur Morton Leo Godfrey conocido como “Arthur Godfrey”, quien para la época era un prestigioso hombre de radio y televisión.

En 1946, Eddie Fisher cantaba con las orquestas del trombonista Buddy Morrow y del saxofonista Charlie Ventura. En 1949, fue presentado en el programa radial que producía Eddie Cantor. Estas presentaciones se constituyeron en éxito de costa a costa

.Eddie Fisher consiguió un éxito rotundo interpretando canciones como Thinking of you o Any time, por mencionar sólo dos, pero el rostro de este cantante de los años 50 acaparó portadas gracias a sus matrimonios con las actrices Debbie Reynolds y Elizabeth Taylor.
Su elegante forma de cantar le permitió vender millones de discos y llenar sus conciertos de adolescentes que le adoraban. Aquel chico que venía de Filadelfia había triunfado en Nueva York gracias al apoyo del cómico Eddie Cantor o los consejos de manager Milton Blackstone, que en sus primeros pasos, a principios de los años 50, contrataba a chicas para que chillaran y se desvivieran por el joven artista.

Antes de que Elvis y demás patilludos adolescentes del rock and roll pusieran histérica a América y la hicieran bailar y chillar frenéticamente de Seattle a Miami, de Filadelfia a Los Ángeles, el país ya sabía de lo que eran los ídolos de masas y el fenómeno de las fans enloquecidas tras las piruetas vocales y físicas de un cantante. Eddie Fisher fue uno de estos artistas. En los primeros 50 vendió millones de discos y sus actuaciones desataban verdaderas manifestaciones de histeria colectiva. Llegó incluso a tener su propio programa televisivo, Eddie Fisher Show y ya en los 60 fundó una compañía discográfica, Ramrod Records de su propiedad.

La firma discográfica RCA Victor le contrató como exclusivo, prensando sus primeras grabaciones de éxito internacional.
En 1951, Eddie Fisher fue reclutado por el ejército de los EE.UU. Su entrenamiento militar tuvo lugar en Texas, participando en la Guerra de Corea..
Al ser dado de baja, Fisher actuó como profesional del canto popular en presentaciones teatrales y en discotecas. También actúo como animador de televisión en programas de reconocida audiencia nacional: “Coca-Cola con Eddie Fisher” se transmitió por la NBC entre 1953 a 1957.Durante su larga y exitosa carrera artística, Eddie Fisher ha recibido innumerables reconocimientos y distinciones. Posee dos estrellas en el “Paseo de la Fama de Hollywood”
En 1981, Fisher, escribió su autobiografía titulada “Eddie: My Life, My Loves” y, en 1999 apareció una remozada autobiografía con el sugestivo nombre de “Been There, Done That”

Su rápido ascenso permitió que ya no hiciera falta pagar a fans falsas. En 1955, se casó con la estrella Debbie Reynolds , con la que se convertiría en "la pareja favorita de América", como les solían apodar. Con la actriz tendría un hijo Todd, y una hija, Carrie Fisher, famosa por su papel en La Guerra de las Galaxias como la princesa Leia.

Posteriormente se casaría con Elizabeth Taylor en una impresionante boda.

El artista falleció el 24 de septiembre de 2010. Una complicación tras una operación de cadera ha sido la causante de su muerte a los 82 años, en su casa de Berkeley.

Artie Shaw

Arthur Jacob Arshawsky, más conocido como Artie Shaw (*Nueva York el 23 de mayo de 1910 - † Thousand Oaks, California, 30 de diciembre de 2004) fue un clarinetista y director de orquesta de jazz estadounidense de fama internacional.

Nacido en Nueva York, Arthur Arshawsky se educa en New Haven (Connecticut). Allí aprende a tocar el clarinete y el saxofón. Inicia su carrera en orquestas de baile. En 1926 adopta el seudónimo de Artie Shaw.

En 1929 se traslada a Nueva York, donde inicia una intensa actividad como músico de estudio. Colabora un tiempo en la orquesta de Paul Whiteman. De 1934 a 1935, abandona la música y se retira al campo para dedicarse a la literatura.

En 1936 crea su propia orquesta, con poco éxito al principio. Sin embargo, las cosas cambian a partir de abril de 1937. Con una renovada composición de su orquesta inicia su camino hacia el éxito. En 1938 graba su primer “hit” : “Begin the beguine” de Cole Porter. De marzo a noviembre de 1938, Billie Holiday es la cantante de la orquesta, lo que provoca algunos problemas en esas épocas de segregación racial (véase la autobiografía de la cantante : “Lady sings the blues”). La orquesta alcanza entonces su apogeo y se convierte en el principal rival del “rey del swing” Benny Goodman. Sin embargo, por segunda vez Artie Shaw se retira del mundo de la música, instalándose esta vez en México.

En 1940, fecha en la que contrae matrimonio con la actriz Lana Turner, recompone una orquesta que de nuevo encadena los éxitos (“Frenesí”, 1940). Paralelamente, dirige una pequeña y atípica formación, los “Grammercy Five” (a veces con Johnny Guarnieri en el clavecín). En 1942, durante la Segunda Guerra Mundial, se alista en la Marina. Dirige una orquesta destinada a levantar la “moral de las tropas” en el Pacífico.

De regreso a la vida civil en 1944, organiza una orquesta. esta vez de “jazz puro”, donde se puede escuchar a Roy Eldridge, Herbie Stewart, Dodo Marmarosa y Barney Kessel. Durante los años 50-60, dirige varias orquestas de envergadura y calidad variables, entre ellas una versión “modernizada” de los “Grammercy Five” (1953-1954).

A fines de los 60, abandona de nuevo la música para convertirse en productor cinematográfico y teatral. Se retira a Lakeville (Connecticut). Esporádicamente reaparece como músico (por ejemplo al frente de una gran formación en 1985, o en Londres en 1992 para dirigir su “Concierto para clarinete”. En 2004, recibe un lifetime achievement Grammy Award. Fallece el 30 de diciembre del mismo año.

Artie Shaw tuvo también una pequeña carrera como escritor; además de su autobiografía (“The trouble with Cinderella : an outline of identity”, 1952) escribió una recopilación de novelas (“I love you, I hate you, drop dead !”, 1965).

Shaw, brillante clarinetista, es igualmente autor de un método de clarinete (“Clarinet method : a school of modern clarinet technic”).

También destaca como hombre de profundas convicciones siempre contrario a la segregación racial.

Harry Houdini

Harry Houdini (Budapest, Hungría; 24 de marzo de 1874–Detroit, Míchigan, Estados Unidos; 31 de octubre de 1926), de verdadero nombre Erik Weisz (cambiado después por Erich Weiss al emigrar a Estados Unidos), fue un ilusionista y escapista húngaro de origen judío. Era hijo de Mayer Samuel Weisz y Cecilia Steiner Weisz. Tenía cuatro hermanos (Theodore, Leopold, Nathan y William) y una hermana (Gladys).

Su familia se trasladó a Appleton, Wisconsin cuando él tenía 4 años de edad, debido a que su padre había sido designado rabino de una nueva congregación.

Para ayudar a su familia a superar las dificultades económicas, Erich empezó a trabajar desde muy pequeño. Cuando tenía 8 años de edad, trabajó vendiendo periódicos y lustrando zapatos en las calles. Un día, su padre lo llevó a ver al Dr. Lynn, un mago viajero; al niño le llamó mucho la atención el arte de la actuación, y se interesó en éste. Cuando tenía 9 años, Erich y sus amigos del barrio formaron un pequeño circo, donde él actuaría por primera vez ante una audiencia el 28 de octubre de 1883 con el nombre de Ehrich, The Prince of the Air, actuando como contorsionista y trapecista.

Poco tiempo después, el joven artista se marchó de su hogar en busca de fortuna con circos y actos ambulantes. Duró alrededor de un año fuera de casa, pero regresó cuando su familia se había trasladado a Nueva York, a la edad de 13 años. Allí, el joven consiguió varios trabajos para ayudar a mantener a su familia.

Utilizaba su tiempo libre para estudiar magia, y competir en varios eventos atléticos, como la natación. En ese entonces, Erich consiguió un libro llamado The Memoirs of Robert-Houdin, Ambassador, Author, and Conjuror, Written by Himself; el libro narraba las memorias del mago Jean Eugène Robert-Houdin, a quien el joven de inmediato convirtió en su ídolo. Erich Weiss decidió utilizar desde entonces el apellido del mago, añadiéndole una i al final para indicar parecido a Houdin.

Si bien empezó como trapecista en 1882, se dedicó finalmente a la magia. Aunque era profesional en todas las ramas de la magia, era conocido por sus escapismos imposibles, gracias a una gran resistencia física que adquirió con una fuerte preparación en el gimnasio.

Adquirió asimismo una gran erudición en historia de la magia y llegó a acumular una formidable biblioteca especializada en la materia que posteriormente legó a la Biblioteca del Congreso de Washington. Al morir su madre, quedó tan afectado por quienes explotaban la credulidad de la gente diciendo poder contactar con difuntos del otro mundo que consagró su vida a desenmascarar a los falsos mediums, reproduciendo y denunciando sus trucos y publicando artículos en revistas sobre sus trucos y la psicología del engaño.

Aunque comenzó su carrera como mago chistoso haciendo juegos de cartas y otros efectos, pronto comenzó a considerar practicar el escapismo. En aquella época algunos espiritistas invocaban fantasmas mientras permanecían atados, para evitar sospechas de fraude. Houdini comprendió que se liberaban secretamente para manipular la escena con efectos mágicos, que aseguraban eran reales. Houdini decidió que tal vez «escaparse» podía ser un número en sí mismo. Concebía la magia como un espectáculo en sí misma y demostró gran habilidad para liberarse del interior de cajas fuertes arrojadas al mar, de camisas de fuerza colgado boca abajo de rascacielos, y de toda suerte de esposas, cuerdas, baúles cerrados con candados y cadenas de cualquier tipo.

Harry Houdini antes de morir, preparó una prueba definitiva contra el tan aborrecido espiritismo. Creó un código que comunicaría a su mujer si le era posible en el plazo de diez años tras su muerte. Se dice que ningún médium consiguió comunicarle el código correcto.

Un día de octubre de 1926 unos estudiantes universitarios se dirigieron a Houdini mientras descansaba tras haber terminado uno de sus espectáculos. Uno de ellos le retó a recibir unos cuantos golpes en el abdomen, para comprobar si su resistencia física era tan legendaria como se decía. El mago aceptó sin miedo. Sin embargo, antes de que pudiera prepararse adecuadamente, recibió un primer puñetazo muy fuerte de un pelirrojo llamado William Lances, el cual era la estrella de boxeo de la universidad y del que apenas se tienen datos; a éste primer golpe siguieron varios más. Aunque aguantó el envite como un buen actor, había sufrido sin saberlo una rotura de apéndice

En la madrugada del 31 de octubre de 1926, Houdini fallecía a sus 52 años. Los médicos emitieron un informe en el que indicaban una peritonitis como causa de la muerte. Su apéndice tal vez llevaba días inflamado antes del incidente con los estudiantes.

El entierro se celebró a los pocos días. Una multitud de dos mil personas acudió al evento, algo tan multitudinario como algunos de sus números callejeros.

Mickey Katz fue un clarinetista judío que vivió en Los Ángeles y fue más conocido en todo el país que los verdaderos músicos klezmer de Nueva York, Naftule Brandwein, Dave Tarras y Sid Beckerman. Sus grabaciones de música judía vendían mucho más y eran muy escuchadas en los años cincuenta y sesenta por muchos de los seguidores del Klezmer y de los que lo renovaron, contribuyendo a mantener el delgado vínculo entre aquellos, que por su edad escuchaban la música klezmer del período anterior a la Shoá y los que nacieron después.

Katz era capaz de tocar este estilo de música a mediados de los sesenta, cuando la mayoría de los músicos de klezmer hacía una década que ya se habían retirado. Muchos afirmaban despectivamente que "solo" tocaba música judía en un estilo novedoso y que eso nunca sería realmente música klezmer. Nada podía estar más lejos de la verdad, sus dos álbumes instrumentales Bailando en Familia, y Mickey Katz Toca Música para Casamientos, Bar Mitzvas y Brises, revelaron el talento excepcional de Katz como director de orquesta, compositor, arreglador y músico.

En verdad, sus arreglos eran innovadoras y sus letras cantadas en un idish bastante malo, eran muy jocosas y mordaces. Algunos puristas del klezmer dijeron que su arte era “basura” porque se atrevió a hacer reír a la gente y especialmente a reírse de si mismo como judío a través de sus parodias de canciones populares norteamericanas cantadas en inglés, idish y “Yinglish”.

Katz había nacido en Cleveland de padres inmigrantes. Su padre era de Lituania y su madre de Latvia. Antes de que hubiera tocado una nota de clarinete acostumbraba ir con sus padres al Teatro en Idish. Esto influiría en su actuación y percepción acerca de lo que era la música judía y lo que le gustaba oír a su audiencia. Comenzó a tocar el clarinete a los once años, para poder pagar sus lecciones iba a la sastrería de su tío, donde ganaba un dólar con cincuenta por tocar para los clientes los sábados a la tarde. Era un joven que sabía cómo tocar y cantar música judía porque su hermana cantaba profesionalmente en sitios y organizaciones judías, conocía la música klezmer porque tocaba en casamientos y otros eventos judíos desde que era un chico.

Cursó estudios académicos de clarinete y saxofón, todos estos estudios le dieron a Katz una gran versatilidad para su carrera como músico. El amaba el teatro idish pero se dio cuenta que iba desapareciendo lentamente como las audiencias de inmigrantes y por la fuerte asimilación de los judíos. En 1943 se unió a la banda liderada por Spike Jones en los Ángeles, con él grabó novedades y recorrió el país durante un par de años antes de irse en 1947. Alentado por el trompetista Manny Klein, Katz fue a RCA Records y grabó Haim Afyn Range (Home on the Range) que vendió 150.000 copias en menos de seis meses. En esa época vender entre 150.000 y 200.000 discos de música judía era algo inaudito

En 1948 , formó una nueva banda con Hal Zeiger llamada Mickey Katz y sus Kosher Jammers, que tocaba en un Show de la Revista Musical Idische creada por Katz, llamada Borscht Capades.

El hijo de Katz el famoso actor Joel Grey, comenzó su carrera en el espectáculo actuando en la gira de este show cuando tenía 16 años, obtuvo un gran renombre con su actuación como presentador en la película Cabaret. Su nieta, la hija de Joel, Jenifer Grey actuó en la famosa película Dirty Dancing, con Patrick Swayze. Desde 1947 a 1957, cuando grabó la mayor cantidad de discos, Katz se convirtió en el músico más popular escuchado en las radios y los negocios. Algunos judíos no encontraron gracioso o divertido el humor idishe de Katz. Los judíos estadounidenses en la década del cuarenta al cincuenta raramente se mostraban como tales y mucho menos hacían alarde de su condición. Incluso unas pocas radios se negaron a tocar su música.

En cambio Mickey Katz fue por todo el mundo exhibiendo orgullosamente su condición judía con todas sus virtudes y defectos. Era muy conciente de que estaba provocando algunas convulsiones dentro de la comunidad judía. Aún cuando las luces de los teatros de idish estaban mortecinas, Katz encontró una nueva audiencia y llegó a la gran multitud a través de los años sesenta. Katz actuó en dos oportunidades en el Carnegie Hall y viajó a Inglaterra, Australia y Sudáfrica ofreciendo conciertos y vendiendo miles de sus discos en el extranjero.

Lo mejor de Katz era que hacía una parodia de temas extremadamente caros e importantes a las tradiciones norteamericanas mezclándolas con palabras en idish y los sones más explosivos de la música klezmer. Con su lenguaje, con su música y sus temas tan divertidos y ridículos Katz sugería que los judíos no se habían americanizado completamente. Todavía conservaban sus rasgos de inmigrantes y minoría diferenciada que se expresaban a través de la comicidad y el ridículo, el desenfado, que fueron la marca, la impronta aportada por numerosos actores cómicos judíos inolvidables de un período memorable, que había comenzado tal vez, con los Hermanos Marx en el film “Una Noche en la Opera”.
 

How Much Is That Pickle In The Window?

Casa de Stefan Zweig en Petrópolis, Brasil

Brian Samuel Epstein (19 de septiembre de 1934 – 27 de agosto de 1967), hombre de negocios inglés, conocido principalmente por su rol como mánager del grupo The Beatles.

La familia, de origen judío, de Epstein poseía una tienda de muebles en Liverpool (donde la familia de Paul McCartney había comprado un piano). Brian comenzó los estudios de la Royal Academy of Dramatic Art (RADA) en Londres, donde tuvo compañeros como los actores Susannah York o Peter O'Toole, pero al abandonarlos tras el tercer curso, su padre le dejó a cargo del departamento musical de la tienda recientemente inaugurada North East Music Stores (NEMS) en la calle Great Charlotte. Posteriormente una segunda tienda fue abierta en la calle Whitechapel, y Epstein fue asignado responsable de dicha operación. El 3 de agosto de 1961 Epstein comenzó una colaboración regular con una columna musical en la revista Mersey Beat.

La versión aceptada mayoritariamente sobre su primer encuentro con el grupo musical que ayudó a convertir en estrellas, indica que Epstein vio por primera vez el nombre de The Beatles en el cartel de un concierto, y pensó que el nombre sonaba "tonto". Cuando después una serie de clientes comenzaron a preguntar por el single que habían grabado con Tony Sheridan en Alemania, y no siendo capaz de encontrarlo a través de ninguna de sus contactos habituales en las compañías discográficas, decidió ir a preguntarle directamente a la banda. Epstein y su empleado Alistair Taylor acudieron a verles actuar al abarrotado pub Cavern Club el 9 de noviembre de 1961, que estaba en la calle a la vuelta la tienda; su llegada fue manajada por la admisión VIP e incluso bienvenida a través de los altavoces del local. Epstein recuerda la actuación del grupo esa noche: "Quedé impresionado de manera inmediata por su música, su ritmo y su sentido del humor sobre el escenario. E incluso más tarde cuando los conocí también quedé impresionado por su carisma personal. Y fue en ese mismo instante en donde todo comenzó..." (También reconoció a los miembros del grupo como clientes habituales de la tienda, donde pasaban el tiempo entre los espectáculos hojeando discos).

Esta historia citada puede ser ficticia: Bill Harry (por entonces editor de la revista Mersey Beat) ha asegurado que fue el quien personalmente presentó a Epstein y Lennon. Aunque esta versión está igualmente sin verificar, se debe tener en cuenta que Harry había convencido a Epstein para distribuir la recién nacida revista en su tienda de discos, y esas revistas realmente promocionaban a los Beatles, amigos de Harry.

En una reunión el 10 de diciembre de 1961 se decidió que Epstein se convirtiera en el manager de la banda, y los miembros firmaron un contrato de cinco años con él en casa de Pete Best el 24 de enero de 1962. Epstein nunca firmó el contrato, dando así la opción a los Beatles de romper la relación en cualquier momento. Así mismo, contactó a su manager anterior, Allan Williams, para confirmar que no le quedaba ningún vínculo con ellos. Williams lo confirmó, pero también advirtió a Epstein de "no manejarles con un remo de lancha".

Aunque hasta entonces no se le conocía por decisiones y tratos de negocio especialmente exitosos, Epstein se convirtió en una de las principales fuerzas detrás de la promoción y éxito inicial del grupo. Cuando Epstein se hizo cargo de la banda, sus componentes llevaban vaqueras y chaquetas de cuero, y sus actuaciones eran básicamente desordenados conciertos de Rock and roll. El les convenció para que llevaran traje sobre el escenario y para que suavizaran sus actuaciones. También les pidió que no fumaran ni comieran sobre el escenario, y les alentó para que ejecutaran su famosa inclinación sincronizada al finalizar sus conciertos. Aunque estos cambios no duraron demasiado, la imagen limpia y decente que proyectaba el grupo (con la única salvedad de sus peinados tipo "casco") ayudó de manera determinante en la aceptación de la banda por parte del público.

Tras ser rechazados por todas y cada una de las principales discográficas de Inglaterra, Epstein finalmente consiguió que la banda firmara por el pequeño sello Parlophone de la discográfica EMI. Epstein acudió a la tienda local HMV para transferir una cinta demo de los Beatles a vinilo. A un técnico de HMV, Jim Foy, le gustó la grabación y remitió a Epstein con George Martin, productor en la Parlophone. Martin accedió a conocer el grupo y planificó una audición. Todos los Beatles pasaron la prueba, excepto el batería Pete Best, al que Martin decidió sustituir en las grabaciones por un músico de estudio. John Lennon, Paul McCartney y George Harrison pidieron a Epstein que despidiera inmediatamente a Pete, y Ringo Starr tomó su lugar en la formación.

Algunas fuentes atribuyen el interés de Epstein por los Beatles, a sentimientos de este por John Lennon, pero Lennon posteriormente desmintió este punto; una ficción sobre la relación aparece detallada en la película "The Hours and Times".

En Octubre de 1964, la autobiografía de Epstein, "A Cellarful of Noise" (Un Desván de Ruido), fue publicada, coescrista con quien posteriormente fungiría como publicista de los Beatles, el periodista Derek Taylor.

Además de a los Beatles, Epstein también manejó los destinos de otros artistas como, Gerry & The Pacemakers, Billy J. Kramer & The Dakotas, The Fourmost y Cilla Black.

Epstein murió el 27 de agosto de 1967, el fin de semana en el que los Beatles conocieron en Gales al Maharishi Mahesh Yogi. Su muerte fue oficialmente dictaminada como accidental.

Epstein gestionó todos y cada uno de los aspectos de la carrera de los Beatles, incluso ayudó a fundar la compañía que posteriormente se convertiría en la infame Apple Corps. Tras su muerte, las cosas cambiaron a simple vista, y los asuntos de negocios de la banda empezaron a desmoronarse. John Lennon resumió el impacto de la muerte unos años después: "Cuando Brian murió, supe que ahí se acababa todo. Supe que lo habíamos tenido...".

Mientras que los Beatles se encuentran entre los primeros grupos en entrar en el Salón de la Fama del Rock, el hombre que se tiene como uno de los mayores responsables de su éxito inicial no tiene tan asegurado el puesto en la historia popular; nunca se le consideró para formar parte del Hall, así como nunca fue propuesto para la medalla de la Orden del Imperio Británico, que los Beatles recibieron en 1965. El cómico Martin Lewis se ha erigido como el principal defensor de la memoria de Epstein, incluso ha creado la Web "Oficial", en la que se incluye una petición electrónica para conseguirle un puesto en el Hall of Fame.

Chandler nació el 15 de diciembre de 1918, en Brooklyn, Nueva York y era de origen judío, siendo su verdadero nombre el de Ira Grossel. Al terminar sus estudios en el Erasmus High School, comenzó a laborar en algunas compañías de teatro de repertorio durante dos años, interrumpiendo dicha actividad al ingresar al ejército, durante la Segunda Guerra Mundial.

Después de prestar su servicio militar se traslada a Los Angeles, encontrando trabajo en la radio en diversos dramas, dada su buena y educada voz, adquiriendo cierto renombre por su participación en la serie “Michael Shayne Detective”. Debuta en 1947 en el cine, en plan de extra, sin crédito, en “La Última Hora” (Johhny O’Clock) dirigida por Robert Rossen, hace otras dos pequeñas partes en películas serie “B” de la Columbia, antes de ser contratado en exclusiva por la Universal y filma “Madres Incautas” (Abandoned, 1949) todavía como comparsa al lado de Dennis O’Keafe, Gale Store y Raymond Burr. Tiene posibilidad de lucirse en “Patria Nueva” (Sword in the desert, 1949) llevando el cuarto crédito, en donde era un líder judío que combatía al lado del ejército inglés, contra los alemanes en la liberación de Palestina.

Ese mismo año la Universal lo presta a la Fox para realizar el papel que mas recuerdan los cinéfilos de Jeff Chandler y por el cual estuvo nominado al Oscar de Mejor Actor Secundario, en la entrega correspondiente a 1950. Estamos hablando, claro está, de su caracterización del jefe indio Cochise de la tribu de los Chircahuas de la nación Apache, en el célebre western pro-indio “La Flecha Rota” (Broken arrow, 1950) de Delmer Daves.

Su recia figura y su arrogante presencia le dieron al indio Cochise una dimensión de dignidad que antes no había tenido ningún otro jefe indio en algún western. Repitió su rol de Cochise en otros dos westerns menores, aunque de buena factura, el primero fue “Venganza Apache” (The battle of Apache Pass, 1952) dirigido por el veterano y especialista en el género George Sherman con John Lud como un Mayor del ejército, quién junto con Chandler trata de evitar una guerra entre los indios y unos blancos renegados. La Universal le tuvo que pagar un dinero extra por esa pequeña parte, al estar harto de que lo pretendieran encasillar en un “curioso indio de origen judío”.

En 1954 tuvo un buen éxito comercial como centurión romano en “Atila Frente a Roma” (The sign of the pagan, 1954). Aunque cabe señalar que Jack Palance, en su caracterización del rey de los hunos, se robaba prácticamente la película. A Chandler se le había ofrecido el rol de Atila, pero en su engreimiento de estrella prefirió ser el “bueno”, en una historia que tenía más elementos de lucimiento para el “malo”.

Su última película fue “Los Invasores” (Merril’s maraunders) de Samuel Fuller, donde repetía su clásica caracterización del comandante enérgico, de corazón duro y obstinado por cumplir con su deber a toda costa, aunque ello implicara el disgusto de sus subordinados.

Al margen de esta curiosa afición, otra de sus pasiones era la música, tocaba bastante bien el violín y poseía su propio sello discográfico llamado Chandler Music.

Falleció el 17 de Junio de 1961 por envenenamiento sanguíneo causado por una operación de Hernia discal. Tenía 42 años.

 

Artur Carlos de Barros Basto (Amarante, 18 de diciembre de 1887 - 1961) nació en  Amarante, ciudad pequeña al norte de Oporto, en una familla aparentemente católica. A los nueve años, su abuela le dijo en voz baja: ”somos judíos” y para que le creyera, le mostró una Biblia escrita en hebreo.

Este hombre comenzó a aprender hebreo y para la misma época (a los 18 años) leyó en un periódico que se fundaba la primera sinagoga en Lisboa, desde que la princesa Isabel llegara a Portugal. Vestido en su uniforme de oficial fue a encontrar al rabino y pedirle que le enseñara sobre judaísmo. Para esa época estaban regresando los marranos, descendientes de conversos y Barro Basto no sólo activó en el judaísmo de su época sino que incursionó en la política de su país y tuvo un papel destacado en diversas batallas que lo pusieron a nivel de héroe nacional.

Para ser aceptado como miembro de pleno derecho, aprendió hebreo y viajó a Marruecos para recibir instrucción religiosa. En Tánger fue circuncidado y aceptado oficialmente en la religión judía, adoptando el nombre de Israel Abraham Ben Rosh.

Profundizó sus estudios de hebreo y Torá, se casó con una judía al retornar a su ciudad natal, reunió a 17 ashkenazíes recién emigrados y los convenció de fundar una sinagoga en una casa.

 Con el tiempo, comenzaron a llegar a ese sitio descendientes de conversos que deseaban volver a la religión de sus ancestros. Uno de los primeros en dejar su cristianismo fue un médico, que terminó desempeñándose como mohel para las circuncisiones. Los dos terminaron haciendo largos recorridos a caballo por el país, Arturo vestido con su uniforme y sus medallas, se encontró con gran cantidad de judíos ocultos.

Para encontrar a los marranos tenían que recurrir a ciertas tretas. En 1929, invitó a un rico londinense, Lord Caduri, a colocar la piedra fundamental de la sinagoga de Oporto, que se inauguró en 1938. Unos años después se contaban 9.000 conversos vueltos al judaísmo, algunos llegados para estudiar en la escuela rabínica. Más tarde se mandó un batallón del Cuerpo Expedicionario Portugués en la Primera Guerra Mundial como teniente al frente de Flandes, por lo que fue condecorado.

Barros Basto fue conocido como el "Apóstol de los" marranos, nombre dado por el historiador Cecil Roth, y describió los esfuerzos que dedicó a su "trabajo de rescate".

Al volver al Oporto, fundó la comunidad judía en 1923 y fue uno de los impulsores de la construcción de la sinagoga de Oporto en 1938.

En una carta anónima llegada a la comandancia de la armada de Oporto, se lo acusó de explotar a los niños que estudiaban en la escuelas judías. Trajeron testigos, y así el capitán Barro Basto, héroe de la guerra, fundador de los boy-scouts portugueses tuvo que enfrentar un tribunal militar y otro civil, que lo hallaron inocente. Su nieta narró: “"Mi abuelo, quebrado por los juicios, se sumergió en una gran angustia. Siendo una persona orgullosa, esos malos momentos fueron duros para poder retornar después de la primera guerra al judaísmo.” La iglesia no pudo aceptar su inocencia, y la armada, tras la salida del dictador Salazar no pudo volver a juzgarlo, no obstante un tribunal lo exoneró de la fuerza porque un oficial no puede intervenir en circuncisiones, y le fue quitada su pensión. Murió en 1961 rodeado de sus medallas. En los últimos años existe un movimiento que trata de reivindicar su nombre y las obras de este capitán judío.

El capitán Arturo Carlos de Barros Basto murió en 1961 sin haber sido rehabilitado en 1943 el ejército portugués decisión del Ministro de la Guerra que exoneró de sus funciones oficiales, por el simple hecho de ser un Judío y un activo defensor de la tolerancia religiosa, y Judíos en particular. Su rehabilitación, a pesar de varias solicitudes, sigue ocurriendo. En el día de hoy es considerado el "Caso Dreyfuss" portugués.

Congreso de "Marranos" en Portugal

De familia rabínica (todos sus hermanos lo fueron), estudió en el Seminario Maimónides de Tánger, yendo a Israel en los años cincuenta, para desempeñarse en los Institutos de enseñanza para los egresados que llegaban de la diáspora.

En 1956 es invitado a Buenos Aires para desempeñarse como Director del Majon le Limudei Haiaadut de la Congregación Israelita de la Republica Argentina.

En 1960 asiste al Campamento Ramah de Laguna de los Padres, en calidad de profesor visitante, transformándose en co - fundador y vice rector del Seminario Rabínico Latinoamericano en 1962.

Sus amplios conocimientos bíblicos y talmúdicos lo llevan a ser el referente mas autorizado en su época y su condición especial de académico y didacta lo hicieron el "Maestro" por naturaleza y el consultor halájico mas destacado en America Latina.

Recorrió con sus clases y conferencias todos los países del continente y tradujo con su refinado manejo del idioma español, toda la Liturgia Judía y las Sagradas Escritura.

Sidurim y Majzorim (Rituales de oración tanto ashkenazim como sefaradim), Jumash y demás libros del Tanaj (Biblia hebrea), con los comentaristas exegéticos tradicionales, traducidos al Español, muestran sus conocimientos profundos y su fina sabiduría para adaptar los conceptos y proyectar con espíritu tradicional y enfoque actualizado.

Después de generar una corriente tradicionalista en la Comunidad Bet El de Buenos Aires, funda hace 25 años la Congregación Tora ve Jaim, generando una nueva alternativa sinagogal en la vasta gama porteña.

Su partida deja una gran horfandad en todos sus discípulos.

Lo sobreviven su viuda Marta Sasson y sus hijos Ruth Lucía, Daniel y Ariel.
 

Albert Einstein

"Hay dos cosas infinitas: el Universo y la estupidez humana...
Y del Universo no estoy seguro que sea infinito..."

Fue uno de los científicos más conocidos y trascendentes del siglo XX. Por su inclinación al pacifismo y por su ascendencia judía, se tuvo que marchar de Alemania en 1933, para finalmente quedarse en Estados Unidos (donde obtuvo la nacionalidad). En 1905 hicieron su aparición los primeros artículos en los que formulaba sus principales planteamientos. Albert Einstein fue galardonado con el Premio Nobel de Física en el año 1921.

Orígenes
Nació en Ulm (Alemania) el 14 de marzo de 1879, y se crió en el seno de una familia judía. Inició su formación en Zurich y después de graduarse, en 1900, adquirió la nacionalidad suiza y se estableció en Berna. Luego de obtener el doctorado, en 1905, ejerció como docente en Zurich, Praga y Berlín.

Los acontecimientos políticos de comienzos del siglo XX influyeron sobremanera en la trayectoria de Albert Einstein; su inclinación al pacifismo y, ante todo, su ascendencia judía, hicieron que se tuviera que marchar de Alemania en 1933, debido al advenimiento del nazismo. Finalmente se quedó en los Estados Unidos, estableciéndose en Princenton.

Al mismo tiempo se dedicaba a la investigación en los campos de la física y la matemática (lo cual fue su vocación definitiva). En 1940 se nacionalizó estadounidense. Sus estudios, en los ámbitos mencionados, le permitieron el descubrimiento de las leyes del Universo, dejando abierta la posibilidad de llevar cabo la investigación nuclear.

Se casó con una joven matemática croata, Mileva Maric, luego de haber terminado sus estudios (y de haber obtenido la nacionalidad suiza), en el año 1900. Separado luego de ésta, con quien tuvo dos hijos varones, contrajo matrimonio con su prima Elsa Einstein en 1915 (quien falleció en 1936 en Estados Unidos), que también era separada y tenía dos hijas. En el momento en que había alcanzado la gloria por su teoría de la relatividad, perdió a su hijo Eduardo y a sus dos hijas.

Sus primeras publicaciones científicas
En 1905, a los 26 años, Einstein publicó una serie de artículos en los que formulaba sus principales planteamientos (revolucionarios en aquel momento). El primero explicaba el "movimiento browniano", descubrimiento realizado por el botánico escocés Robert Brown (1827) a partir de la observación de un preparado de polen y agua. El segundo artículo se refería al efecto fotoeléctrico, el cual trataba sobre la transmisión de la luz. Por otra parte, afirmó la existencia de un espacio-tiempo cuatridimensional a partir de la unificación de ambos elementos, algo que había anticipado en forma parcial el matemático alemán Minkowski, su maestro.

En los siguientes artículos expresó la denominada "teoría especial de la relatividad", y en el título llamado "Acerca de la electrodinámica de los cuerpos en movimiento", describió la velocidad de la luz en el vacío como un constante de la naturaleza, independientemente de que el cuerpo emisor o detector de luz se encontrara en movimiento o en reposo.

La denominada "relatividad especial" llegó a su punto culminante en el último de los artículos señalados, donde Einstein se preguntaba si la inercia de un cuerpo está en relación con la energía que contiene; y concluyó en el carácter intercambiable de energía y masa.

En 1916 dio a conocer su teoría general de la relatividad, su trabajo más destacado. En ella reformuló por completo el concepto de gravedad. Una de las consecuencias fue el surgimiento del estudio científico del origen y evolución del Universo por la rama de la física denominada cosmología. Muy poco después Einstein se convirtió en un icono popular de la ciencia alcanzando fama mundial.

La primera comprobación empírica de la teoría de la relatividad ocurrió cuando mediciones hechas durante el eclipse total de Sol de 1919 demostraron que sus cálculos sobre la curvatura de la luz en presencia de un campo gravitatorio eran exactos. Los resultados se dieron a conocer en la Royal Society de Londres.

Albert Einstein fue galardonado con el Premio Nobel de Física en el año 1921, por sus investigaciones sobre el efecto fotoeléctrico y sus grandes aportaciones en el terreno de la física teórica. Para ese entonces, la comprobación de la teoría de la relatividad lo había convertido en el científico más popular y conocido del siglo XX.

Asimismo fue reconocido con otros premios; y además de sus numerosas publicaciones profesionales, escribió varias obras de divulgación, como: "El significado de la relatividad" (1922) y "La física, aventura del pensamiento" (1935), en colaboración con L. Infeld.

Una persona comprometida
Einstein fue cofundador del Partido Liberal Democrático Alemán. En plena Segunda Guerra Mundial apoyó una iniciativa de Robert Oppenheimer para iniciar el programa de desarrollo de armas nucleares conocido como Proyecto Manhattan.

Hay que tener en cuenta que Albert Einstein fue un activista político muy perseguido durante la caza de brujas del senador anticomunista McCarthy por manifestar opiniones de carácter anti-imperialista, aunque se salvó por aportar grandes avances científicos de los que el gobierno estadounidense se valió para su expansión armamentística.

Originario de una familia judía defendió la causa sionista. El Estado de Israel se creó en 1948, y cuando Chain Weizmann, el primer presidente de Israel y viejo amigo de Einstein, murió en 1952, Abba Eban -embajador israelí en EE.UU.-, le ofreció a Albert la presidencia, pero éste rechazó el ofrecimiento. En sus últimos años fue un pacifista convencido y se dedicó al establecimiento de un Gobierno Mundial que permitiera a las naciones trabajar juntas y abolir la necesidad de la guerra.

Asimismo, Einstein creía en un "Dios que se revela en la armonía de todo lo que existe, no en un Dios que se interesa en el destino y las acciones del hombre". Deseaba conocer "cómo Dios había creado el mundo". En algún momento resumió sus creencias religiosas de la manera siguiente: "Mi religión consiste en una humilde admiración del ilimitado espíritu superior que se revela en los más pequeños detalles que podemos percibir con nuestra frágil y débil mente".

últimos años
Durante el último tiempo Einstein intentó construir una teoría unificadora de todos los campos (en especial el gravitatorio y el electromagnético), a la cual llamaba Teoría de Campo Unificada; pero no consiguió llegar a ninguna conclusión válida.

Albert Einstein murió en Princeton en 1955, luego de haber rechazado el ofrecimiento de convertirse en presidente del Estado de Israel.

La vida de un hombre sin religión no tiene sentido; y no sólo lo convierte en un desdichado, sino en un ser incapaz de vivir. El admitir que existe Algo en lo cual no podemos penetrar; el pensar que las razones más profundas, que la belleza más radiante que nuestra mente pueda alcanzar, son sólo sus formas más elementales de expresión; ese reconocimiento, esa emoción, constituye la actitud verdaderamente religiosa. En ese sentido yo soy profundamente religioso.

85 Vidas

Pasteur 633. 18 de julio de 1994. 9:53 hrs.
Una fuerte explosión, seguida por un gigantesco hongo de humo y polvo, destruyó 85 vidas, 85 historias, 85 familias.
En cuestión de segundos arrasó con la sede de la organización judía más emblemática de la Argentina y todo lo que estaba a su alrededor.
Pánico. Ambulancias. Gente corriendo. Vidrios rotos cayendo de las ventanas de los edificios, cubriendo toda la calle. Gritos que surgían de la multitud mezclaban historias milagrosas y trágicas casualidades del destino.
Muerte por decenas. Muerte. Muerte. Personas gravemente heridas trasladadas a centros asistenciales. Espontáneamente cientos de voluntarios se hacen presentes para ayudar, para contener, para compartir el llanto.
El mundo hizo escuchar su ira. El gobierno argentino un silencio que dura hasta el día de hoy. La sociedad toda salió a la calle a decir basta.
La comunidad debía reorganizarse. El edificio de la calle Ayacucho 632 comenzó a funcionar como centro de reunión e información sobre las víctimas del atentado y sede de AMIA y DAIA. En poco tiempo las funciones esenciales se reanudaron, en especial las relacionadas con el servicio social.
La comunidad, en medio de tanto dolor, respondía.
85 víctimas fatales. Más de 300 heridos. Un edificio con la historia judía de la Argentina destruido. Una herida abierta que hasta el día de hoy no cierra.
El más horrendo acto antijudío después de la Segunda Guerra Mundial sucedió en la Argentina; en Pasteur 633. Era un 18 de Julio de 1994. 9:53 hrs.

 Recordemos sus nombres, recordemos sus rostros

Martha Graham

Martha Graham nació en el seno de una familia judía en Pittsburgh y se mudó a California siendo una niña. Después de ver a Ruth St. Denis bailar en los años 1910 tomó un interés por el baile. No fue sino hasta los 22 años (1916) cuando se interesó profesionalmente, entrando en el Denishawn. En esta histórica escuela, Ruth St. Denis, pide a Ted Shaw, que la tome como alumna, ya que le es imposible enseñarle; Ted Shaw no tarda en descubrir las capacidades excepcionales de su nueva alumna. Se abrió paso sola, pero con el constante apoyo de Louis Horst, quien la acompañará por más de 20 años; un músico que trabajaba como acompañante al cual ella conoció mientras estudiaba en Denishawn y que se convirtió en su amante y mentor musical.

En 1923, después de una intensa colaboración como ayudante y como bailarina solista de Ted Shaw, Martha Graham abandona el Denishawn. Viaja a Nueva York para bailar en Greenwich Village Follies y en el Eastman Theater; en 1925, Graham se convirtió en instructora de baile en la Escuela de Música y Teatro Eastman en Rochester, Nueva York. Durante dos años en esta escuela, experimenta y encuentra los principios de su danza. Descubre a Mary Wigman a través de libros y fotografías; asiste a una demostración de la bailarina Ronny Johansson en el estudio de Ted Shaw, queda impresionada de la utilización del suelo que hace la bailarina y a partir de ello se percata del control que puede efectuarse sobre los músculos del torso. Incorpora este método de trabajo para resolver técnicamente problemas fundamentales sobre el equilibrio y es así como descubre a la pelvis como la fuente de energía del bailarín.

En 1926 Graham fundó su propia compañía, La Compañía de Danza Martha Graham. Su estilo único de danza moderna reflejaba el arte moderno de su época. Las presentaciones de Graham la hicieron famosa por sus innovaciones en la danza moderna. El estilo de Martha Graham es ampliamente reconocido por sus características contracción y relajación, la caída al piso controlada, los saltos del hombre, y un desarrollo de imágenes que van con los movimientos.

En la Universidad de Bennington en 1932, Graham fundó el primer grado de bachiller de las artes en danza. En 1951 creó la división de danza en la Escuela Juilliard

En 1936 llegó el trabajo definitivo de Graham, que marcó el comienzo de una nueva era en la danza contemporánea. "Steps in the Street" trajo serios problemas al escenario para el público en general de manera dramática. Influenciada por el desplome de Wall Street, la Gran Depresión y la Guerra Civil Española, la danza se enfocó en la depresión y el aislamiento, reflejados en las oscuras escenografías y vestuarios. Esto definió el nuevo estilo de baile, y fijó el estándar que muchos coreógrafos siguen hoy en día.

La vida en el baile de Graham gradualmente llegó a un descanso comenzando en los años 1950. En 1948, el Centro Martha Graham de Danza Contemporánea fue establecido. Una de sus estudiantes era la heredera Bethsabée de Rothschild de la cual se hizo amiga cercana. Cuando Rothschild se mudó a Israel y estableció la Compañía de Danza Batsheva en 1965, Graham se convirtió en la primera directora de la compañía, preparó a la primera generación de bailarines, y coreografió trabajos exclusivos para el grupo israelí.

Su última presentación de danza llegó a finales de los años 1960, y después de eso se enfocó en la coreografía. Algunos críticos dicen que aunque hay poco registro existente de sus bailes, éstos son más memorables que su trabajo como coreógrafa. Graham continuó trabajando en el arte hasta que en 1991 murió por causas naturales a los 96 años.

Fue premiada con la Medalla Presidencial de la Libertad en 1976 por el presidente de los Estados Unidos Gerald Ford (la Primera Dama Betty Ford, había bailado con Graham en su juventud.)

En 1998, la revista TIME, la nombró "Bailarina del Siglo", y una de las personas más importantes del siglo XX.

Appalachian Spring

Martha Graham protagoniza una de sus más emblemáticas creaciones coreográficas para la música de Aarón Copland

Yonatan “Yoni” Netanyahu

Yonatan “Yoni” Netanyahu o Jonatán Netanyahu (13 de marzo de 1946- Star of David.svg4 de julio de 1976), fue un miembro de la unidad del Sayeret Matkal de la élite de las fuerzas de la defensa de Israel.Cayó en combate durante la operación Entebbe en el aeropuerto de Entebbe Uganda, donde el vuelo 139 de Air France, un Airbus con 12 tripulantes y 246 pasajeros, había sido secuestrado, los rehenes fueron rescatados por militares israelíes. Él fue el líder del comando, y fue la única muerte militar israelí de la incursión.
Yonatan Netanyahu se unió a la FDI en 1964 y sobresalió en la academia de oficiales. Le dieron el mando de una compañía de paracaidistas. El 5 de junio de 1967, durante la guerra de los seis días, su batallón combatió en la batalla de Um Katef en el Sinaí en la lucha por los Altos del Golán. Durante la batalla, Yonatan recibió una herida en un codo mientras ayudaba a un soldado herido.

Después de la guerra de los seis días, Netanyahu fue a los Estados Unidos para estudiar en la Universidad de Harvard, volvió un año más tarde debido a la Guerra de Desgaste. Siguió sus estudiós en la Universidad Hebrea de Jerusalén, volviendo al servicio militar activo poco después.

En los años 70 se puede decir que él desarrolló a los Sayeret Matkal (fuerzas especiales israelíes) y en el verano de 1972 fue designado como el comandante en jefe de la unidad. Durante ese año, ordenó una incursión en la cual capturaron y fueron intercambiados oficiales sirios a cambio de pilotos israelíes prisioneros. Al año siguiente participó en la Operación Primavera de Juventud (hebreo: מבצעאביבנעורים) en la cuál Sayeret Matkal, Shayetet-13 y el Mossad mataron a los terroristas y a una parte de la dirección de Septiembre Negro (grupo terrorista de la OLP que planifico la masacre de Múnich en 1972).

Durante la guerra de Yom Kippur en octubre de 1973, Netanyahu comandó una fuerza del Sayeret Matkal en los Altos del Golán que eliminó a más de 40 oficiales del ejército sirio en una batalla que frustró la incursión de los sirios en los Altos del Golan. Durante la misma guerra, también rescató al Teniente Coronel Yossi Ben Hanan , cuando éste se encontraba herido tras las líneas sirias.

Después de la guerra, le concedieron a Netanyahu la medalla del servicio distinguido (hebreo: עיטורהמופת), la decoración militar más alta de Israel equivalente a la Medalla de Honor americana, por su conducta en tiempo de guerra. Netanyahu entonces se ofreció voluntario para servir como comandante en el ejército debido a las grandes bajas infligidas en el cuerpo armado israelí durante la guerra, con un número especialmente desproporcionado entre los oficiales. Netanyahu hace el curso de ofical tanquista y le es dado el mando de la brigada armada Barak, que fue disuelta durante la guerra. Su brigada se convirtió en la principal unidad militar en los Altos del Golan.

En junio de 1975 Netanyahu dejó el cuerpo armado y volvió al Sayeret Matkal como comandante de la unidad. Cayó en combate el 4 de julio de 1976 mientras dirigía la Operación Thunderbolt, su primera gran operación desde su vuelta a la unidad. Netanyahu fue el único soldado israelí abatido durante la incursión (junto con 3 rehenes y docenas de Ugandeses y de 6 terroristas palestinos). La operación en sí misma se considera un éxito enorme con casi todos los rehenes rescatados.

Emma Lazarus

Emma Lazarus (22 de julio de 1849 – 19 de noviembre de 1887) fue una poetisa estadounidense nacida en la ciudad de Nueva York.

Lazarus fue la cuarta de siete hijos de Moses Lazarus y Esther Cardozo, familias de judíos sefardíes portugueses cuyos miembros están muy asentados en Nueva York, y se relacionan, a través de su madre, a Benjamin N. Cardozo. Desde temprana edad estudió literatura americana y europea, así como varios idiomas, incluyendo alemán, francés e italiano.

Lazarus editó originales poemas con numerosas adaptaciones de sus poemas en alemán e italiano, sobre todo las de Johann Wolfgang von Goethe y Heinrich Heine. También escribió una novela y dos obras de teatro.

Lázaro mantenía un latente judaísmo que despertó aun mas después de leer la novela de George Eliot, Daniel Deronda , y que se fortaleció aún más por los pogromos de Rusia en los años 1880. Estos acontecimientos llevaron a Lázaruso a escribir artículos sobre el tema y comenzar la traducción de obras de poetas judíos en idioma inglés. Los infortunios, las persecuciones, los pogromos que sufrieron los Judíos Askenazí en Europa Oriental, despertaron en Emma una profunda emoción que la llevó a sugerir y ejecutar acciones de beneficencia para aquellos que, miserables, hambrientos y enfermos llegaron en masa en el invierno de 1882 a las orillas americanas. Lazarus misma participó activamente en la prestación de educación cultural y técnica para hacer de ellos autosuficientes.

Viajó dos veces a Europa, la primera vez en mayo de 1885 después de la muerte de su padre en marzo y nuevamente en septiembre de 1887. Regresó a la ciudad de Nueva York gravemente enferma después de su segundo viaje y falleció dos meses después, el 19 de noviembre de 1887, probablemente por la enfermedad de Hodgkin.

Es conocida como una importante precursora del movimiento sionista. De hecho, argumentó la creación de una patria judía trece años antes que Theodor Herzl comenzara a utilizar el término sionismo.

Escribió, entre otras cosas, "The New Colossus", un soneto escrito en 1883, actualmente grabado en una placa de bronce de una pared de la base de la Estatua de la Libertad. El soneto fue solicitado por William Maxwell Evarts como una donación a una subasta realizada por la «Recaudación de Fondos para Exposiciones de Arte en Ayuda del Pedestal Bartholdi para la Estatua de la Libertad»

 El Nuevo Coloso

Poema inscrito en la base de la Estatua de la Libertad

No como el mítico gigante griego de bronce,
De miembros conquistadores a horcajadas de tierra a tierra;
Aquí en nuestras puertas del ocaso bañadas por el mar se yerguerá.
Una poderosa mujer con una antorcha cuya llama
Es el relámpago aprisionado, y su nombre.
Madre de los Desterrados. Desde el faro de su mano
Brilla la bienvenida para todo el mundo; sus templados ojos dominan
Las ciudades gemelas que enmarcan el puerto de aéreos puentes
"¡Guardaos, tierras antiguas, vuestra pompa legendaria!" grita ella.
"¡Dadme a vuestros rendidos, a vuestros pobres
Vuestras masas hacinadas anhelando respirar en libertad
El desamparado desecho de vuestras rebosantes playas
Enviadme a estos, los desamparados, sacudidos por las tempestades a mí
¡¡Yo elevo mi faro detrás de la puerta dorada!"
(Emma Lazarus, 1883).

Jevel Katz, (Vilna, 10 de mayo de 1902-Buenos Aires, 8 de marzo de 1940) fue un comediante y cantante lituano famoso dentro de la comunidad judía de Argentina en la década de 1930. Jevel Katz fue conocido póstumamente como el Gardel judío aunque él se definía como el "más alegre de todos los judíos".

Jevel Katz nació en Vilna, la llamada Jerusalén de Lituania en el seno de una familia de pocos recursos. De muy joven comenzó a trabajar como matricero en la imprenta de los hermanos Rom. Jevel Katz comenzó a cantar sus primeras parodias en el sindicato de obreros gráficos de Vilna. A los 27 años decide seguir a un hermano suyo radicado ya en Buenos Aires, una ciudad muy lejana y de muy mala fama por la Semana Trágica y la trata de blancas organizada por la Zwi Migdal.

Jevel Katz llegó a Buenos Aires el 20 de mayo de 1930 decidido a iniciarse en el mundo del espectáculo.

Jevel Katz se autodefinía como un "cantor callejero"; juglar, parodista, Katz solía actuar de esmoquin y galera, se vestía de gaucho o de mujer. Katz cantaba en ídish, mezclado con castellano y lunfardo. Actuando en radios de Buenos Aires y Montevideo, recorrió el interior de Argentina, especialmente las colonias judías de Moisés Ville y Basabilvaso, actuó en Tucumán, Uruguay y Chile.

En sus diez años de carrera Jevel Katz — Jévele o Kétzele, nombres alternativos con los que él mismo se nombraba y que eran diminutivos de su verdadero nombre— escribió o musicalizó más de quinientas piezas musicales de los más variados estilos: vidalitas, rancheras, fox-trots, tangos y rumbas.

Katz trabajó principalmente en Buenos Aires y casi exclusivamente para la comunidad judía, no obstante participaba de todas las inauguraciones de las emisoras de radio, un nuevo medio de comunicación que hacía furor en el Buenos Aires de la década del treinta.

Katz solía tomar canciones que estaban de moda y les cambiaba la letra, rescribiéndolas en "castidish", tal como definía ese cocoliche que había inventado: ídish mechado con castellano. Así lo hizo con La Cucaracha, Manisero y La Cumparsita, entre otros.

Entre sus creaciones se pueden mencionar: "Dados", "Radio", "Un poquercito", "Colchas", "En un conventillo", "De noche con un tranvía por Corrientes", "Canning", "Busco un cuarto", "Una ranchera", "Te", "El gringo en la plaza", "Mi viaje a Tucumán", "Un colono", "Basavilbaso", "Moisés Ville", entre otras.

Jevel Katz murió a los 37 años de edad en Buenos Aires, el 8 de marzo de 1940, por una complicación de una operación de amígdalas a la que se sometió luego de recibir una oferta de trabajo en los Estados Unidos.

Fue una mañana sofocante, aquel 10 de marzo de 1940 cuando sucedió una de las más extraordinarias manifestaciones de dolor en la historia de la judeidad porteña: el funeral del popular cantor Jevel Katz. Había muerto en el Hospital Israelita el viernes 8 y ya se sabe que el culto no acepta el sábado para los entierros. El domingo sus restos fueron llevados al cementerio de Liniers. Unas 40 mil personas se concentraron en las calles del barrio para llorar a este inmigrante lituano de sólo 37 años, que en una década cambió la canción judía acuñada en el extraño país que lo atrajo. Llegó a Buenos Aires en mal momento: crecía el nacionalismo católico y ultramontano después del golpe del 30, contexto que influiría en sus canciones. En escaso tiempo se transformó en el más popular intérprete en yiddish en la Argentina.

En el año 2005 el cineasta argentino Alejandro Vagnenkos estrenó el documental Jevel Katz y sus paisanos en el que se relata la vida del comediante en la Argentina.

Nacida en Kiev el 11 de febrero de 1903 y asesinada en el campo de concentración de Auschwitz, (17 de agosto de 1942), fue una novelista de origen ucraniano, que vivió en Francia y escribió en francés. Fue deportada bajo leyes raciales por su origen judío en 1939.

Irène Némirovsky era hija de un banquero judío ucraniano, Léon Némirovsky. Fue educada por una institutriz francesa de modo que el francés fue prácticamente su lengua materna; su madre no mostró mucho interés por Irène. También hablaba ruso, polaco, inglés, vasco, finés y yiddish. En diciembre de 1918, la familia de Irène escapó de la revolución rusa y permaneció un año en Finlandia. En julio de 1919, llegaron a Francia. Irène, de 16 años, pudo retomar sus estudios y obtuvo en 1926 la licenciatura en Letras en la Sorbona. A los 18 años comenzó a escribir.

En 1926, Irène Némirovsky se casó con Michel Epstein, un ingeniero transformado en banquero; tuvieron dos hijas: Denise, en 1929 y Élisabeth, en 1937. La familia Epstein se instaló en París.

En 1929 envió su primer novela, David Golder, a la editorial Grasset. Temiendo el rechazo, no incluyó en el sobre ni su nombre ni su dirección. El editor tuvo que publicar un anuncio en la prensa para poder conocer al autor de aquella obra audaz cruel y brillante. Su editor, Bernard Grasset la proyectó entonces en los salones y medios literarios. Esta novela fue apreciada por escritores tan diferentes como Joseph Kessel, que era judío, o Robert Brasillach, que era antisemita. De su novela se hicieron en 1930 adaptaciones para el teatro y el cine.

En 1930, El baile narra el difícil paso de una adolescente a la edad adulta. La adaptación al cine sería la revelación de Danielle Darrieux. Irène Némirovsky se transformó en una consejera literaria, amiga de Joseph Kessel y Jean Cocteau.

Siendo una escritora en lengua francesa reconocida e integrada en la sociedad francesa, el gobierno francés, sin embargo, rechazó su petición de nacionalización en 1938, en una actitud de antisemitismo.

Víctimas de las leyes antisemitas promulgadas en octubre de 1940 por el gobierno de Vichy, Michel no pudo trabajar más en la banca y a Irène le impidieron publicar. Se refugiaron entonces en Issy-l'Évêque, donde habían mandado a sus hijas en 1939 junto a la familia de su niñera. Irène se dedicaría a escribir aunque no podía publicar. Ella y su marido llevaron la estrella amarilla.

El 13 de julio de 1942, Irene fue arrestada por la gendarmería francesa e internada en el campo de Pithiviers; muy pronto sería deportada a Auschwitz, donde murió de tifus el 17 de agosto de 1942. El mismo día del arresto, su marido emprendió innumerables gestiones para lograr su liberación y finalmente en octubre de 1942 fue arrestado, deportado a Auschwitz y al poco tiempo de llegar, asesinado en la cámara de gas el 6 de noviembre de 1942.

El descubrimiento de una escritora

Después del arresto de sus padres, Denise y Élisabeth Epstein vivieron escondidas durante la guerra, ayudadas por amigos de la familia y llevando siempre la valija con los manuscritos inéditos confiados por su madre, entre ellos la Suite francesa. Eran dos tomos de una novela inacabada que tiene por escenario el éxodo de 1940, la ocupación alemana en Francia y la pérdida del mundo normal; es un relato claro e inteligente de la desaparición de la Francia que existió o, que quizás nunca existió realmente. En ella se describe la sociedad de la Francia de Vichy dibujando escenas de convivencia entre sus miembros y el invasor. Además de los dos tomos escritos tenía recogidas numerosas notas de los tomos sucesivos y de posibles cambios en los ya realizados. No la pudo finalizar porque fue detenida y deportada a Auschwitz donde moriría poco tiempo después. Fue publicada en el 2004. Recibió el Premio Renaudot a título póstumo.

Las dos hijas han conservado la memoria de su madre con varias reediciones. En 1992, su hija Élisabeth Gille, que dirigió en la editorial Denoel la colección "Présence du Futur", publicó la biografía soñada de su madre, El Mirador.

El Teatre Nacional de Catalunya y el Centro Dramático Nacional presentan una propuesta original que combina teatro y danza. Sergi Belbel pone en escena, combinando movimiento y palabra, el texto de la prestigiosa novelista Irène Némirovski.

Jascha Heifetz

Jascha Heifetz, virtuoso del violín, nacido en Vilna, Lituania (2 de febrero de 1901 – 10 de diciembre, de 1987), fue uno de los violinistas más notables del Siglo XX y de todos los tiempos.

Heifetz nació en el seno de una familia de origen judío en Vilna, Lituania, que entonces formaba parte del Imperio ruso. Hay cierta controversia en torno a su año de nacimiento, ya que a veces se sitúa un año o dos antes de su fecha oficial, en 1899 ó 1900. Cabe la posibilidad de que su madre dijera que era uno o dos años más joven para que el virtuosismo de su hijo fuera aún más meritorio. Su padre, Ruvin Heifetz, era profesor de violín en una escuela local y también primer violín en la Orquesta del Teatro de Vilna durante una temporada, antes de que el teatro cerrara sus puertas. Jascha tuvo su primer contacto con el violín a los tres años, siendo su padre su primer profesor. A los cinco años Jascha comenzó a estudiar con Ilya D. Malkin, uno de los pupilos de Leopold Auer. Fue un niño prodigio e hizo su debut público a los 7 años en Kovno, (actualmente Kaunas, Lituania) tocando el Concierto para violín en E menor de Felix Mendelssohn. Heifetz ingresó en 1910 en el Conservatorio de San Petersburgo para estudiar con Leopold Auer.

Heifetz tocó el violín en Alemania y Escandinavia, y conoció a Fritz Kreisler en una fiesta privada en Berlín, junto con muchos otros violinistas notables que también asistieron. Kreisler, tras acompañar al piano a un joven Heifetz de 12 años mientras éste tocaba el Concierto de Mendelsshon, dijo a todos los presentes: "Podríamos romper nuestros violines contra las rodillas". Heifetz visitó gran parte de Europa cuando aún era un adolescente. En abril de 1911 Heifetz dio un concierto al aire libre en San Petersburgo frente a 25.000 espectadores. Hubo tal expectación tras su interpretación que la policía tuvo que proteger al joven violinista de la entusiasmada multitud. En 1914 Heifetz tocó con la Orquesta filarmónica de Berlín bajo la dirección de Arthur Nikisch. El director quedó muy impresionado por el talento del joven violinista, y dijo que nunca había conocido a un intérprete tan brillante.

El 27 de octubre de 1917, Heifetz tocó por primera vez en los Estados Unidos, en un concierto celebrado en el Carnegie Hall, causando sensación inmediatamente. Su colega violinista Mischa Elman, presente entre el público le preguntó al hombre que ocupaba la butaca de al lado: "¿No cree que hace calor aquí?", a lo que Leopold Godowsky, que era precisamente su compañero de fila, replicó imperturbable: "No para los pianistas."

Heifetz fue elegido miembro honorario de la Phi Mu Alpha Sinfonia, la hermandad nacional para personas interesadas por la música, por el Capítulo Alpha en el Conservatorio de Nueva Inglaterra, en Boston. Como Heifetz contaba entonces 16 años, quizá haya sido la persona más joven en ser elegida miembro por esta organización. Heifetz se quedó en los Estados Unidos y se convirtió en ciudadano americano en 1925. Cuando le dijo a su admirador Groucho Marx que se había estado ganando la vida como músico desde los siete años, Groucho le contestó: "Y supongo que antes de eso era usted un simple holgazán".

Heifetz está entre los grandes violinistas del Siglo XX. Contaba con una técnica inmaculada que, unida a su belleza tonal, hace que muchos violinistas sigan considerándolo un violinsta de facultades inalcanzables. No obstante, era corriente que esta técnica cercana a la perfección y su conducta conservadora en el escenario atrajeron algunas críticas que lo acusaban de ser demasiado mecánico e inluso frío. Virgil Thomson denominó el estilo de Heifetz "música de ropa interior de seda", un término con el que no quería elogiar a Heifetz. Aun así, muchos otro críticos coincidían en que Heifetz infundía su forma de tocar con sentimiento y reverencia hacia las intenciones de los compositores. Su forma de tocar resultó muy influyente a la hora de definir la forma en que los violinistas modernos abordaban la técnica del violín. El uso de Heifetz de un rápido vibrato, de un portamento con mucha carga emocional, ritmos rápidos y un soberbio control del arco se fundían para crear un sonido muy distinguido que hacía que la técnica de Heifetz fuera fácilmente reconocible para los aficionados.

Heifetz también tocaba y componía para el piano; y tocó jazz en los comedores de los cuarteles en campos aliados de toda Europa durante la Segunda Guerra Mundial

Durante su tercera gira por Israel, que tuvo lugar en 1953, Heifetz incluyó en el programa de sus recitales la Sonata para Violín de Richard Strauss. En esos momentos Strauss estaba considerado por muchos como un compositor nazi, y sus obras estaban prohibidas de forma extraoficial en Israel junto con las de Richard Wagner. A pesar de que el Holocausto había tenido lugar menos de 10 años antes y de una última súplica enviada por el Ministro de Educación israelí, un Heifetz desafiante alegó que la música estaba por encima de todos aquellos factores y que no cambiaría el programa, puesto que como solista tenía derecho a elegir su repertorio. En todos los conciertos que Heifetz dio en su gira israelí, un silencio mortal siguió a su interpretación de la sonata para violín de Strauss.

Tras una operación en el hombro derecho parcialmente satisfactoria llevada a cabo en 1972, Heifetz dejó de dar conciertos y de realizar grabaciones. Aunque su habilidad permaneció intacta hasta el fin de sus días y continuó tocando el violín de forma privada hasta el final, el brazo del arco quedó afectado y en consecuencia nunca pudo volver a manejar el arco como antes.

Heifetz falleció en el Cedars-Sinai Medical Center, en Los Angeles, California el 10 de diciembre, de 1987. En 1989 Heifetz recibió un grammy póstumo en reconocimiento a toda su carrera.

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Micaela Feldman

Hija de judíos rusos, Mika crece con los relatos de los revolucionarios evadidos de los pogroms y las cárceles de la Rusia zarista. A los 15 años, en Rosario, Argentina,  ligada a las anarquistas, pronuncia su primer discurso. En 1920 estudia odontología en la UBA y conoce a Hipólito Etchebéhère, su compañero. Juntos emprenderán una vida consagrada a la militancia. Sus primeros pasos: el grupo Insurrexit, la línea más izquierdista de la Reforma, donde confluyen marxismo, anarquismo y socialismo; su paso por el PC, 1924, de donde son expulsados en 1926 por su desacuerdo con la dirección y su apoyo a Trotsky (aunque no forman parte orgánica de un grupo trotskista). El viaje por la Patagonia, donde recogen testimonios sobre la masacre de los peones rurales en manos del Ejército, mientras arreglan dientes. En 1931 viajan a Europa en busca de la revolución. España, primera decepción: la República reprime duramente a los manifestantes que reclaman el cumplimiento de las promesas.

Luego París, estudios y vínculos con revolucionarios. Octubre del ’32, Berlín, son testigos de la derrota del proletariado alemán y el ascenso al poder de Hitler. Francia en el ’33, el grupo clandestino Que Faire, de oposición al stalinismo. Y al fin España, 1936. (Cuarenta años después, Mika publica un libro con sus recuerdos.) Mika e Hipólito se unen al POUM (Partido Obrero de Unificación Marxista), cercano a sus ideas. Parten con una columna motorizada que comanda Hipólito. Un mes después, él muere en el combate de Atienza. Mika quiere matarse, pero le parece oír a su compañero: “¿Qué haces con nuestros principios? Ya resolverás tu pequeño destino individual después de la revolución. No es el momento de morir por sí mismo”.

Decide hacer suya esta guerra. Pero no será fácil para Mika convivir e imponer su autoridad a esos hombres, revolucionarios pero machistas. “En otras compañías son las muchachas las que lavan y hasta remiendan los calcetines”, protesta el miliciano. “Las muchachas que están con nosotros son milicianas –le contesta– no criadas. Estamos luchando todos juntos, hombres y mujeres, de igual a igual, nadie debe olvidarlo. Y ahora dos voluntarios.” Siempre habrá voluntarios porque Mika explica lo que ella misma va aprendiendo, y se preocupa de que no les falte comida o abrigo, de escucharlos y comprenderlos, de que ceda la tos con ese jarabe que ella misma les lleva a las trincheras, entre el silbido de las balas. Poco a poco, y pese a su ignorancia en estrategia militar, va asumiendo el lugar de jefa: en Sigüenza exige al emisario fascista que le lleven las condiciones de rendición por escrito y firmadas para ganar tiempo, ordena resistir, atacar, distribuye las funciones.

Ella elige una palabra oportuna para hacerse obedecer, elige alentarlos cuando las injurias del PC contra el POUM desmoralizan a sus milicianos, andar en cuatro patas por las trincheras, acostarse en el barro, empuñar las armas, mantener vivo el ideal revolucionario luchando codo a codo con sus milicianos... Ellos mismos la nombran capitana y la columna del POUM, combatiendo con pocas armas contra un enemigo mucho mejor equipado, realiza proezas en distintos frentes. Sigüenza, Moncloa, Pineda de Húmera, cada vez más alto el riesgo. Su fama temeraria hace que los altos mandos la designen para tomar el cerro de Avila. Los han mandado al asalto sin protección y Mika ve morir a sus milicianos. Se refugia en el Liceo Francés hasta el fin de la guerra, cuando regresa a París. De una guerra en la que combate a otra de la que debe huir por su origen judío. La familia Botana la asila en la Argentina.

En 1976, después de 40 años de contar su historia a múltiples interlocutores, de recuperar recuerdos visitando viejos amigos, borronear cuadernos y avanzar algunos relatos parciales, Mika publica en Francia sus memorias de los años de miliciana: Ma guerre d'Espagne a moi. El libro es bien recibido por la crítica, y la historia de Mika e Hipólito se reaviva. En 1987 aparecerá en Madrid la versión española con el título Mi guerra de España. Les seguirán una edición catalana y otra alemana.

Desde 1946 hasta su muerte vive en París. No hay acontecimiento político en el que no se involucre, que no provoque sus lúcidas reflexiones. En el ’68 francés, con unos guantes blancos, recoge adoquines y explica a los estudiantes cómo evitar que el negro en sus manos los delate si son sorprendidos por la policía. No puede imaginar el guardia que acompaña a su casa a esa señora de 66 años, elegantemente vestida, que en su cartera están aquellos guantes tiznados.

Mika Feldman de Etchebéhère murió en París, su ciudad de adopción, nonagenaria, el 7 de julio de 1992. En Le Monde del 11 de julio, su círculo de amigos más íntimos la despedía así: “Mika fue la fidelidad, el coraje, la amistad, el rigor. Amaba París, los pájaros, los gatos y las peonías”. Micaela Feldman “Mika”, “la Capitana” nunca regresó a Moisés Ville, su ciudad natal en Argentina.

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Hannah Arendt

Hannah Arendt, nacida como Johanna Arendt, (Linden-Limmer, hoy barrio de Hanóver, Alemania, 14 de octubre de 1906 – Nueva York, Estados Unidos, 4 de diciembre de 1975) fue una filósofa política alemana de origen judío, una de las más influyentes del siglo XX.

Johanna Arendt nació en 1906 en el seno de una familia de judíos secularizados, cerca de Hannover. Sus antepasados provenían de Königsberg, en Prusia (la actual ciudad rusa de Kaliningrado), a donde regresaron su padre, el ingeniero Paul Arendt, enfermo de sífilis, su madre Martha (nacida Cohn) y ella, cuando Hannah tenía sólo tres años. Tras la muerte de su padre en 1913, fue educada de forma bastante liberal por su madre, que tenía tendencias socialdemócratas. En los círculos intelectuales de Königsberg en los que se crió, la educación de las niñas era algo que se daba por supuesto. A través de sus abuelos conoció el judaísmo reformado. No pertenecía a ninguna comunidad religiosa, pero siempre se consideró judía.

A los catorce años ya había leído la Crítica de la razón pura de Kant y la Psicología de las concepciones del mundo de Jaspers. A los diecisiete años tuvo que abandonar la escuela por problemas disciplinarios, dirigiéndose entonces sola a Berlín, donde, sin haber acabado la escolaridad, tomó clases de teología cristiana y estudió por primera vez la obra de Søren Kierkegaard. De vuelta a Königsberg en 1924, se presentó por libre y aprobó el examen de madurez (Abitur).

Estudios

En 1924 comenzó sus estudios en la universidad de Marburgo y durante un año asistió a las clases de Filosofía de Martin Heidegger y de Nicolai Hartmann, y a las de teología protestante de Rudolf Bultmann, además de griego.

Heidegger, padre de familia de 35 años, y Arendt, estudiante diecisiete años más joven que él, se enamoraron, aunque tuvieron que mantener en secreto la relación por las apariencias. A comienzos de 1926 no aguantaba más la situación y decidió cambiarse de universidad, trasladándose durante un semestre a la universidad Albert Ludwig de Friburgo, para aprender con Edmund Husserl. A continuación estudió Filosofía en la universidad de Heidelberg y se doctoró en 1928 bajo la tutoría de Karl Jaspers, con la tesis El concepto del amor en san Agustín. La amistad con Jaspers duraría hasta la muerte del filósofo.

La privación de derechos y persecución en Alemania de personas de origen judío a partir de 1933, así como su breve encarcelamiento ese mismo año, la decidieron a emigrar. El régimen nacionalsocialista le retiró la nacionalidad en 1937, por lo que fue apátrida hasta que consiguió la nacionalidad estadounidense en 1951.

Trabajó, entre otras cosas, como periodista y maestra de escuela superior y publicó obras importantes sobre filosofía política. Sin embargo, rechazaba ser clasificada como «filósofa» y también se distanciaba del término «filosofía política»; prefería que sus publicaciones fueran clasificadas dentro de la «teoría política».

Arendt defendía un concepto de «pluralismo» en el ámbito político. Gracias al pluralismo, se generaría el potencial de una libertad e igualdad políticas entre las personas. Importante es la perspectiva de la inclusión del Otro. En acuerdos políticos, convenios y leyes deben trabajar a niveles prácticos personas adecuadas y dispuestas. Como fruto de estos pensamientos, Arendt se situaba de forma crítica frente a la democracia representativa y prefería un sistema de consejos o formas de democracia directa.

Sin embargo, a menudo continúa siendo estudiada como filósofa, en gran parte debido a sus discusiones críticas de filósofos como Sócrates, Platón, Aristóteles, Immanuel Kant, Martin Heidegger y Karl Jaspers, además de representantes importantes de la filosofía política moderna como Maquiavelo y Montesquieu. Precisamente gracias a su pensamiento independiente, la teoría del totalitarismo (Theorie der totalen Herrschaft), sus trabajos sobre filosofía existencial y su reivindicación de la discusión política libre, tiene Arendt un papel central en los debates contemporáneos.

Como fuentes de sus disquisiciones Arendt emplea, además de documentos filosóficos, políticos e históricos, biografías y obras literarias. Estos textos son interpretados de forma literal y confrontados con el pensamiento de Arendt. Su sistema de análisis -parcialmente influenciado por Heidegger- la convierte en una pensadora original situada entre diferentes campos de conocimiento y especialidades universitarias. Su devenir personal y el de su pensamiento muestran un importante grado de coincidencia.

Arendt argumentaba que el judaísmo moderno (reformado) ha perdido su auténtica tradición, un motivo que también se encuentra en las tesis de su libro sobre Rahel Varnhagen. «Entre nosotros crece paradójicamente el número de los que sustituyen a Moisés y a David por Washington o Napoleón...», judíos que querían «rejuvenecerse» a costa de no judíos. Arendt observa críticamente que la historia (judía) no es ningún vehículo del que uno pueda apearse por capricho; reivindica que se haga del judaísmo una «consagración», a saber, un arma en la lucha por la libertad. Con eso quería despertar la conciencia política judía en el mundo. Reivindicó en muchos artículos la creación de un ejército judío propio, que luchara codo con codo al lado de los aliados. Ni ella ni los pocos que la secundaban consiguieron tener éxito con esta demanda, que Arendt formuló antes de que comenzaran los asesinatos en masa en los campos de exterminio.

Al contrario que otros estudiosos, Hannah Arendt no realizó una «obra tardía» o «de vejez». Más bien lo que hizo fue seguir desarrollando continuamente su pensamiento político y mostró a menudo su valor cívico. No hubo rupturas profundas. A pesar de las sacudidas exteriores, sobre todo la aparición del totalitarismo, el conjunto de su obra está cerrado en sí mismo y no hubo muchas correcciones de fondo. Así, basándose en el concepto kantiano del «mal radical» que adoptó, formuló en 1961 la tesis de la «banalidad del mal», y luego la defendió a pesar de la hostilidad que suscitó durante años.

En sus cartas habla de su deseo de mantenerse productiva hasta la muerte. Tras un primer infarto de miocardio en 1974, retomó sus escritos y la enseñanza y en 1975 tuvo un segundo infarto mortal en su despacho, en presencia de amigos. Las oraciones fúnebres las pronunciaron, entre otros, su viejo amigo Hans Jonas y representantes de sus alumnos.

Entrevista del año 1964 donde Günter Gaus entrevista a Hannah Arendt

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Samuel Yosef Agnon

Shmuel Yosef Czaczkes (שמואל יוסף עגנון), nombre original de Shmuel Yosef Agnon (1888 - 1970), fue un escritor judío, el más fértil de entre los novelistas, escritores de cuento y antologistas de Israel. Premiado con el Nobel de Literatura en 1966, convirtiéndose así en el primer israelí en recibir este premio; considerado uno de los más representativos escritores de la literatura moderna hebrea.

Agnon nace en 1888 en Buczacz (Galitzia) donde su padre era rabino. No recibió educación formal, pero de su padre aprendió el aggadah y de su madre literatura alemana. Cuando tenía ocho años comenzó a escribir en hebreo y Yiddish, y a la edad de 15 años publicó su primer poema en Yiddish. En los años siguientes comenzó a publicar regularmente y escribió 70 poemas en esos idiomas. En el año de 1909 a la edad de 21 años decide instalarse en Palestina atraído por el ideal sionista, donde vivió en Yafo (Jaffa) y adoptó una manera de vida secular. Poco tiempo después, sin embargo, volvería a la tradición judía y siguió siendo un judío observante durante el resto de su vida.

Su primer historia corta, Agunot ("Esposas abandonadas") fue publicada en Palestina en 1908 bajo el nombre de Agnon, que se asemejaba al título de la historia, y que se convirtió en su nombre oficial después de eso.

En 1913, la I Guerra Mundial lo obliga a volver a Europa, y deja Israel para radicar en Alemania, donde vivió por once años. Los sionistas jóvenes gustaron de su estilo que combinaba lo tradicional y lo moderno. Estando en Alemania conoció a Salman Schocken, un acaudalado hombre de negocios, quien se transformó en su admirador y benefactor. Con su ayuda, Agnon tuvo la oportunidad de despreocuparse de su economía personal lo que le posibilitó escribir cuanto quisiera, sin embargo, este período de tranquilidad y felicidad finalizó cuando, el 6 de junio de 1924 un incendio terminó con todos sus manuscritos. Agnon interpretó este hecho como un mal presagio y decidió retornar a Israel. Su retorno a Jerusalén no fue del todo grato, pues cinco años después un nuevo contratiempo terminaría minando sus escritos y su biblioteca personal: los disturbios árabes del año 1929.

En 1932 es reconocido como una de las figuras centrales de la literatura hebrea moderna cuando publica la primera edición de sus trabajos escogidos, incluyendo El Pabellón Nupcial.

Sus textos tienen la característica de combinar lo nuevo con lo viejo, posibilitando que muchas veces el lector no sepa distinguir donde comienza la realidad y donde termina la fantasía. Sus personajes hablan por sí mismo en una tentativa por entenderse y entender su contorno. En Huésped por una noche, un narrador anónimo visita su ciudad natal en Galicia después de una ausencia de muchos años. La base efectiva de esta historia era su propia mirada respecto de su vida en Buczacz en 1930. La novela refleja la desesperación del mundo judío durante este tiempo.

Temol Shilshom ("Ayer y anteayer"), se considera la novela más grande de Agnon. Es una descripción de gran alcance de Palestina en los días del segundo Aliyah, pero su pesadumbre refleja el período en el cual fue escrito: los años del Holocausto judío. Muchos de sus libros tratan sobre Buczacz, mientras que otras son colecciones populares rabínicas.

Agnon recibió muchas premios durante su vida, incluyendo el premio de Israel en 1954 y 1958 y el premio Nobel de Literatura en 1966, primero concedido a un escritor hebreo. El año 1924 se instala definitivamente en Jerusalén, en el distrito de Talpiot, donde vivió hasta su muerte ocurrida el 17 de febrero de 1970, debido a un fallo cardiaco.

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Shimshom Raphael Hirsch

Samson Raphael Hirsch (20 de junio de 1808 - 31 de diciembre 1888) fue un alemán rabino más conocido como el fundador intelectual de la Torá im Derech Eretz la escuela contemporánea el judaísmo ortodoxo . En ocasiones llamado neo-ortodoxia, su filosofía, junto con la de Azriel Hildesheimer, ha tenido una influencia considerable en el desarrollo del judaísmo ortodoxo.

Hirsch era rabino en Oldenburg , Emden , fue nombrado gran rabino de Moravia , y desde 1851 hasta su muerte, llevó a la comunidad ortodoxa secesionistas en Fráncfort del Meno. Escribió varios libros influyentes, y por un número de años publicó la revista mensual Jeschurun, en el que expone su filosofía del judaísmo. Fue un opositor de la reforma del judaísmo y se opuso de manera similar las primeras formas de judaísmo conservador
Su padre, a pesar de un comerciante, dedicó gran parte de su tiempo a la Torá estudios; su abuelo, Mendel Frankfurter, fue el fundador de la Talmud Torá en Hamburgo y no asalariados rabino asistente de la congregación vecina de Altona , y su tío abuelo, Löb Frankfurter, fue el autor de varias obras en hebreo, incluyendo Harechasim le-Bik'ah, una Torá comentario.  Hirsch fue alumno de Chacham Isaac Bernays , y la Biblia y Talmudical la educación que recibió, junto con la influencia de su maestro, le llevó a determinar no para convertirse en un comerciante, ya que sus padres habían deseado, pero para elegir la vocación rabínica.  En cumplimiento de este plan que estudia el Talmud 1823 a 1829 en Mannheim bajo el Rabino Jacob Ettlinger . Luego entró en la Universidad de Bonn , donde estudió en el mismo tiempo que su antagonista futuro, Abraham Geiger
En 1830, Hirsch fue elegido rabino jefe (Landesrabbiner) del Principado de Oldenburg .  Durante este periodo escribió su Neunzehn Briefe über Judenthum, (Diecinueve cartas sobre judaísmo) que se publicaron, bajo el seudónimo de "Ben Usiel" (o "Uziel"), en Altona en 1836. Este trabajo causó una profunda impresión en los círculos judíos alemanes, porque era algo nuevo - una, intelectual brillante presentación de judaísmo ortodoxo en el clásico alemán , y uno, valiente defensa intransigente de todas sus instituciones y ordenanzas.
En 1846, Hirsch fue llamado para el rabinato de Nikolsburg en Moravia , y en 1847 se convirtió en rabino jefe de Moravia y Silesia austriaca.  En Austria, pasó cinco años en la reorganización de las congregaciones judías y la instrucción de numerosos discípulos y del que fue, en su capacidad oficial como rabino jefe, un miembro de la Moravia Landtag , donde hizo campaña para obtener más derechos civiles de los Judios en Moravia .

En Moravia Hirsch había un momento difícil, por un lado que recibe las críticas de la reforma de mentalidad, y en el otro lado de una muy tradicional ortodoxa elemento, que encontró algunas de sus reformas muy radicales. Hirsch puso un fuerte énfasis mucho en el estudio profundo de toda la Biblia hebrea , y no sólo la Torá y seleccionado lecturas de la Biblia, además de Talmud , como había sido la costumbre de Judios religiosos hasta entonces.
Durante los últimos años de su vida, Hirsch ha de hacer esfuerzos en la fundación de la Freie Vereinigung für "morir Interessen des Orthodoxen Judentums", una asociación independiente de las comunidades judías.  Durante los 30 años de su muerte esta organización sería utilizado como un modelo para la formación de los ortodoxos internacionales Agudas Israel movimiento. Hirsch tenía un gran amor a la Tierra de Israel , que se desprende de sus escritos, pero se opuso a la proto- sionista actividades de Zvi Hirsch Kalischer.

De los informes de los miembros de su familia, parece probable que Hirsch contraído la malaria , mientras que en Emden, que seguían la peste durante el resto de la vida con episodios febriles.

 Hirsch murió en 1888 en Frankfurt am Main y está enterrado allí

La neo-ortodoxia hoy

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Cass Elliot

Cass Elliot, nacida como Ellen Naomi Cohen (19 de septiembre de 1941 – 29 de julio de 1974) y popularmente conocida como Mama Cass. Integrante fundamental del grupo The Mamas & the Papas; después de la disolución de The Mamas and the Papas tuvo una brillante carrera como solista.

Ellen Cohen nació en Baltimore, Maryland, hija de Philip y Bess Cohen. Creció en Baltimore, y después su familia se trasladó a Alexandria, Virginia, un suburbio de Washington DC. Adoptó el nombre "Cass" en el instituto, posiblemente, tal y como Denny Doherty dice, tomándolo prestado de la actriz Peggy Cass. De todas formas, era Cass, en ningún caso "Cassandra". Asumió el apellido Elliot más tarde, en memoria de un amigo que murió.

Empezó su carrera como actriz con un papel en la obra "The Boy Friend" (El Novio) mientras aún estaba en el colegio. Después de dejar el instituto George Washington, poco antes de la graduación, se trasladó a Nueva York, donde apareció en la obra "The Music Man", aunque acabó perdiendo el papel de Miss Marmelstein en "I Can Get It for You Wholesale", en detrimento de Barbra Streisand en 1962.

Una leyenda urbana sobre Elliot es que su rango vocálico mejoró en tres notas después de ser golpeada en la cabeza por un tubo de cobre poco antes de unirse al grupo. Elliot confirmó dicha historia en una entrevista para la revista Rolling Stone en 1968.

De todas formas, según la gente que la conocía bien, dicha historia no era cierta; Elliot siempre tuvo una increíble voz. Sus amigos decían que la habladuría sobre el tubo de cobre era usada de una forma políticamente correcta para justificar el hecho de que John hubiera tardado tanto en hacerla entrar al grupo, ya que la razón real por la que John era reticente a que Cass entrara en el grupo era el hecho de que él la consideraba demasiado gorda.

The Mamas and the Papas

Elliot, conocida por su sentido del humor y su optimismo estaba considerada por algunos como el miembro más carismático de la banda. Su voz distintiva fue un gran factor de su triunfo. Es recordada por su voz en las canciones California Dreaming, "Monday, Monday" y "Words of Love", y particularmente por el solo "Dream a Little Dream of Me", canción que el grupo grabó en 1968 después de enterarse de la muerte de Fabian Andre, uno de los hombres que co-escribió la canción y que Michelle Philips había conocido años atrás. La versión de Elliot es conocida por ser una balada, mientras que casi todas las grabanciones de "Dream a Little Dream of Me" (Incluyendo una de Nat King Cole, eran canciones rápidas. La canción había sido escrita en realidad en 1931 como una canción hecha para las discotecas de entonces.

Continuaron grabando para cumplir sus obligaciones contractuales con la discográfica hasta que su último álbum fue lanzado en 1971.
Tras la separación de The Mamas and the Papas, Elliot tuvo una exitosa carrera en solitario. Su mayor éxito durante este periodo fue Dream a Little Dream of Me, del álbum con el mismo nombre, pese a que la canción estaba pensada para un álbum de The Mamas and the Papas. Actuó brevemente en Las Vegas por la inusual y lucrativa cifra de 40.000 Dólares por semana, aunque las criticas no fueron muy buenas.

Solía aparecer con regularidad en programas de televisión en los años 70, incluyendo "The Julie Andrews Hour", Hollywood Squares y otros. Co-presentó, junto a Johnny Carson "The Tonight show" y apareció en ese mismo programa 13 veces más. Tuvo una aparición en la comedia musical-western de 1973 "Saga of Sonora". También cantó un villancico para la cadena de comida rápida "Hardee's".

Durante la década de 1970, Elliot también tuvo una carrera como actriz. Tuvo un papel en la película de 1970 "Pufnstuf" y tuvo apariciones menores en otras películas, tales como "Las nuevas películas de Scooby Doo", "American Style", "The red skeleton show" y otras.
Murió en 29 de julio de 1974 debido a un paro cardíaco.
 

 "Dream A Little Dream Of Me"

Cass Elliot canta en el Show cómico de Los Hermanos Smothers, 1968

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Isaac Stern

Isaac Stern, nacido em Kremenetz, Ucrania, el 21 de julio de 1920 fue un violinista nacionalizado estadounidense, considerado como uno de los mejores del siglo XX.

Se trasladó con su familia a San Francisco cuando tenía un año. Recibió sus primeras lecciones de música de su madre, ingresando al Conservatorio de San Francisco a una edad muy temprana en 1928. Ahí estudió violín. Estuvo orgulloso de haber sido estudiante de Nahum Blinder.

Debutó en público el 18 de febrero de 1936, tocando el Concierto para violín Nº 3 de Camille Saint-Saëns con la Orquesta Sinfónica de San Francisco dirigida por Pierre Monteux.

En 1979 el gobierno de la República Popular de China lo invitó a una gira para que enseñara, y el filme que resultó de esto, "From Mao to Mozart" ("De Mao a Mozart"), del productor y director Murray Lerner ganó el Oscar de 1980 a Mejor Documental. En 1987 le fue concedido el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.

Stern fue famoso por sus grandes grabaciones, y por apadrinar a jóvenes talentos (entre sus descubrimientos estaban Yo-Yo Ma, Itzhak Perlman y Pinchas Zukerman). También destacó por salvar el Carnegie Hall en 1960; el Auditorio principal del Carnegie actualmente lleva su nombre.

Stern grabó entre otras obras los conciertos de Brahms, Bach, Beethoven y Mendelssohn, y trabajos más modernos de Samuel Barber, Béla Bartók, Ígor Stravinski y Leonard Bernstein. También dobló a varios actores que aparentaban estar tocando el violín en filmes, un ejemplo de esto es El violinista en el tejado.

Isaac Stern fue fundamental para salvar el Carnegie Hall de la demolición, ayudó a establecer el Fondo Nacional de las Artes, y fue una presencia fundamental en la vida musical del Estado de Israel.

De hecho, un aspecto sin el que no se entiende la figura de Isaac Stern es su constante apoyo a la causa del Estado de Israel; como presidente de la Asociación Cultural Americano-israelí sus esfuerzos fueron reconocidos en 1990 por el "Jerusalem Post": "No hay ningún otro músico vivo que haya hecho más por la educación musical en Israel". Durante las guerras de los Seis Días (1967) y del Yom Kippur (1973) canceló todos sus compromisos para estar en Israel, y es conocida la anécdota de 1991, durante la guerra del Golfo, cuando siguió tocando en la sala pese a la amenaza de un ataque iraquí con misiles Scud. También trabajó para su país de adopción, Estados Unidos, dando conciertos durante la Segunda Guerra Mundial, o siendo el primer artista norteamericano que actuaba en la URSS tras la Guerra Fría, en 1956, como embajador de buena voluntad. Por el contrario, siempre se negó a tocar el Alemania como muestra de repulsa por el asesinato la práctica totalidad de la rama rusa de su familia durante la segunda guerra mundial, y sólo en 1999 aceptaría dar clases magistrales en Colonia para los estudiantes, aunque no interpretar en público.

Isaac Stern hizo incursiones en el cine: en 1953 intervino en la película Tonight we sing (que era una biografía del "manager" Sol Hurok), interpretando al famoso violinista belga Eugene Ysaye. Es curioso que este violinista haya sido el "ídolo" de Stern, o con el que más se haya identificado (Stern llegó a decir que Ysaye y Paganini son los dos más grandes de todos los tiempos), cuando seguramente no tuvo la oportunidad de escucharle en vivo, pues Ysaye murió cuando Stern tenía 11 años, y en su última década solamente dirigía, ya no tocaba o apenas lo hacía. Todo aficionado al cine recuerda además que Stern fue quien grabó la parte de violín en el musical El violinista en el tejado, que mostraba la vida de los judíos en la Rusia zarista; y también el documental de 1980 De Mao a Mozart, Isaac Stern en China, que llegó a ganar un Oscar de la Academia de Hollywood en su categoría, donde se veía a Stern dando clase a jóvenes chinos y comprobando los estragos educativos que había causado en ellos la llamada "Revolución Cultural" maoísta. Más recientemente, le hemos visto en el documental El arte de dirigir (The Art of Conducting), hablando sobre Fritz Reiner. En la TV americana era un personaje muy popular, con apariciones incluso en programas como Plaza Sésamo.

Isaac Stern declaró en una ocasión que "Ninguna sociedad puede llamarse civilizada sin cuidar de las artes, no como un adorno ocasional, sino como una necesidad básica".

En el año 2000 recibió el Polar Music Prize, un premio concedido por la Real Academia de Suecia de Música. Murió en septiembre de 2002.

Isaac Stern interpreta el primer Movimiento del Concierto en E minor de Mendelssohn

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Irving Berlin

GIrving Berlin (11 de mayo de 1888 – 22 de septiembre de 1989), nacido Israel Isidore Baline (por [1]), en Tiumén, Rusia (o probablemente Mogilev, actualmente en Bielorrusia), fue un compositor y letrista estadounidense, uno de los más prolíficos y famosos de la historia.

Berlin, judío, fue uno de los pocos compositores de Tin Pan Alley/Broadway que escribieron tanto las letras como la música de sus canciones. Aunque no llegó a aprender nunca a leer música más allá de un nivel elemental, compuso alrededor de 3000 canciones, muchas de las cuales, incluyendo "God Bless America", "White Christmas", "Alexander's Ragtime Band" y "There's No Business Like Show Business", dejaron una huella indeleble en la música y cultura estadounidense. Produjo 17 películas y 21 espectáculos de Broadway, además de sus canciones individuales.

La familia de Irving Berlin emigró a los Estados Unidos en 1891. Sus padres eran Leah (Lena) Jarchin y Moses Baline; su padre fue un rabino que consiguió trabajo como certificador de carne siguiendo la ley kosher (ver [2]). Tras la muerte de su padre en 1896, Irving hubo de buscar trabajo para sobrevivir; estuvo empleado como vendedor de periódicos y también realizó actuaciones en la calle para conseguir dinero. La dura realidad de tener que trabajar aun en trabajos ínfimos para no morir de hambre dejó una huella profunda en la valoración del dinero por parte de Berlin.

Cuando estaba trabajando como camarero cantante en el Pelham's Cafe en Chinatown, Berlin fue requerido por el propietario para escribir una canción original para el café, debido a que un negocio rival tenía su propia canción publicada. "Marie from Sunny Italy" fue el resultado editándose pronto. Aunque solo ganó 37 centavos, le abrió las puertas de una nueva carrera y un nuevo nombre: Israel Baline fue erróneamente impreso como "I. Berlin" en la partitura.

Muchas de sus primeras canciones, entre ellas "Sadie Salome (Go Home)", "That Mesmerizing Mendelssohn Tune" y "Oh How That German Could Love" alcanzaron un modesto éxito tanto en forma de partituras, de grabaciones, en el escenario del vodevil, o como interpolaciones en diversos espectáculos; pero fue "Alexander's Ragtime Band", escrita en 1911, la que lo catapultó como una de las más importantes estrellas de Tin Pan Alley.

Tras el éxito de "Alexander", se rumoreó que Berlin estaba escribiendo una ópera ragtime, sin embargo produjo su primera obra extensa para los escenarios musicales, "Watch Your Step" (1914), protagonizada por Irene y Vernon Castle, la primera comedia musical en hacer un uso penetrante de los ritmos sincopados. Un espectáculo similar titulado "Stop! Look! Listen!" siguió a aquel en 1915.

En 1917, durante la Primera Guerra Mundial, entró en el ejército estadounidense y llevó al escenario una revista musical Yip Yip Yaphank mientras estuvo en Camp Upton en Yaphank, New York.

Tras la guerra, Berlin construyó su propio teatro, el Music Box, como un local para revistas anuales que incorporaban sus últimas canciones; la primera de esas revistas fue "The Music Box Revue of 1921."

Durante la Segunda Guerra Mundial, tras recibir un permiso del general George Marshall, Berlin organizó una revista toda de soldados con el espíritu del Yip Yip Yaphank. This Is the Army se estrenó el 4 de julio de 1942 con un reparto de más de 300 soldados, y permaneció en el escenario durante tres años, primero en Broadway, luego en una gira por los Estados Unidos y después en el extranjero.

El patriotismo de Berlin fue real y profundo. Demasiado mayor para el servicio militar cuando su país entró en la Segunda Guerra Mundial en 1941, dedicó su tiempo y energía a escribir nuevas canciones patrióticas, como "Any Bonds Today?", donando los beneficio de This Is the Army al propio ejército, y entreteniendo a las tropas con una compañía itinerante de ese espectáculo, en la que él era un miembro más. Tras las actuaciones en los Estados Unidos, el espectáculo fue a Londres en 1943, en un momento en que la ciudad estaba todavía bajo los ataques alemanes.

Berlin murió de un ataque al corazón en Nueva York a la edad de 101 y fue enterrado en el Woodlawn Cemetery en el Bronx, Nueva York.

"Cheek to cheek"

Fred Astaire and Ginger Rogers dance in the 1935 RKO film 'Top Hat', .
Gertrude Stein

Gertrude Stein (Allegheny, Pensilvania; 3 de febrero de 1874 - París; 27 de julio de 1946). Escritora y poetisa estadounidense.
Stein, la más pequeña de cinco hermanos, nació el 3 de febrero de 1874 en Allegheny, Pennsylvania, en una familia muy "respetable y burguesa", como ella misma escribe. La familia Stein era de ascendencia judía. Gertrude Stein creció en California, protegida y mimada por sus padres y hermanos. Se mudó junto con su hermano Leo en 1893 a Cambridge, de Massachussets. Allí estudió biología y filosofía en el Radcliffe Institute for Women de la ciudad de Harvard. En Baltimore realizó estudios de psicología y medicina en la escuela de medicina Johns Hopkins.

La medicina le aburría. No soportaba "lo anormal" y no aprobó los exámenes. Trabajó en el centro de maternidad. Posteriormente, transformó estas experiencias en su narración "Melanctha".

Residente en Francia desde 1903, su casa se convirtió en centro de reunión de los movimientos de vanguardia con mayor influencia en las artes y las letras del siglo XX. En 1925 obtuvo notoriedad con Ser norteamericanos. Su obra, que abarca el ensayo, la autobiografía, la poesía y el teatro, se caracteriza por un alto nivel experimental y se la considera una renovadora del género memorialístico por textos como la Autobiografía de Alice B. Toklass (1933), y la Autobiografía de todo el mundo (1937). Fue una mujer de fuerte personalidad, feminista y lesbiana, que convivió más de 25 años junto a su pareja Alice B. Toklas (30 de abril de 1877 - 7 de marzo de 1967).

Gertrude Stein fue una figura clave del ambiente artístico y literario de su tiempo. A través de un estilo marcado por repeticiones de palabras quiso traducir a la literatura el cubismo de la pintura abstracta. Sin embargo, críticos como Ernest Hemingway le reprocharon haber rehuido el esfuerzo de corregir minuciosamente sus textos y de posteriormente mejorar su calidad literaria. Con sus escritos, Stein pertenece al movimiento vanguardista del siglo 20. Su frase "Rose is a rose is a rose" (traducida habitualmente como "una rosa es una rosa y siempre será una rosa", parte del poema "Sacred Emily" contenido en el volumen "Geography and Plays", de 1913) acuñó su propio estilo, llamado "Litismo", una especie de tautología verbal.

En 1903 Stein viajó con su hermano Leo a Europa. En París abrió un salón literario, que se convertiría en centro del avant-garde literario. Stein era suficientemente joven para entender a los artistas, suficientemente madura como para patrocinarlos y suficientemente acaudalada para comprar sus pinturas. Adquirió muchos cuadros de genios que en ese entonces eran desconocidos: Cézanne, Monet, Renoir, Daumier, Gauguin, Picasso.

Su primera adquisición de Henri Matisse, "Femme au chapeau" (1905) dio comienzo a una relación de amistad entre ambos. En 1906 conoció a Picasso. Y a pesar de que su retrato, que compró Leo, no le gustó, acompañó a Picasso en el camino que lo llevaría a la fama. Ambos pintores, Matisse y Picasso, se encontraron por primera vez en el "Salón" de Stein. Matisse veía la relación de Stein con Picasso con recelo. Picasso retrató a una Stein pensativa, escuchando atentamente, importante. El Museo Metropolitano de Arte, MOMA, de Nueva York alberga el cuadro.

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Robert Capa

Robert Capa (Ernö Friedmann), nacido en Budapest, Hungría, 22 de octubre de 1913 nació en el seno de una familia judía con buen pasar económico. Su madre una diseñadora de modas y su padre un pensador intelectual con influencias aristocráticas. En Hungría, en esos tiempos, era costumbre pertenecer a un círculo, ya fuera artístico o político, y Endré, que no fue una excepción, entró a dichos círculos, donde era tradición poner sobrenombres. Así fue como recibió el apodo de Bandi.

Condenado en su adolescencia a vivir vagando por la ciudad por la instauración del taller de sus padres en la casa, después de que éstos perdieran el local a raíz de la depresión económica de 1929. En estas andanzas conocería a una de las mujeres que más influyó en su vida, y se puede decir que, si no hubiera sido por ella no habría llegado a ser un gran fotógrafo. El nombre de esa mujer era Eva Besnyo, quien desde muy joven tuvo un gran interés por la fotografía. Eva era una de esas personas a las que le parecía más productivo tomar fotografías que hacer sus deberes escolares. En su juventud ya tomaba fotografías con su cámara Kodak Brownie. Ella y su especial gusto por este arte motivaron el primer contacto de Endré con la fotografía.

Endré era muy solicitado por sus amigos, ya que se caracterizaba por ser un joven generoso y leal con sus amigos.

Ya hacia sus florecientes diecisiete años y esperando terminar su vida escolar, Endré conoce a una de esas personas que moldearían su vida, uno de esos buenos amigos que emprendían sus senderos, con excelentes consejos, apoyo económico oportuno, conexiones apropiadas, sugerencias artísticas y concepciones acerca de la vida. Este ilustre personaje se llamaba Lajos Kassak, quien, con tendencias socialistas, se decidió a ayudar a cualquier artista con corrientes constructivistas. Dio a conocer la fotografía como un objeto social mostrando las injusticias del sistema capitalista y presentando trabajos en sus seminarios como los de Jacob Riis y Lewis Hine.

En 1929 la situación política iba de mal en peor con la imposición de un gobierno fascista en el Hungria, lo que obligó al joven Endré a salir del país junto a la gran masa de jóvenes que se sentían presionados por la falta de un gobierno democrático y garantías económicas.

A los 18 años abandona Hungría, entonces ya bajo un gobierno fascista. Tras su paso por Alemania, viaja a París, donde conoce al fotógrafo David Seymour quien le consigue un trabajo como reportero gráfico en la revista Regards para cubrir las movilizaciones del Frente Popular.

Entre 1932 y 1936, tratando de escapar del nazismo, Ernest Friedmann, viviendo en Francia, conoce a la fotógrafa alemana Gerda Taro (Gerda Pohorylle) que acabaría siendo su novia. Para tratar de aumentar la cotización de los trabajos de la pareja a menudo rechazados, inventan el nombre del fotógrafo norteamericano Robert Capa, seudónimo utilizado indistintamente por ambos. Este hecho constituye la base de la polémica sobre quién de los dos tomó en realidad algunas de sus fotografías más relevantes.

Al estallar la Guerra Civil Española en julio de 1936, Capa se traslada a España con su novia para cubrir los principales acontecimientos de la contienda española. Implicado en la lucha antifascista y con la causa de la República, estuvo presente, desde ese lado, en los principales frentes de combate, desde los inicios en el frente de Madrid hasta la retirada final en Cataluña.

Siempre en primera línea, es mundialmente famosa su fotografía Muerte de un Miliciano,[1] tomada en Cerro Muriano, en el frente de Córdoba, el 5 de septiembre de 1936. Reproducida en la mayoría de los libros sobre la Guerra Civil, su autenticidad ha sido puesta en cuestión por diversos expertos. A pesar de que un historiador local de Alcoy puso nombre al miliciano, Federico Borrell García, miliciano anarquista, el documental La sombra del iceberg (2007) niega tal atribución con testigos, médicos forenses y documentos del archivo local de Alcoy. Asimismo, muestra lo inconsistente de dicha tesis y aporta nuevas fotos de la secuencia del miliciano que avalan la tesis de la puesta en escena, así como la posibilidad de que la instantánea no la tomara Capa sino su mujer. En enero de 2008 se encontró, según la CNN, una valija perdida por Capa donde están innumerables negativos de tomas que efectuó en la Guerra Civil Española; un tesoro de incalculable valor histórico. Según un artículo publicado en la web de El Periódico,[2] queda de manifiesto que dicho set de fotografías fueron tomadas a 10 kilómetros del frente, en la localidad de Espejo, donde tenían en esas fechas las tropas republicanas su cuartel general de acuerdo al periódico.

Durante la retirada del ejército republicano en la batalla de Brunete, en julio de 1937 Gerda Taro muere al frenar el coche en cuyo estribo viajaba, caer y ser arrollada por el tanque que el conductor intentó evitar. En este tiempo, Capa cubrió también diferentes episodios de la invasión japonesa de China, ya en los prolegómenos de la II Guerra Mundial.

Durante la II Guerra Mundial, está presente en los principales escenarios bélicos de Europa, así desde 1941 a 1945 viaja por Italia, Londres y Norte de África. Del desembarco aliado en Normandía, el 6 de junio de 1944, el famoso día-D, son clásicas sus fotografías tomadas, junto a los soldados que desembarcaban en la propia playa denominada Omaha en la terminología de la operación. Plasmó asimismo en imágenes la liberación de París. Huston Hu Riley fue el fotógrafo que retrató ese momento.[3] Con motivo de su trabajo durante este conflicto, fue galardonado por el general Eisenhower con la Medalla de la Libertad.

En 1947 creó, junto con los fotógrafos Henri Cartier-Bresson, Rodger, Vandiver y David Seymour, la agencia Magnum Photos, donde Capa realizó un gran trabajo fotográfico, no solo en escenarios de guerra sino también en el mundo artístico, en el que tenía grandes amistades, entre las que se incluían Pablo Picasso, Ernest Hemingway y John Steinbeck.

En 1954, encontrándose en Japón visitando a unos amigos de antes de la guerra, fue llamado por la revista Life para reemplazar a otro fotógrafo en Vietnam, durante la Primera Guerra de Indochina. En la madrugada del 25 de mayo, mientras acompañaba a una expedición del ejército francés por una espesa zona boscosa, pisó inadvertidamente una mina y murió, siendo el primer corresponsal americano muerto en esta guerra y terminando así una azarosa vida profesional, guiada por una frase que popularizó: Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es que no te has acercado lo suficiente.

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Angel Faivovich

Nació en Santiago, el 10 de agosto de 1901; hijo de Fabián Faivovich y la señora Teresa Hitskovich. Se casó con Sara Drapking. Realizó sus estudios secundarios en el Instituto Nacional y Escuela de Agronomía, Universidad de Chile, donde se tituló de Ingeniero Agrónomo en el año 1922. Una vez egresado, se desempeñó como ayudante de Zootecnia en su universidad y fue delegado de Chile al Congreso Ganadero en Uruguay.Luego, en 1924, obtuvo el cargo de Jefe de la Clínica de la Escuela de Medicina Veterinaria, siendo reelecto en 1928 hasta 1931. Ya en 1925 alcanzó el puesto de Profesor de Zootecnia, el que ejerció hasta 1931.

Paralelamente, siguió estudios de Derecho en la Universidad de Chile y se tituló de abogado el 24 de diciembre de 1930; la memoria se tituló "Política agraria nacional". En su calidad de profesional, se dedicó a la labor docente; fue profesor agregado de Derecho Internacional en la misma universidad, entre 1936 y 1944, y profesor titular de Hacienda Pública, entre 1944 - 1947 y 1948 - 1961. En otro ámbito, trabajó en la Industria Azucarera Nacional, IANSA, donde fue director en el año 1952.

Inició sus actividades políticas y públicas al integrarse al partido Radical en 1931; ocupó los cargos de presidente del partido y de la Convención Radical, celebrada en Viña del Mar en 1951.

En 1935 fue electo Regidor por Santiago, cumpliendo hasta 1937.

Finalizada su labor, se presentó como candidato a diputado en 1937; resultó electo, por la Séptima Agrupación Departamental, Primer Distrito "Santiago", período 1937 a 1941; integró la Comisión Permanente de Gobierno Interior y fue diputado reemplazante en la Comisión Permanente de Relaciones Exteriores; en la de Constitución, Legislación y Justicia; en la de Hacienda; en la de Agricultura y Colonización; y en la de Trabajo y Legislación Social.

Fue reelecto diputado por la misma Agrupación, periodo 1941-1945; fue diputado reemplazante en la Comisión Permanente de Constitución, Legislación y Justicia; en la de Asistencia Médico-Social e Higiene; y en la de Trabajo y Legislación Social. Integró la Comisión Permanente de Hacienda, de la que fue su presidente.

Nuevamente electo diputado por la misma Agrupación y Distrito, periodo 1945-1949; fue diputado reemplazante en la Comisión Permanente de Constitución, Legislación y Justicia y en la de Trabajo y Legislación Social. integró la Comisión Permanente de Hacienda. Miembro del Comité Parlamentario Radical y Consejero de la Corporación de Fomento de la Producción en 1949.

En calidad de representante de la Cámara, Israel le otorgó la distinción de parlamentario honorario y le asignó la nacionalidad por gracia.

Paralelamente, fue designado embajador en la Unión Soviética en 1947. También, fue representante de Chile a la Conferencia Internacional de Comercio, efectuada en Ginebra en 1947.

En 1949 fue electo senador, por la Cuarta Agrupación Provincial "Santiago", período 1949 a 1957; integró la Comisión Permanente de Relaciones Exteriores y Comercio; la de Constitución, Legislación y Justicia y la de Agricultura y Colonización; fue senador reemplazante en la Comisión Permanente de Educación Pública; en la de Hacienda y Presupuestos; y en la de Trabajo y Previsión Social. Senador reemplazante en la Comisión Permanente de Economía y Comercio. Mixta para resolver los desacuerdos producidos con respecto a insistencias sobre modificaciones de las Leyes Nº5.931 y 6.245.

En 1957 fue reelecto senador para el próximo período, 1957 a 1965; integró la Comisión Permanente de Hacienda. Alcanzó la vicepresidencia del Senado, ejerciendo desde noviembre de 1963 hasta mayo de 1964.

En la década de 1970, junto a otros militantes del partido Radical, formó la Democracia Radical, colectividad de la que fue su primer presidente.

Recibió el título de "Doctor Honoris Causa del Instituto Científico Weizmann", entregado el 3 de septiembre de 1981.

En 1985 fue, junto a Sergio Onofre Jarpa y Juan de Dios Carmona, uno de los fundadores del Frente Nacional del Trabajo y 2 años después en 1987, fundó Renovación Nacional del cual fue militante

Falleció en Santiago, el 9 de mayo de 1992.

Berthold Auerbach, como fue conocido, fue un destacado escritor judeo-alemán. Nació en Nordstetten, Würtemberg en 1812.

Después de su Bar-Mitzva asistió a la Yeshivá de Hechingen y, después, al Colegio Latino de Karlsruhe desde 1827 a 1839. Su intención primera era ser rabino, y desde 1832 a 1833 también tomó cursos de Teología y Filología en la Universidad de Tübingen. En 1836 fue arrestado por tomar parte en actividades “revolucionarias” de las organizaciones estudiantiles y pasó algunos meses en prisión, pero fue liberado finalmente bajo la condición de que no se dedicara ni al rabinato ni a funciones públicas. Entonces fue que se dedicó a escribir…

Su primer esfuerzo fue una Historia de Federico el Grande (1834 a 1836). Poco después de esta obra, Auerbach escribió las biografías de Gabriel Riesser, la familia Rothschild, Michael Beer y de Rajel Varnhagen, para la colección de vidas de judíos distinguidos editada por Bereza y Spazier. Esto lo llevó a que estudiara a Spinoza, resultando una novela y una edición en cinco volúmenes de la vida y obra del filósofo (1841). En 1840 publicó una segunda novela, “El Ghetto”, que trataba de la época de Moses Mendelssohn. En ambas novelas, los protagonistas no están bien delineados, mas las vidas individuales de los judíos, los mendigos y los talmudistas están bien logradas: son vívidas y verosímiles.

En 1843 Auerbach comenzó a escribir sus “Schwarzwalder Dorfgeschichten” (Cuentos rústicos de la Selva Negra); la primera serie de ellos apareció de tiempo e tiempo hasta 1854. La segunda serie fue publicada de 1856 a 1861. Estos cuentos le dieron cierta fama en toda Alemania por largo tiempo.

Cuando estalló la Revolución de 1848 en Heidelberg, hubo una asonada contra los judíos, que resultó en la muerte de la esposa de Auerbach, con quien se había casado un año antes. Esta desgracia y el profundo sentido religioso nacido de ella encontró su expresión en su obra “Lucifer”. Ese mismo año, el escritor se trasladó a Viena, y allí se encontró de nuevo en medio de una revolución. Posteriormente viajó a Breslau, donde se casó con una dam de apellido Langesmann y se estableció con ella en Dresden. Sus obras de ese tiempo son: “Neues Leben” (“Nueva Vida”, 1851),”Das Landhaus am Rhein” (“El rancho en el Rin”, 1869), “Zur guten Stunde”, cuentos (1872), “Auf der Höhe” (“Sobre la Altura”,1865), y varias obras menores. Durante la guerra franco-prusiana (1870-1871) acompañó al Gran Duque de Baden, redactándole proclamas. Celebró el éxito en la guerra en su diario “Wieder unser” (1871), y en su “Canto de Alsacia”, que le granjeó el odió de los franceses. En este período, sus actividades se vieron muy disminuidas por una enfermedad severa.

En este periodo el antisemitismo empezó a crecer en Alemania y Auerbach, que ya había sufrido esta clase de ataques antes en su carrera, ahora se lanzó de lleno a la lucha. Escribió variado panfletos en contra de los antisemitas y en defensa de las actividades del Congreso de Berlín (que defendió teóricamente los derechos judíos en algunos países de Europa Central). Cuando se dedicó el memorial a Gotthold Ephraim Lessing (gran escritor filosemita y masón alemán, autor, entre otros, de “Nathan el sabio”) en Berlín, Auerbach lo consideró como un manifiesto contra el antisemitismo y tomó una vez más su pluma y escribió “La Génesis de Nathan”, su última obra.

Poco antes de cumplir 70 años falleció en 1882 en Cannes, Francia.

fuente:Adaptado de la Universal Jewish Enciclopedia, “Judaica”, Knaurs’ Lexikon y otras fuentes).
 

Félix Salten

por Jorge Tachauer Sebök

Félix Salten (originalmente Salzmann) fue un escritor nacido en 1869 en Budapest. Su padre era un hombre de negocios; Salten se trasladó a Viena, estudió en el liceo (Gymnasium), pero por los reveses económicos de su familia, debió abandonar sus intenciones de estudiar filología en la Universidad de Viena.

Muy joven comenzó a escribir en diarios, y se hizo repentinamente famoso por su brillante necrología del gran escritor francés Emile Zola, en 1902. Se convirtió en crítico teatral del “Wiener Algemeine Zeitung” columnista del “Die Zeit” (Viena), editor del “Morgenpost” (Berlín), y, finalmente, crítico de teatro del “Neue Freie Presse”, uno de los diarios más importantes de Viena, donde escribió antes Theodor Herzl, de quien fue amigo. Después del Anschluss (1938) se trasladó a Zurich, donde falleció en 1945.

Salten fue uno de los críticos vieneses más influyentes y admirados, y que continuó la tradición literaria de Ludwig Speidel, Theodor Herzl y otros folletinistas. Como escritor de obras de ficción, perteneció, junto a Meter Altenberg y Arthur Schnitzler a la llamada “Escuela Vienesa”, que combinaba el naturalismo berlinés con el romanticismo y carácter suave del espíritu austríaco. Su pieza teatral “Der Gemeine” (1899), la tragedia de un soldado, no pudo ser representada antes de la revolución de 1918, por su profunda crítica social. Sin, embargo, nuestro personaje alcanzó un éxito notable con sus tres piezas en un acto “Vom anderen Ufer” (1908), que dramatizaban los conflictos de personas separadas por diferencias de clase; fueron presentadas por primera vez en el teatro “Lessing” de Berlín.

Más importantes que sus obras dramáticas, que trataban con problemas de técnica teatral ya planteados por Schnitzler, fueron sus novelas y relatos cortos. Muchos de ellas tocaban problemas sociales: “Die kleine Verónica” (1903), “Olga Frohgemuth” (1910), “Die klingende Schelle” (1914). En “Martin Overbeck” (1927), aborda la historia de un joven industrial que se enamora de una obrera; presenta el desarrollo de una solución amistosa al problema social.

El tema erótico lo discutió de manera franca y abierta en sus novelas modernas: “Die Gedenktafel der Prinzessin Anna” (1901) y “Der Schrei der Liebe” (1904). “Der Hund von Florenz” (1923) es coniderada por los entendidos como su obra más madura, con fondo histórico. La novela erótica ”Josephine Mutzenbacher” (1906), atribuida por mucho tiempo a Arthur Schnitzler, que escribió muchas obras eróticas, fue finalmente, y tras largos estudios, atribuida también a Salten.

En la década de los ’20 del siglo pasado Salten, apasionado de la caza, comenzó a escribir una serie de historias con animales, que llegaron a ser muy populares. La más famosa, “Bambi”, la historia de un ciervo, fue calificada como obra de arte por John Galsworthy. Los derechos para hacer una película fueron comprados por los estudios Disney.

Su obra “Perry” (1938) es considerada una obra notable. Como refiriéndose al problema del judío en un mundo hostil, Perry (una ardilla) dice de un pájaro: “El cree que es el mejor cantor del bosque. Me odia desde que le dije que su voz era fea”. Perry recibe el “consolador” apoyo de la urraca: “Muchacho, él te habría odiado de todas maneras”.

Salten manifestó un profundo interés en el problema judío desde los días de su amistad con Theodor Herzl. Después de una visita a las florecientes colonias judías en Palestina, publicó un entusiasta informe de viaje: “Neue Mensche auf alter Erde” (“Hombres nuevos en una tierra vieja”, 1925). En su novela “Simson” (1928) presentó en forma original la idea judía de Dios y una nueva interpretación del mito de Sansón y Dalila.

Felix salte escribió numerosas obras más, colecciones de crítica, ensayos sobre teatro y autores, etc. Describió su visita a Estados Unidos en “Fünfzehn Minuten Amerika” (“América en 15 minutos”, 1931). Su “A Forest World” (“Un mundo del Bosque”, 1942) era similar a “Bambi”, pero no su secuela.

Como señalamos al comienzo, Salten falleció en Suiza.
 

Trailler del Filme "Bambi" de Walt Disney de 1942

Lord George Gordon

por Jorge Tachauer S.

Fue un prosélito (convertido) judío nacido en Londres en 1750; murió en esa ciudad en 1793. Era el hijo menor del tercer Duque de Gordon, y su padrino de bautismo era el rey Jorge II.

Su habilidad política era tan impresionante, que en 1774 el general Frazer, contra quien competía por una banca en el Parlamento, compró un asiento parlamentario para él en otra parte del país, pues daba por sentado que sería derrotado por el joven. (Era usual en esa época comprar los votos que no se podían obtener).

El intenso protestantismo de Gordon lo llevó a fundar la Asociación Protestante, que hacía gran agitación política para reprobar el acta que removía las inhabilidades de los cató-licos (1778). En 1780, hubo graves motines al grito de”¡No al Papismo!”, en los que Gordon jugó papel relevante. Por esto fue arrestado, juzgado por traición, pero finalmente resultó absuelto. Cinco años más tarde, fue nuevamente acusado, esta vez por aseveraciones que ponían en duda la probidad de los Tribunales de Justicia, y también por un libelo contra la reina de Francia María Antonieta. Debió esconderse por un tiempo para evitar el arresto.

Fue en este período que Gordon decidió hacerse judío, aunque no se sabe con exactitud la fecha y el lugar. Se sabe que se acercó al Rabino Tevele Schiff de Londres, pidiendo ser aceptado como prosélito. Schiff se negó a aceptarlo, probablemente basándose en la promesa hecha a Cromwell por los judíos, hacía más de un siglo atrás, de no dedicarse a hacer proselitismo si eran readmitidos en Inglaterra.

Se sabe con certeza que Gordon pasó algún tiempo en Holanda, y se piensa que quizás abrazó el judaísmo en Ámsterdam. O, quizás, su conversión pudo haber tenido lugar en Birmingham, a través del rabino Jacob de esa ciudad, ya que cuando fue descubierto por las autoridades vivía en casa de una judía, se había dejado crecer una larga barba y seguía con devoción todas las reglas del judaísmo Ortodoxo.

El interés de Gordon por el judaísmo era de larga data; muchos años antes de su conversión se había sentido atraído por una inscripción en el frontis de una casa judía, que invitaba a quien estuviera hambriento, a entrar y comer.

En 1788 Gordon fue sentenciado a cinco años de cárcel, y fue encarcelado en la prisión de Newgate. Allí vivió como un judío Ortodoxo, insistiendo que todos sus alimentos fueran preparados de acuerdo a las leyes dietéticas de la kashrut. También se negaba a recibir visitantes que no siguieran estrictamente los preceptos religiosos judíos.

Se ha conservado una serie de cartas intercambiadas entre Gordon y un tal Angel Lyon, a quien él se negaba a ayudar financieramente porque Lyon, aunque judío, no usaba barba.

Nuestro personaje firmaba todas sus cartas con el nombre Israel bar Abraham G. Gordon, y respondía en los tribunales sólo cuando se le llamaba así.

Gordon murió algunos meses después de ser liberado de la prisión a consecuencia de unas fiebres contraídas allí.

Este singular personaje histórico aparece como personaje en la obra de Dickens “Barnaby Rudge”, sobre los motines de 1780.
 

Paul Samuelson

Paul Anthony Samuelson ( Gary, Indiana, 15 de mayo de 1915 - Belmont, Massachusetts, 13 de diciembre de 2009) fue un economista estadounidense de la escuela neoclásica conocido por sus contribuciones en muchos campos de la economía, especialmente por el planteamiento general del método de las estáticas comparativas que hizo en su libro Foundations of Economic Analysis (1947). Samuelson fue premiado en 1947 con la Medalla John Bates Clark y en 1970 obtuvo el Premio Nobel de Economía, por el trabajo científico a través del cual ha desarrollado la teoría económica estática y dinámica y contribuido activamente a elevar el nivel de análisis en la ciencia económica

Samuelson nació en Gary, Indiana el 15 de mayo de 1915, y falleció en su casa de Belmont, Massachusetts el 13 de diciembre de 2009. Hijo de Ella Lipton y de Frank Samuelson, un farmacéutico, creciendo en el seno de una familia judía. En 1923, Paul se mudó a Chicago donde estudió en la Universidad de Chicago y recibió el grado de Bachiller en Artes en 1935. Luego, completó el grado de maestría en Artes en 1936 y su doctorado (PhD) en 1941 en la Universidad de Harvard. Como estudiante graduado en Harvard, Samuelson estudió Economía bajo la dirección de Joseph Schumpeter, Wassily Leontief, Gottfried Haberler y el "Keynes norteamericano", Alvin Hansen.

Samuelson trabajó en muchos campos incluyendo:

* Economía de bienestar, en la cual popularizó las condiciones Lindahl-Bowen-Samuelson (criterios para decidir si una acción mejorará el bienestar) y demostró en 1950 la insuficiencia del índice de ingreso nacional para revelar cuál de las dos opciones sociales estaba uniformemente fuera de la otra función de posibilidad factible (Collected Scientific Papers, v. 2, ch. 77; Fischer, 1987, p. 236).

* Teoría de las finanzas públicas, en la cual es particularmente conocido por su trabajo de determinación del reparto óptimo de los recursos en presencia tanto de los bienes públicos como de los bienes privados.

* Economía internacional, donde influenció el desarrollo de dos importantes modelos de tendencia internacional: el efecto Balassa-Samuelson y el modelo Heckscher-Ohlin (con el teorema Stolper-Samuelson), como una manera de analizar el comportamiento de los agentes económicos a través de múltiples periodos de tiempo (Collected Scientific Papers, v. 1, ch. 21).

* Teoría del consumidor: fue el pionero en la teoría de la preferencia revelada, que es un método por el cual es posible discernir la mejor opción posible y, por tanto, definir las funciones de utilidad del consumidor observando el comportamiento del consumidor.

Junto con Kenneth Arrow, Samuelson es considerado uno de los fundadores de la economía neoclásica moderna. Lo que sigue es una selección de las razones que se esgrimieron para otorgarle el Premio Nobel de Economía:

Más que cualquier otro economista contemporáneo, Samuelson ha colaborado en aumentar el nivel general analítico y metodológico en la ciencia económica. Ha reescrito una parte considerable de la teoría económica. También ha mostrado la unidad fundamental tanto de los problemas como de las técnicas analíticas en economía, parcialmente por una aplicación sistemática de la metodología de maximización a un amplio conjunto de problemas. Esto significa que las contribuciones de Samuelson se encuentra en un gran número de campos diferentes.

También fue esencial al crear la síntesis neoclásica, la cual incorpora principios keynesianos con principios neoclásicos y domina el mainstream económico. En 2003, Samuelson fue uno de los diez economistas ganadores del Premio Nobel que firmaron la Declaración de los economistas que se oponía al recorte de impuestos de Bush.

El libro de Samuelson "Curso de Economía Moderna" (publicado por primera vez en 1945 y ampliado en 1983) es considerado también una de sus magnum opus. Este manual es el libro de texto de Economía para estudiantes universitarios más vendido de la historia. Surgió a partir de su disertación doctoral en la Universidad de Harvard, en la cual hace uso de los métodos de termodinámica clásica de Josiah Willard Gibbs.[9] Con el objetivo de derivar "una teoría general de las teorías económicas (Samuelson, 1983, p. xxvi), el libro propone:

* examinar las analogías subyacentes entre las características centrales en la economía teórica y la economía aplicada

* estudiar cómo los teoremas operativos pueden ser derivados de un pequeño número de métodos análogos.

El libro muestra cómo estas metas pueden ser alcanzadas de forma parsimoniosa y fructífera, utilizando el lenguaje de las matemáticas aplicadas a diversos subcampos de la economía. El libro propone dos hipótesis generales como suficientes para sus propósitos:

* un comportamiento maximizador de los agentes; y

* sistemas económicos (incluyendo un mercado y una economía) en un equilibrio estable.

Where Nobel Economists Put Their Money

Noaj Weimberg

 Rab Noaj Weinberg, brillante educador y carismático profesor, fundador y decano de la extensa obra de alcance mundial Aish HaTorah, nació en Nueva York el año 1930.

Una figura pionera en el movimiento de Baal Teshuvá (retornados al Judaísmo), rediseñó e innovó en la tarea pendiente de llevar judíos seculares para el judaísmo ortodoxo, convirtiéndose en líder de los esfuerzos para revertir la marea de la asimilación.

 Con tan sólo cinco estudiantes, Weinberg  funda Aish en 1974 en Jerusalén. Ahora ocupa de bienes raíces de primera frente al Muro de las Lamentaciones y abarca decenas de sucursales en todo el mundo. Alrededor de 100.000 personas asisten a programas de Aish en 77 ciudades de 17 países.

 La organización también opera un programa de formación rabínica en Jerusalén, un Hesder Yeshiva para los soldados israelíes y atrae a un número incalculable de estudiantes judíos y los viajeros a sus cursos de introducción en Jerusalén y en todo el mundo.

"Rav Noé fue un visionario único que creía que todo judío estaba innatamente interesado en su condición de judío, pero debido a la falta de educación era ignorante de la riqueza de su patrimonio", dice el rabino Yitz Greenman, el director ejecutivo de Aish HaTorah Nueva York. "Él lo vio como su misión el hacer del judaísmo algo necesario para la generación apática. ” Fue un éxito increíble durante los últimos 50 años pues revive la chispa de la judeidad en cientos de miles de almas judías."

Al igual que el movimiento Chabad-Lubavitch, cuya amplia red mundial comprende lo que es probablemente el más conocido y el esfuerzo de divulgación de mayor éxito en el mundo judío, Weinberg creía que el mayor desafío que enfrentan hoy los judíos es la ignorancia, la apatía y la asimilación. Habló de un holocausto espiritual que priva al mundo de almas judías, más que el Holocausto real. A sus discípulos en la sede de Aish en Jerusalén con frecuencia les invocaba metáforas de guerra para describir la lucha en que se dedicaban a salvar al pueblo judío.

Weinberg es alabado por tomar un enfoque no crítico a la divulgación. Acogió con agrado los ateos y los no creyentes a su Yeshiva, diciendo que haría mejores ateos. Incluso habría permitido a un musulmán practicante estudiar en Aish, a pesar de que el estudiante rezaba cinco veces al día a la Meca.

"Un montón de divulgación ortodoxa siempre estaba teñida de sentenciosa - no siempre, pero a menudo", dijo Samuel Heilman, un sociólogo de la comunidad judía americana y un crítico de lo que algunos observadores describen como deriva hacia la derecha de los ortodoxos. "Tanto el rabino de Jabad y Weinberg podían llegar a la gente sin tener que obligarlos a negar lo que eran, y ser tan críticos. Y eso fue un elemento clave.

A diferencia de Jabad, Aish no se basa en la calidez y el carisma de sus emisarios, pero sí en la presentación de un planteamiento racional, el argumento contundente de la existencia de Di-s y la única misión del pueblo judío. Durante un tiempo, Aish era prácticamente sinónimo de seminarios populares, una serie de conferencias sobre temas tales como códigos de la Biblia, Génesis y el Big Bang, y la historia judía, que en conjunto intentaron presentar desde la lógica y las ciencias el origen divino de la Torá.

 La devoción de Weinberg a programas como el Discovery estaba arraigada en su interés en cambiar las percepciones sobre el judaísmo y haciendo hincapié en la aplicabilidad práctica de sus enseñanzas.  Uno de sus más famosas conferencias fue "Cinco niveles de placer", en la que enseñó que el judaísmo quiere que los seres humanos obtengan placer en el mundo, pero que el mayor placer de todos es la conexión espiritual.

Aish también difiere de Jabad en otro aspecto crucial: los emisarios de Jabad a menudo son los hijos de los emisarios de  y de cuadros más dedicados del movimiento, impregnados de sus valores desde una edad temprana.

Weinberg, después de intentar varias veces y no para iniciar los esfuerzos de difusión en los años 1960 y 1970, se dio cuenta de que necesitaba para llenar su organización con las personas que alguna vez fueron seculares.  Sólo que, a su juicio, entendieran la urgencia de la tarea.

El  rabino Noaj Weimberg estuvo muy preocupado por el aumento actual del antisemitismo y la situación en Irán. Insistió en que estos no son tiempos normales.  "Este es un momento en que cada ser humano en cuestión tiene que asumir la causa de confrontar al Islam militante, y sobre todo la amenaza de Irán”, dijo en varias oportunidades.

Weinberg, sufría de cáncer cuando murió el 5 de febrero de 2009 en su casa de Jerusalem.  Tenía 78 años.

Jana Szenes

Hanna Szenes (o Jana Senesh) (17 de julio de 1921 - 7 de noviembre de 1944) fue uno de los judíos más heroicos que lucharon contra los nazis en Europa, convirtiéndose en un símbolo de esperanza para las personas oprimidas de todo el mundo. Escritora, poetisa, soldado, luchó contra el nazismo hasta su muerte.

Nació en Budapest, en el seno de una familia judía asimilada, en la época en que los judíos disfrutaban de plena libertad y de todos los derechos civiles. Su padre, Bela Szenes, fue un reconocido poeta y dramaturgo que falleció cuando Hanna tenía seis años de edad, dejándole una rica tradición. Ella, a su vez, escribia poesía y a la edad de 13 años comenzó un diario que continuó hasta su muerte. Un camarada suyo lo recuperó de la destrucción y aún hoy se encuentra en circulación.

Hanna y su hermano fueron criados por la madre. Hanna fue inscripta en un colegio privado protestante, que admitía a católicos y judíos. Como estudiante destacada, fue elegida para encabezar la sociedad literaria pero no pudo ejercer el cargo debido al creciente sentimiento antisemita. A causa de esto, le ofrecieron convertirse al cristianismo o permanecer como judía en Hungría, donde el antijudaísmo era mayor día a día. Optó por el sionismo, involucrándose totalmente con sus objetivos. Fue una decisión que cambiaría su vida para siempre.

En 1939, Hanna finalizó la escuela y decidió viajar a Palestina a estudiar agricultura y eventualmente unirse a un kibbutz, Sedot Yam. Hacia 1942, el mundo empezaba a enterarse acerca del Holocausto que estaba ocurriendo en Alemania y donde cientos de miles de judíos eran asesinados cada día. Preocupada por su familia y por lo que estaba sucediendo, Hanna decidió regresar a Hungría y poco después se alistó en el ejército británico.

En 1944, en Egipto, Szenes comenzó a entrenarse como paracaidista con los británicos. Después de completar el entrenamiento en El Cairo, junto con otros compañeros de Palestina, pasó tres meses con los partisanos de Tito.

En mayo de ese año, Hanna y algunos camaradas cruzaron la frontera húngara en pequeños grupos. Casi de inmediato fue capturada por la policía local, conocida por su antisemitismo. Hanna tenía en su poder un radio transmisor.

Aunque recibió torturas, Hanna nunca reveló el código de radio. Después de cinco meses en prisión, Hanna Szenes fue llevada a juicio en octubre, bajo la acusación de ser una espía inglesa. La hallaron culpable, y tras negarse a pedir perdón, fue sentenciada a morir frente a un pelotón de fusilamiento. Quería ver a los ojos a sus ejecutores y por eso rechazó que cubrieran los suyos. Hannah Szenes tenía 23 años de edad.

Su diario termina: "Esta semana viajo a Egipto, enrolada, un soldado... Quiero creer que hice y que voy a hacer lo correcto. En cuanto al resto, sólo el tiempo dirá".

Epílogo

El diario de Hannah Szenes fue publicado en hebreo en 1946. En 1950, su cuerpo fue llevado a Israel y enterrado en el cementerio del Monte Herzl, en Jerusalem. El 5 de noviembre de 1993, su familia recibió una copia del informe del ejército húngaro exonerándola de los cargos de traición. Itzjak Rabin asistió a la ceremonia en Tel Aviv.

Dejó tras de sí cartas, obras de teatro, poesías, un pálido reflejo de lo que pudo haber sido, pero que se acabó demasiado pronto. Los poemas de Jana Szenes fueron ampliamente difundidos y siguen siendo leídos o cantados en las conmemoraciones del Holocausto.

Bienaventurada…

¡Bienaventurada la cerilla que ardió y encendió llamaradas,
Bienaventurada la llamarada que ardió en lo recóndito de los corazones,
Bienaventurados los corazones que supieron detenerse con honor,
Bienaventurada la cerilla que ardió y encendió llamaradas!
 

Marcha a Cesárea

Dios mío, que no termine nunca
la arena y el mar,
el murmullo del agua,
el rayo del cielo,
la oración del hombre.
 

Ernesto Nathan

por Jorge Tachauer Sebök

Muchos de Ustedes quizás nunca escucharon hablar o leyeron algo acerca de este personaje. Con seguridad se preguntarán porque me permito calificarlo de “Figura”.

Nació en Londres en 1845, hijo de Mayer Nathan y Sara Levi. La circunstancia que se dio del hecho que Giuseppe Mazzini, adalid y líder del Risorgimento italiano junto con Garibaldi, estuviera exiliado en Londres y fuera asiduo visitante del hogar paterno de Nathan, determinó que tuviera una gran influencia en el pensamiento político y en la vida de este último.

En 1859, Sara, la madre ya viuda de Ernesto Nathan se fue a radicar a Italia. Para cuando se produjo la unificación de Italia (1870), Ernesto llegó a ser el director del diario “Roma del Popolo”, fundado por Mazzini Después de 1871 se reunió frecuentemente con los más destacados intelectuales, científicos y políticos en su hogar, por ej.: Crispi, Carducci, etc. Fue cofundador de la Asociación Dante Aligheri. Ernesto Nathan obtuvo la ciudadanía italiana en 1889.

Paralelamente a su actuación política, Nathan perteneció a la Orden Masónica, ocupando cargos y dignidades elevadas, culminando con el cargo de Gran Maestro de la Gran Logia de Italia, que ocupó durante dos períodos (1899 y 1917). Durante su mandato, la Masonería italiana adquirió el Palacio Giustiniani como sede que, tras algunas peripecias, aún sigue siendo centro de una de las Grandes Obediencias de la península.

Su carrera política culminó en 1907, cuando fue elegido Alcalde de Roma, capital del Reino de Italia, cargo que ocupó, por reelección, hasta 1913. Este hecho sucedió menos de 40 años después de la abolición del ghetto en la ciudad; indudablemente fue un acontecimiento importante, con el ingrediente del acendrado republicanismo y anticlericalismo del recién electo Alcalde. Además fue el primer alcalde de la ciudad que no provenía ni de la aristocracia ni de los grupos terratenientes. Atacó Nathan el grave problema de las cloacas de la ciudad y, también el de la prostitución; solucionó sólo en parte ambos. También protegió sitios arqueológicos, construyó un estadio para deportes. Promovió la educación laica; fundó 150 kindergarten. (Hoy la ciudad tiene sólo poco más del doble). También fundó una red de transporte público para la ciudad y una Compañía de Electricidad para la misma.

A la muerte de Mazzini, Nathan regaló a la ciudad los manuscritos y correspondencia de Mazzini y supervisó la publicación de ellos.

En 1915, en la 1ª Guerra Mundial, y a los 70 años de edad, se alistó en el Ejército de Italia y entró en acción como Teniente 1º.

Murió en Roma en 1921.
 

Sammy Davis Jr.

Sammy Davis, Jr. (8 de diciembre de 1925 – 16 de mayo de 1990), bailarín, cantante, multi-instrumentista (tocaba el vibráfono, la trompeta y la batería); comediante y actor estadounidense.

Nació en Harlem, Nueva York, hijo de Elvira Sánchez, de la que se cree que era una bailarina de Puerto Rico con ascendentes cubanos, y de Sammy Davis, Sr., un artista afroamericano; los dos formaban pareja de baile de vaudeville. Durante sus primeros tres años estuvo básicamente a cargo de su abuela y, cuando sus padres se separaron, para no perder su custodia, el padre se lo llevó de gira. De él y de su tío Will Mastin aprendió a bailar, terminando por formar con ellos el Will Mastin Trio.

Aunque constantemente protegido por Mastin y su padre de los ataques racistas, durante su alistamiento en el ejército norteamericano en el periodo de la Segunda Guerra Mundial, Davis sufrió inevitablemente el ser objeto de fuertes prejuicios raciales. Esta situación, constante a lo largo de buena parte de su carrera, consiguió ser suavizada por su talento artístico, mediante su participación en un grupo de espectáculo dentro del ejército.

Al terminar la guerra regresó a su actividad como bailarín y empezó a conseguir popularidad. Sufrió un accidente el 19 de noviembre de 1954 en San Bernardino que lo tuvo al borde de la muerte y que paralizó su carrera; como consecuencia del mismo perdió su ojo izquierdo.

Durante su estancia en el hospital, Davis se convirtió al judaísmo, en base a las similitudes encontradas entre los judíos y la raza negra.

El 19 de noviembre de 1960, tras un bullado romance, contrajo matrimonio con la actriz sueca May Britt, esta unión interracial ocurrió en plena época de disturbios raciales. El matrimonio duró ocho años y tuvieron un hijo.

Después de su separación, Sammy Davis Jr. tuvo largos periodos de inestabilidad emocional.

Davis murió en Beverly Hills, California, el 6 de mayo de 1990 por complicaciones de su cáncer de garganta, a la edad de 64 años. Fue sepultado en el cementerio "Forest Lawn Memorial Park Cemetery" en Glendale, California al lado de su padre y de Will Mastin.

En 2001 fue honrado con un Grammy, Grammy Lifetime Achievement Award.

Stanley Kubrick

El director, guionista y productor Stanley Kubrick nació en Nueva York (Estados Unidos), el 26 de julio de 1928, en el seno de una familia judía de clase media. Mal estudiante en su niñez, sus padres intentaron incentivarlo mandándolo a California, residiendo en Pasadena junto a su tío materno, Martin Perverler, un personaje importante en su posterior carrera cinematográfica ya que le ayudaría a financiar sus primeros proyectos fílmicos.

Los intereses principales de Stanley eran el cine, la lectura, el ajedrez, deporte del que era un experto jugador, y la fotografía, afición que le valíó para conseguir su primer contrato profesional al trabajar para la revista “Look”.
Kubrick debutó como director cinematográfico con una serie de documentales rodados a comienzos de los años 50, los cortos “Day of the fight” (1951), “Flying Padre” (1951) y “The seafarers” (1953). Unos años antes, en 1947, se había casado con Toba Metz, dialoguista de la que se divorciaría en 1952.
Su primer trabajo de ficción sería “Fear and Desire” (1953), un drama bélico de bajo presupuesto poco inspirado en el cual aparecía como actor el posterior director Paul Mazursky. Más tarde rodaría otro título menor en su brillante filmografía, “El beso del asesino” (1955), un relato pulp de poco más de una hora interpretado por Frank Silvera, quien también había sido el protagonista de “Fear and Desire”.

En 1954 Kubrick se casó con la directora artística y bailarina austríaca Ruth Sobotka, quien aparece en “El beso del asesino” y se ocuparía de la dirección artística de “Atraco Perfecto” (1956) la primera gran obra de su esposo, producida de manera independiente junto a James B. Harris. Protagonizada por Sterling Hayden y Coleen Gray, recreaba de manera magistral un robo a un hipódromo.

En este film, influenciado tanto por Fritz Lang como por John Huston o Sam Fuller, se aprecian algunas de las virtudes como autor del director neoyorquino, su meticulosidad y perfeccionismo enfermizo con los detalles, el realce visual en un intrincado proceder narrativo y un control total de todo el proceso artístico. Al margen de ello y con pronunciación principal en títulos posteriores, se distinguirá notablemente su carácter inconformista y esquivo, configurando películas polémicas y controvertidas.

“Senderos de gloria” (1957), película que adaptaba una novela de Humphrey Cobb, se convirtió en una de las cumbres del autor. Film antibélico que puso en contacto por primera vez al joven director con Kirk Douglas, quien demandaría la presencia de Kubrick para sustituir a Anthony Mann en “Espartaco” (1960), fenomenal peplum basado en la novela de Howard Fast.

Por esta película, Stanley Kubrick recibiría una nominación a los Globos de Oro como mejor director, candidatura que volvería a lograr por “Lolita” (1962), adaptación de la obra homónima del ruso Vladimir Nobokov, quien también asumiría facetas de guionista, siendo nominado al Oscar por su trabajo. El film deparaba una estupenda interpretación de James Mason como el profesor Humbert Humbert y la revelación internacional de la joven Sue Lyon en el papel de Lolita.

Tras divorciarse de Sobotka en el año 1957, Kubrick contrajo matrimonio en 1958 con Susanne Christian, la cantante alemana que aparece en la inolvidable última escena de “Senderos de gloria”. Con esta actriz germana, llamada tras su matrimonio Christianne Kubrick, el autor estadounidense permanecería hasta su muerte.

En “Lolita” intervenía en un secundario pero decisivo papel el actor británico Peter Sellers, quien, junto a George C. Scott y Sterling Hayden, el protagonista de “Atraco Perfecto”, protagonizaría otro memorable trabajo, “¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú” (1964), una sátira sobre la guerra fría basada en la novela de Peter George. Kubrick sería nominado al Oscar como mejor director, ganando la estatuilla George Cukor por el musical “My fair lady”, y mejor guionista, consiguiendo el premio Edward Anhalt por “Becket”. La película también consiguió ser nominada al Oscar, pero el galardón sería para “My fair lady”.

Cuatro años después, Stanley Kubrick retornó a la pantalla con uno de sus proyectos más ambiciosos, “2001: Una odisea del espacio” (1968), una película co-escrita por el director y el escritor Arthur C. Clarke, que pivotaba en un relato de este último llamado “El Centinela”.

El film maduraba las convenciones de la ciencia-ficción previa, ofertaba múltiples perspectivas en base a su cripticismo y establecía las bases estéticas de las futuras producciones del género. No obstante, muchos de los aspectos misteriosos del filme se explican por la paíón de Kubrick en estudios de Kábala.

“2001” sería premiada con varias nominaciones a los Oscars. Kubrick ganaría el premio a los mejores efectos especiales y sería nominado como mejor director, logrando Carol Reed el galardón por “Oliver”, y mejor guión original junto a Clarke, consiguiendo la estatuilla Mel Brooks por “Los Productores”.
A partir de los años 70 la prolijidad de Stanley Kubrick en cada proyecto establecería que la aparición de sus películas se convirtiesen en todo un acontecimiento cultural. En “La naranja mecánica” (1971), Kubrick adaptaba una novela de Anthony Burgess y establecía una perspectiva sobre la violencia social con ramalazos de comedia negra y sátira.
El film sería nominado al Oscar como mejor película, al igual que mejor dirección, guión y montaje. Los premios a los que optaba Kubrick serían para “French Connection”, William Friedkin por “French Connection” y Ernest Tidyman por la misma película. También recibiría una nominación como mejor director a los Globos de Oro.

Su siguiente trabajo le retrotrayó a la Inglaterra del siglo XVIII, cuando adaptó a la pantalla una novela de William Makepeace Thackeray, “Barry Lyndon” (1975). Con el protagonismo de Ryan O’Neal, Kubrick recreó de manera espléndida el ambiente de la época, hecho que volvió a ser recompensado con varias candidaturas a los Oscar.

Ni el galardón a la mejor película, que sería para “Alguien voló sobre el nido del cuco”, ni el de mejor director, para Milos Forman, ni el del mejor guión adaptado, premio fue para Lawrence Hauben y Bo Goldman por “Alguien voló sobre el nido del cuco”, pudieron acrecentar el exiguo bagaje de estatuillas de Kubrick.

Por el contrario, aspectos técnicos de la película, que supuso un gran revés económico para su autor, como la dirección artística, vestuario, música o fotografía, sí fueron recompensados por la Academia de Hollywood.

En los años 80 Kubrick firmaría dos películas, “El resplandor” (1980), título de terror protagonizado por Jack Nicholson que trasladaba al cine la novela homónima de Stephen King, y “La chaqueta metálica” (1987), un film que volvía a recalcar sus postulados antibélicos, ahora desarrollando su acción en la Guerra del Vietnam en base a una novela de Gustav Hasford. Kubrick sería nominado al mejor guión, un premio que recayó en Bernardo Bertolucci y Mark Peploe por “El último emperador”.

Después de muchos años de reclusión, Kubrick, quien barajaba varios proyectos, entre ellos “A. I. Inteligencia Artificial”, un fim que después rodaría su admirador Steven Spielberg, terminó realizando “Eyes Wide Shut” (1999), un drama psicológico protagonizado por la pareja Tom Cruise-Nicole Kidman.

Este último film se estrenaría de manera póstuma, ya que Stanley Kubrick fallecería el 7 de marzo de 1999 en Inglaterra. Tenía 70 años.

Trailer del filme "2001: Odisea del Espacio" (1968)

Alain Oulman

Alain Oulman nació en Cruz Quebrada, Portugal, el 15 de junio de 1928, un distrito de Lisboa de clase media, en el seno de una familia judía tradicionalista. Fue un apasionado por los libros, la música y la cantante de fados Amalia Rodrigues. Fue presentado a Amalia, en 1962, por Luís de Macedo, un diplomático en París, durante unas vacaciones en la Playa de Lisandro. Oulman mostró a Amália una canción que había compuesto en el piano, con el poema "Vagamundo", de Luís de Macedo. De esta manera se inició una asociación artística de alcances internacionales entre el músico y la cantante.

El álbum "Busto", publicado en 1962, marcó el inicio de esta colaboración, disco que generó enorme polémica en el ámbito portugués por cuanto musicalizaba  a poetas clásicos considerados "intocables". Sin embargo muy pronto llevó a los aún más clásicos como el renacentista Luís de Camões a la voz fadista de Amália Rodrigues.

Por extensión, Alain Oulman es considerado el principal responsable de un cambio profundo en la música popular europea.

Oulman, persona de izquierda, es perseguido y detenido por la PIDE (Policía secreta de la dictadura fascista de Portugal). Sólo gracias a la intervención de su amiga Amalia fue posible liberarle pues la acusación de "comunista y judío" eran serias en esa época. Finalmente es deportado a Francia.

Durante el exilio, Oulman escribió músicas para diversos poetas perseguidos, como Manuel Alegre y Alexandre Oneil, por ejemplo. En todas sus creaciones musicales, que suman más de 200 canciones, imprimió un nostálgico aire lisboeta mixturado con armonías judías y un componente bastante innovador proveniente del Jazz.

En el álbum "Com que Voz", grabado en 1969, pero fue liberado de la censura al año siguiente, los nombres Cecília Meireles, Alexandre O'Neill, David Mourão-Ferreira, Manuel Alegre, Camões, Ary dos Santos y Pedro Homem de Mello, todos poetas de diversos siglos paracen recreados con la música de Alain Oulman. El disco recibe el Premio de la Crítica Discográfica Italiana (1971), el Gran Premio de la Ciudad de París y el Grand Prix de París Disco (1975).

Después de la Revolución de los Claveles (25 de abril de 1974), Alain Oulman retorna a Portugal y pasa a defender a su amiga Amalia, cuando fue acusada de estar vinculado con el régimen anterior.

Alain Oulman murió en la ciudad de París, el 29 de marzo de 1990, cuando tenía 61 años de edad siendo sepultado con los ritos judíos en medio de honores de Estado por parte de Francia que le había acogido durante su exilio y que apreció su aporte a la música popular europea durante varias décadas.

Hoy es considerado uno de los más grandes aportes a la expresividad musical en la música popular, y una de las fuentes en que bebieron otros compositores para desarrollar el género "balada" con un tono íntimo distante de los grandes acordes y orquestaciones.

 

Alain Oulman en un ensayo con Amália Rodrigues entonando "Soledad"

Camille Pissarro

Camille Pissarro fue un pintor impresionista francés con un destacado papel como guía artístico de su época. Hijo de padres sefaradies, después de recibir una educación general en París fue empleado en la oficina de comercio de su padre en su ciudad natal hasta 1852, fecha en que abandonó su casa para trasladarse a Venezuela, como ayudante del pintor dinamarqués Fritz Melbyl.

En 1855 su familia se trasladó a París y él se reunió pronto con ella. Los pintores más importantes entonces en París eran Corot y Courbet, y Pisarro hubo que sufrir su influencia. Hacia 1866 se unió a Manet, Monet, Rendir, Sisley y Guillaumin, grupo de estudiantes influidos por Courbet y de cuyos experimentos y descubrimientos respecto de los valores como distintos del claroscuro, nació el impresionismo .

De 1868 a 1871 Pissarro vivió en Louveciennes, que estaba en la línea del avance prusiano hacia París, y habiendo los alemanes ocupado su casa, destruyeron todas sus pinturas. Entre tanto Pissarro se había refugiado en Inglaterra, estableciéndose en Londres, en Sydenham, de cuyas cercanías pintó numerosos paisajes. Él y Claudio Monet fueron invitados a presentar sus obras en la Real Academia, pero solo como extranjeros distinguidos, puesto que los artistas independientes ingleses eran tratados en Londres precisamente como Monet y Pissarro eran tratados en París.

Año tras año, el Salón se negó a exponer sus obras, y junto con otros impresionistas, se decidieron a exponerlas en otro local por su cuenta (1874-1886). Sin embargo, antes de esta decisión algunos de sus paisajes fueron aceptados en los Salones de 1859, 1864, 1865, 1866, 1868, 1869 y 1870.

Hasta 1866 pintó con gama sobria, a la manera que prevalecía entre los pintores influidos por Corot y Courbet. Sus obras de esta época de verdes austeros y grises sombríos constituyen lo que podría llamarse su manera negra. Su ascensión progresiva hacia la plena luz y yuxtaposición brusca de colores la debió a la influencia de Manet.

Vuelto a Francia, se estableció en Pontoise, donde vivió de 1872 a 1882. En esta época se comunicó frecuentemente con Vignon y Cézanne, trabajando junto a ellos, y adquiriendo un colorido esplendente, sugerido por el de Cézanne. Establecido en Pontoise, cesó de enviar obras al Salón y, en cambio, expuso en todas las exhibiciones de independientes, ayudando activamente a la manifestación del impresionismo .

Pisarro es el pintor de la naturaleza agreste y de la vida rústica. Nunca buscó motivos raros ni horizontes excepcionales, ni embelleció las cosas. Por esto sus obras causaron entonces repugnancia, porque el público los consideraba vulgares y groseras, no pudiendo comprender el encanto de aquella sencillez natural. En 1883 se estableció en Eragny-Razincourt, y habiendo enfermado de la vista y no pudiendo soportar la intemperie, trasladó su residencia en Ruán, dedicándose a la pintura de escenas urbanas, interiores domésticos y otros asuntos semejantes, y pasando luego a París, donde aumentó su ya gran producción con admirables vistas de la gran ciudad.

Pissarro trabajó mucho al óleo, a la aguada, al aguafuerte y a la litografía. De sus obras, merecen mencionarse: Paisaje de Montmorency, Orillas del Marne, Ruta de Cachalas a la Roche Guyon, Otoño, La carretera de Louveciennes, Efecto de nieve, Orillas del Oise, Sendero a través de los campos, La recolección de manzanas, Vista de Ruán…

Itzhak Perlman

Itzhak Perlman (nacido en Tel Aviv, Israel), el 31 de agosto de 1945. Violinista israelí-estadounidense. Es uno de los mejores y más famosos violinistas de la segunda mitad del siglo XX.

Comienzos

Contrajo poliomielitis a los cuatro años, viéndose, mas adelante en la necesidad de utilizar muletas para poder desplazarse, y por ello toca el violín sentado. Estudió en la Academia de Música de Tel Aviv, antes de mudarse a los Estados Unidos, donde se presentó a la audiencia norteamericana en el programa de Ed Sullivan en 1958. A los 13 años ingresó en la Juilliard School, en la que estudió con Ivan Galamian y Dorothy DeLay. Debutó en el Carnegie Hall como solista en 1963. En 1964 ganó la preciada Leventritt Competition, con lo que empezaría una prominente carrera.


Pronto Perlman comenzó a hacer muchas giras, además de aparecer en orquestas prestigiosas y en festivales y recitales alrededor del mundo. En noviembre de 1987 trabajó con la Orquesta Filarmónica de Israel en una serie de conciertos en ciudades de Polonia (Varsovia) e Israel. Su primera visita a la Unión Soviética, en mayo y abril de 1990, registró una audiencia numerosa en Leningrado y en Moscú, realizando la presentación de un recital y una interpretación orquestal. En diciembre de 1994 viajó con la Orquesta Filarmónica de Israel a China e India.

En diciembre de 1990 Perlman visitó Rusia por segunda vez, para participar en una presentación de gala en Leningrado, celebrando el 150 aniversario del nacimiento de Tchaikovsky. El concierto, en el cual participaron también Yo-Yo Ma, Jessye Norman y Yuri Termikanov, este último al frente de la Filarmónica de Leningrado, fue televisado en Europa y lanzado en el resto del mundo en video.

En diciembre de 1993 Perlman visitó la ciudad de Praga, en la República Checa, para interpretar una gala de Antonín Dvořák en compañía de Yo-Yo Ma, Frederica von Stade, Rudolf Firkusny y la Orquesta Sinfónica de Boston, conducida por Seiji Ozawa. Este concierto también se televisó y más tarde, en 1994, fue lanzado en disco compacto y VHS.

Ha realizado otras grabaciones, y desde los años 1970 comenzó a aparecer en programas norteamericanos como “The Tonight Show”, “Plaza/Barrio Sésamo” y el show de David Letterman, además de tocar en la Casa Blanca. Fue el violín solista de la película La lista de Schindler, donde interpretó música del compositor John Williams, lo que lo hizo acreedor a un Oscar por mejor música. Su última grabación para bandas sonoras fue la de la película Memorias de una Geisha, junto a Yo-Yo Ma y John Williams.

Además de tocar y grabar música clásica, Perlman también toca jazz y klezmer. Recientemente ha comenzado a dirigir, tomando el puesto de director invitado en la Orquesta Sinfónica de Detroit. Perlman ha sido laureado con varios honores, incluyendo los del Centro Kennedy en el 2003.

Su versión de los 24 Caprichos de Paganini es una de sus grabaciones más conocidas.

Aparte de su labor como intérprete, a veces, con su colega Pinchas Zukerman, Perlman tiene una importante carrera de enseñanza y da clases privadas y clases magistrales de violín y música de cámara alrededor del mundo. Actualmente ocupa la posición que antes tenía su maestra Dorothy DeLay (ya fallecida), en la escuela de música Juilliard.

Actualmente Itzhak Perlman reside en Nueva York con su esposa Toby, quien también es violinista profesional. Tienen cinco hijos: Noah, Navah, Leora, Rami (quien pertenece a la banda de rock Something for Rockets) y Ariella. En 1995 él y su esposa fundaron el Perlman Music Program en Shelter Island, Nueva York, con el que ofrece cursos de residencia de verano a músicos jóvenes que estudian música de cámara.

Regularmente, las grabaciones de Perlman aparecen en las listas de los charts de Best-Sellers, lo que le han valido ganar 15 premios Grammy. Además ha realizado grabaciones conjuntas con otros compositores e intérpretes famosos como John Williams, Daniel Barenboim y los directores Zubin Mehta, Seiji Ozawa y el Cuarteto de Cuerdas Juilliard (Juilliard String Quartet). Durante gran parte de su vida ha luchado contra la discriminación de personas con problemas de integración social y sus derechos.

Itzhak Perlman ha obtenido cuatro premios Emmy, el más reciente por el PBS documentary Fiddling for the Future, una película sobre el programa Perlman Summer Music Program, asociación que él mismo dirige. El anterior Emmy le fue entregado por su dedicación al Klezmer Music (música klezmer), otro programa de su autoría.

Ha recibido, además, reconocimientos por parte de las universidades: Harvard, Yale, Brandeis, Roosevelt, Yeshivá  Hebrea.

Leventritt Competition - Ganador (1964)

Medalla de la Libertad - Entregada por el presidente Reagan, 1986

Medalla Nacional de las Artes - Entregada por el presidente Clinton en 2000

Premio Grammy por la mejor interpretación de música de cámara

* Daniel Barenboim & Itzhak Perlman por Brahms: The Three Violin Sonatas (1991)

* Vladimir Ashkenazy, Lynn Harrell e Itzhak Perlman por Beethoven: The Complete Piano Trios (1988)

* Vladimir Ashkenazy, Lynn Harrell e Itzhak Perlman por Tchaikovsky: Piano Trio in A Minor (1982)

* Itzhak Perlman y Pinchas Zukerman por Music for Two Violins (Moszkowski: Suite for Two Violins/Shostakovich: Duets/Prokofiev: Sonata for Two Violins) (1981)

* Itzhak Perlman & Vladimir Ashkenazy por Beethoven: Sonatas for Violin and Piano (1979)

Premio Grammy por Mejor Interpretación Solista Instrumental (con Orquesta)

Premio Grammy por Mejor Interpretación Intrumental como Solista (sin orquesta)

Premio Grammy por Mejor Álbum de Música Clásica

Premio Grammy por Mejor Álbum con Arreglos, Música Clásica

Kennedy Center Honors en 2003

 "La Lista de Shindler"

Itzhak Perlman interpreta tema de su autoría

Gretel Bergmann

Margaret "Gretel" Bergmann nació en Laupheim -en el sur de Alemania- el 12-04-1914 en el seno de una familia judía. Empezó a practicar deporte con 15 años. Se inclinó por el salto de altura y en 1931 saltó 1,51 en los campeonatos del sur de Alemania. Con la llegada de los nazis al poder en 1933 los judíos fueron expulsados de los clubs deportivos y Gretel marchó con parte de su familia a Inglaterra. Se impuso en el 1934 en el campeonato de la AAA con un salto de 1,55m.

El régimen nacional-socialista presionó a su familia para que regresase a competir en Alemania con el fin de transmitir una imagen de apertura ideológica en vísperas de los Juegos. En 1935 Gretel saltó de nuevo 1,55 en el campeonato de Württenberg. Sin embargo no acudió a los campeonatos de Alemania ese año ni el siguiente. El 27 de junio de 1936 en Stuttgart igualó con 1,60 el record nacional de Elfriede Kaun. Una tercera "saltadora", Dora Ratjen igualó la marca el 11 de julio. El 16 de julio Gretel recibió una carta que la excluía del equipo olímpico alegando que su rendimiento era insuficiente. La carta concluía así "No hay posibilidades de que sea incluida en el equipo. ¡Heilt Hitler!". El 1 de agosto el canciller Adolf Hitler presidía la fastuosa ceremonia inaugural de los XI Juegos Olímpicos de la era moderna.

En la final de altura Dora Ratjen acabó cuarta mientras tres mujeres, la alemana Elfriede Kaun, la británica Dorothy Odam y la húngara Ibolya Csak empataban a 1,60 y se veían obligadas a un desempate (era la regla de la época) que dio el oro a la húngara (1,62 en salto de desempate), la plata a la inglesa y el bronce a la germana. En 1938 Dora Ratjen se proclamaba campeona europea y batía el record mundial (1,70) pero poco después era descubierta y descalificada. Con el nombre de Horst (Hermann, Hugo o Heinrich en otras referencias) fue al frente sobreviviendo a la guerra.

En mayo de 1937 Gretel se exilió en los Estados Unidos ganando esa misma temporada los títulos de la AAU de peso (11,44) y altura (1,52), renovando este último en 1938 (1,57). Se casó con otro exiliado, el estudiante de medicina (y antiguo sprinter) Bruno Lambert y pasó a llamarse Margaret Lambert. Recibió la ciudadanía estadounidense en 1942. Infatigable activista por la causa judía, declaró no haber vuelto a hablar en alemán ya que "odiaba todo lo alemán". También publicó un libro autobiográfico By leaps and bounds (A pasos agigantados). En 1996 fue admitida en el "Salón de la fama del deporte judío" y no regresó a Alemania hasta 1999 con motivo de inaugurar el estadio de su Laupheim natal al que se le dio su nombre (también a un pabellón deportivo de un barrio de Berlín). En esa ocasión se expresó en inglés con un traductor.

La saltadora en altura, alemana de origen judío, fue invitada a participar de la máxima competencia olímpica, pero luego del retiro del boicot de Estados Unidos de los Juegos, los 21 judíos preclasificados fueron “no elegidos”. Tras la decisión de los jerarcas nazis, Bergmann se trasladó a Estados Unidos, donde difundió su historia. En 1999 volvió a Alemania y afirmó que “los jóvenes (alemanes) no son responsables de lo que hicieron sus mayores”.

A cuatro días de la inauguración de los Juegos Olímpicos de Beijing, en China, y con los ojos del mundo focalizados en observar cómo se desenvolverá el gigante asiático, tan cuestionado por su política de derechos humanos contra los opositores al régimen comunista, vuelven a la memoria otros Juegos, disputados bajo otros gobiernos que violaban sistemáticamente los derechos de sus ciudadanos y, además, hacían distinciones de “raza”.

En 1936, tres años después del ascenso de Hitler como Canciller de Alemania, se disputaron en ese país los XI Juegos Olímpicos de la historia moderna.

La atleta judía alemana Gretel Bergmann deseaba participar en esos Juegos, aunque no motivada por el éxito deportivo, sino por el deseo de romper el estereotipo de los judíos que potenciaban los nazis: "gordos, con las piernas torcidas y miserables".

La familia Bergmann, expulsada de Alemania por ser judía se había instalado en el Reino Unido. Allí le llegó una carta a la atleta que le anunciaba su posibilidad de inscribirse en la competencia.

Bergmann, obligada a disputar una ronda de clasificación un mes antes del inicio de los Juegos Olímpicos, saltó 1,60 metros -su mejor marca personal- y logró ser una de las tres clasificadas de Alemania para el evento.

Poco después, Estados Unidos aceptó los gestos de Adolf Hitler para con los judíos y anunció que declinaba su boicot en los Juegos. Inmediatamente, los 21 judíos preclasificados fueron "no elegidos" -salvo Helene Mayer- "Nunca más me permitieron poner un pie en el estadio, ni como espectadora", aseveró la atleta y recordó los carteles denigrantes que se leían en estadios, locales y comercios de toda Alemania: "No se permite la entrada ni a judíos ni a perros".

Tras la denegación del permiso para participar en los Juegos Olímpicos de su país natal, Gretel abandonó el país esta vez rumbo a Estados Unidos, junto al que posteriormente sería su marido, el corredor judío Bruno Lambert.

Gretel Bergmann, que pasó a llamarse Margaret Lambert, si hubiera repetido su salto de clasificación, hubiera conseguido la medalla de plata, sin embargo el III Reich tuvo que conformarse con el bronce. Los ministros del Reich infiltraron a un atleta hombre, Dora Rajten, a quien hicieron pasar por mujer, una historia que se develó 30 años después.

En Estados Unidos, Margaret sufrió pesadillas imaginando su presencia en Berlín y saludando "¡Heilt Hitler!" como lo hizo la atleta Helen Mayer. A pesar de eso, se convirtió en un símbolo de la opresión judía en Alemania.

Lambert escribió el libro autobiográfico "By leaps and bounds" (A pasos agigantados), la HBO filmó un documental sobre su vida en 2004 narrado por la actriz israelí Natalie Portman y el Museo del Holocausto la incluyó entre sus principales protagonistas en la exposición que estará abierta en Washington hasta mediados de agosto.

En 1999, la antigua saltadora en altura volvió por primera vez a Alemania, a Laupheim, su ciudad natal. "Cuando escuché que darían mi nombre al estadio para que los jóvenes se preguntaran ¿Quién fue Gretel Bergmann? y les contaran mi historia y la de aquellos tiempos, creí que era importante recordar, por lo que acepté regresar al lugar al que juré que nunca estaría de nuevo", aseguró Lambert.

La ex atleta todavía ofrece conferencias y entrevistas, al tiempo que afirma: "No odiaré a todos los alemanes nunca más, ya lo hice mucho tiempo. Muchos están intentando corregir sus errores. Los jóvenes no son responsables de lo que hicieron sus mayores".

Aunque la privaron de la posibilidad de obtener una medalla por ser judía, Gretel Bergmann ha podido elevar su voz y contar su historia a las generaciones, para que nunca más se repita ni en Alemania ni en el mundo un hecho semejante.

Groucho Marx

Groucho Marx (n. 2 de octubre de 1890 - m. 19 de agosto de 1977) fue un actor, comediante y escritor estadounidense, conocido principalmente por ser uno de los miembros de la familia cómica Hermanos Marx.

Julius Henry Marx nació en Nueva York, creció en en el seno de una modesta familia de inmigrantes alemanes judíos. Su madre era Miene (Minnie) Schoenberg (1864-1929) que emigró a Estados Unidos desde Alemania junto a sus padres y sus hermanos y su padre era Simon (Samuel) Marx (nacido como Marrix) (1860?-1933), inmigrante alemán, nacido en Alsacia cuando formaba parte de Francia y anexada posteriormente al Imperio Alemán tras la Guerra Franco-Prusiana en 1871, con lo que Samuel pasó de ser ciudadano francés a ciudadano alemán. Orgulloso de su pasado francés fue conocido toda su vida como Frenchy.

Marx debutó en el mundo del espectáculo a los 15 años como cantante solista. Pasado algún tiempo comenzó a actuar junto a sus hermanos en el vodevil, primero en tríos o cuartetos musicales y finalmente en revistas. La obra Cocoanuts, interpretada de 1925 a 1928, dio a los Marx su oportunidad en Broadway. A raíz de este éxito, y tras olvidar su infructuoso rodaje de una primera y perdida película muda el año 1921 Humor Risk, firmaron también un acuerdo con la Paramount, con la que hicieron varias películas, como "Los cuatro cocos", "Plumas de caballo" y "Sopa de ganso", entre otras.

Tras salir de la Paramount, y gracias al productor Irving G. Thalberg, los hermanos Marx comenzaron a trabajar con la Metro Goldwyn Mayer, de donde salieron películas como "Una noche en la ópera" y "Un día en las carreras". En los 50 cada uno de los tres hermanos continuó trabajando independientemente en radio, televisión y cine, siendo Groucho el que más éxito cosechó, gracias a su faceta como escritor y sobre todo gracias a su programa televisivo "Apueste su vida", con el que se hizo realmente famoso en los Estados Unidos entre una generación de personas que nunca lo habían visto en el teatro y que apenas lo conocían de alguna de sus viejas películas.

Marx falleció en Los Ángeles a causa de una neumonía, dejando atrás tres ex-esposas, Ruth, Kay y Eden, tres hijos, Arthur, Miriam y Melinda, 18 películas, 14 de ellas junto a sus hermanos, y millones de admiradores. Una de sus célebres frases fue: "No deseo pertenecer a ningún club que acepte como socio a alguien como yo".

Sus cenizas se guardan en el Eden Memorial Park, siendo falso el epitafio "Perdonen que no me levante para saludarlo" que popularmente se cree que está en su tumba.

Ilona Elek

Fue la primera gran estrella de la esgrima femenina, y la primera floretista en ganar dos medallas de oro individuales, en Berlín '36 y Londres '48. De no haberse suspendido los Juegos de 1940 y 1944 por la guerra, Ilona Elek podría haber logrado registros insuperables.

El florete es el arma más ligera de la esgrima, y por ello la única modalidad que practicaban las mujeres en esa época. El sable y la espada en categoría femenina no se introdujeron hasta fechas muy recientes. Además, las mujeres solo competían en la modalidad individual, y no por equipos como hacian los hombres.

Elek, de ascendencia judía, tenía ya 29 años cuando participó en Berlín '36, convirtiéndose en la primera deportista húngara que ganaba un oro olímpico. Es interesante añadir también que en esta competición derrotó en la final a la alemana Helene Mayer, cuya particularidad es que fue la única deportista judía que compitió representando al país organizador, el pleno auge del nazismo. Además la austriaca Ellen Preis, medallista de bronce, también era judía.

Tras la guerra, Elek ganaría su segunda medalla de oro en Londres '48, ya con 41 años. Para dar idea de su mérito, decir que fue la única mujer que se proclamó campeona olímpica en los dos Juegos separados por la guerra. Sólo el piragüista checo Jan Brzak consiguió lo mismo.

Sus terceros y últimos Juegos Olímpicos fueron en Helsinki '52, donde a punto estuvo de obtener su tercer oro consecutivo, pero perdió en la final con la italiana Irene Camber por un ajustado 4-3. Aparte de sus éxitos olímpicos, Elek también logró un récord de 17 medallas en campeonatos mundiales, diez de ellas de oro. Se retiró en 1956. Falleció el 24 de julio de 1988.

Juegos de la XI Olimpiada (Berlín 1936): Oro, florete individual.
Juegos de la XIV Olimpiada (Londres 1948): Oro, florete individual.
Juegos de la XV Olimpiada (Helsinki 1952): Plata, florete individual.

Palmarés en el olímpico:
Campeonato del Mundo: 6 oros (1937, 1951, 1952, 1953, 1954, 1955); 4 platas (1937, 1948, 1951, 1954); 2 bronces (1955, 1956).

Kirk Douglas

por Moshé korin

Lo hemos visto con frecuencia en los últimos quince años en las sinagogas, sea en las altas fiestas o en diferentes circunstancias. Es un muy famoso judío, cuya imagen da vuelta al mundo tan comunicado de estos tiempos. Él es el mismo que deslumbrara ya de jovenzuelo con su vigoroso arte, caracterizado por el rubio mechón de cabellos y el pronunciado hoyuelo de su quijada. El mismo de los películas coprotagonizadas junto a Burt Lancaster. Nos referimos a Kirk Douglas, quien el 9 de diciembre de 2006 acaba de cumplir noventa años de edad. Y que nos ha regalado casi ochenta films, desde que Hollywood le brindó hace sesenta años, en 1946, la primera chance.

Israel
Es el mismo actor que en 1966 hizo el rol protagónico en "La sombra de un gigante", película norteamericana en la que interpreta a un oficial de su país, que se alista en la causa israelí durante la Guerra de Liberación (1948) y se vincula sentimentalmente a una activa militante judía de la "Haganá" (Ejército de Israel anterior al Estado) -que interpreta la bella actriz austríaca, Senta Berger-. Film en el que su rutilante elenco incluye también a actores de la talla de Yul Brinner, John Wayne y Frank Sinatra.
Es el mismo también que en 1976 interpretó el papel de Itzjak Rabin en "Victoria en Entebbe"; y lo hizo asimismo en una miniserie que luego se realizó para la televisión -junto a su inefable compañero, Burt Lancaster-. La historia narra las épicas jornadas del heroico rescate del avión con rehenes judíos que los terroristas habían hecho aterrizar en el aeropuerto de Entebbe, Uganda.

Accidente
Pero algo había cambiado en este hombre que vemos con frecuencia en las ceremonias judías. Este hombre que desde su temprana adolescencia había resuelto dejar el judaísmo (que, sin embargo, mantuvo siempre con el ayuno del "Día del Perdón" "Iom Kipur") produjo un espectacular retorno a sus raíces, luego del accidente que sufrió el 14 de septiembre de 1991, siendo entonces un hombre próximo a cumplir los setenta y cinco años de edad. Aquel día, su helicóptero se había elevado unos quince metros en el aeropuerto californiano de Santa Paula, cuando chocó contra una avioneta en la que despegaron un instructor y su alumno. La avioneta estalló y sus dos pasajeros fallecieron.

Búsqueda
Él sufrió la rotura de varias costillas y heridas de consideración. Internado en el hospital, al despertar algunas horas más tarde comenzó a atosigarlo una pregunta: ¿por qué murieron esos hombres jóvenes y él, no?
Necesitaba, indudablemente, una respuesta ante esa pregunta que lo atormentaba. Tenía que descifrar el sentido de aquello, y se preguntaba a dónde dirigirse por la respuesta: ¿al Dalai Lama en la India…? ¿a alguna bruja o algún astrólogo…?
Sobrevivió a esas lesiones, y poco después también superó una trombosis que hacia fines de 1995 le paralizó el lado izquierdo de la cara. Su vida tuvo un giro importante, con permanente búsqueda de retorno a las raíces, en los últimos quince años, luego de aquel accidente aéreo. Paulatinamente comenzó a darse cuenta de que la respuesta estaba en el Judaísmo. En ese mismo Judaísmo del que a sus cortos catorce años de edad, pretendió huir.

Adolescente
Nacido en un hogar judío en el barrio pobre de la ciudad industrial Amsterdam, en el Estado de Nueva York como Isur Danielovitz Demsky el 9 de diciembre de 1916, su nombre nos remite al origen ruso de sus padres, quienes habían arribado poco antes a los Estados Unidos; él tenía seis hermanas mayores. Su padre era trapero y en su hogar reinaba una armónica atmósfera judaica. Isur, quien también se hacía llamar Isidore, se destacaba en el estudio de la Torá. Fue entonces que los judíos de su barrio pensaron en juntar el dinero que permitiese al adolescente seguir estudios en una "Ieshivá" (Academia Talmúdica), que lo convertiría en rabino.
Tenía catorce años el jovencito cuando se aterró ante la historia de Abraham y su hijo. Veía al patriarca con un filoso cuchillo y se veía él mismo en las carnes de aquel asustado niño. Y, por las noches, en una de sus reiteradas pesadillas se veía vistiendo el sombrero negro, con largas gabardinas. Y usando "peot" (largas patillas). ¡Fue demasiado! No lo resistió: corriendo huyó del judaísmo, pensando que ya nunca lo alcanzaría.

Huida
Mucho agua corrió bajo el puente, muchos años pasaron y finalmente este accidente de aviación le hizo volver a aquel muchachito. Y replantearse aquella manera de escapar. Sin embargo, en el día del "Iom Kipur" siempre mantuvo su ayuno. Era el momento del año en que expresaba su identidad judaica. Como dijimos más arriba: el ayuno de "Iom Kipur" era el obligado rito que lo mantenía ligado al Pueblo Judío. "Ese día siempre ayuné, así haya estado filmando con Burt Lancaster o con John Wayne, en "Iom Kipur" siempre estaba en ayunas", admite.
Además, desde hace largos años es un activo colaborador del Centro Simon Wiesenthal, que trabaja en la captura de los criminales de guerra nazis. Kirk Douglas ha sido en varias ocasiones, portavoz de dicho Centro.

Criterios
Acaso -se decía ahora el ya consagrado mundialmente actor-, ¿alguien decide quién será su esposa con los criterios que se tenía del amor a los catorce años…? -No, de ninguna manera, se respondió. Y los criterios de esa joven edad no se emplean tampoco para la elección de los amigos, ni en el mundo del trabajo ni en el de los negocios ni en casi nada, dedujo.
Declararía entonces: "Sin embargo hay muchos que parecen satisfechos de abandonar la religión por lo que aprendieron a los catorce años de edad; yo he sido uno de esos estúpidos".

Teatro
Desde jovencito su interés por el teatro y la actuación, sólo tenía equiparación al que tenía por los deportes. Llegado desde Rusia a Nueva York, su padre debió trabajar duro como ropavejero. Y el joven Isur, para costearse sus estudios de Arte Dramático debió hacer todo tipo de tareas, desde trabajar de "botones" hasta hacer Lucha. Fue así que pudo solventar la matrícula para estudiar en la Universidad de Lawrewce, donde egresó en Letras. Y obtuvo luego una beca que le permitió estudiar en la Escuela de Arte Dramático de Nueva York, hasta 1939.
Su carrera comienza en el teatro en 1941, en Broadway. Enrolado en la Marina al año siguiente (en plena Segunda Guerra Mundial), retorna del frente con heridas de guerra en 1943. Entonces Lauren Bacall lo recomienda al productor Hal Walis, y reemplaza a Richard Widmark en la comedia teatral, "Kiss and Tell" (Besar y decir).

Cine
Su exitosa carrera cinematográfica comenzó hace ya sesenta años, en 1946 (él tenía entonces 29 años de edad), al rodar su primera película: "El extraño amor de Marta Ivers", donde interpreta a un político que cae en el alcoholismo. El primer gran éxito de Kirk Douglas -su nombre artístico desde esos comienzos- lo constituye su interpretación de un boxeador en el film "El ídolo de barro", en el año 1949, donde fue nominado en el rubro "Al mejor actor", aunque no gana el "Oscar".
Esta situación se repetiría con otras nominaciones al "Oscar" en el mismo rubro; en 1952 por "Cautivos del mal" (de Vincente Minnelli); en 1956 por "El loco del pelo rojo" (film sobre Van Gogh). Si bien dicho premio le fue esquivo en las ocasiones que estuvo ternado, en 1996 con motivo de cumplir cincuenta años de carrera cinematográfica, la Academia de Hollywood le entregó un "Oscar" de Honor.

Sombra del gigante
Entre otras películas muy recordadas de Kirk Douglas -¡que son tantas…!- podemos mencionar "Carta a tres esposas" (1949), "El trompetista" (1950; encarna a un trompetista de jazz, dirigido por Michael Curtis), "El gran carnaval" (1951; de Billy Wilder), "Brigada 21" (1951; con Eleanor Parker, dirigida por William Wyler), "Veinte mil leguas de viaje submarino" (1954), "Ulyses" (1954; rodada en Italia bajo las órdenes de Mario Camerini).
Ya en 1955 creó la productora "Bryna" (nombre de su madre). Desde entonces, de uno o de otro modo coproduce casi todas sus películas. Como actor protagónico siguen sus éxitos. Así, "Senderos de Gloria" (1957; dirigida por Stanley Kubrick), "Un extraño en mi vida" (1960). Y muy destacada labor protagónica tuvo Kirk Douglas en el épico "Espartaco" (1960; junto a Peter Ustinov, película dirigida por Stanley Kubrick).
Prueba de su independencia y de su lucha por la libertad de opinión, la da contundentemente cuando por esos años, contrata a Dalton Trumbo como guionista, a pesar que éste estaba en la "lista negra" de artistas comunistas. En 1966 llega la mencionada al comienzo de esta nota, "La sombra de un gigante", acerca de la guerra de Israel invadido por los países árabes vecinos no bien declarada su independencia.

París y Entebbe
Y luego vinieron -entre muchos otros films-: "¿Arde París?" (1966), "El compromiso", de Elia Kazán (1969), "El día de los tramposos" (1970, de Joseph Mankiewicz), "El Doctor Jekill y Míster Hyde" (1973), el "western" "Los justicieros del Oeste" (1975, que también dirigió) y la muy célebre "Victoria en Entebbe" (1976), a la que nos referimos más arriba.
Un párrafo especial merece la importante cantidad de películas que lo tuvo como coprotagonista junto a Burt Lancaster. Esto fue así desde 1947, cuando ambos son protagonistas de "Al volver a la vida", de Byron Haskin. Luego filmaron juntos -entre otras películas- "Duelo de titanes" (1957), "Discípulo del diablo" (1959), "El último de la lista" (1963; de John Huston), "Siete días de mayo" (1964, de John Frankheimer) y "Otra ciudad, otra ley" (1986, de Jeff Kanew).
También ha dirigido films, como "Scalawag" (1972) y la citada "Los justicieros del Oeste" (1975), en la que también actuó.

Biografías y premios
Además de actuar y dirigir, Kirk Douglas también es prolífico en la creatividad literaria. Ha escrito un par de libros infantiles, entre ellos "Jóvenes héroes de la Biblia". Y también, dos obras biográficas. La primera fue "El hijo del trapero", que presentó en España en enero de 1989. La segunda, casi diez años más tarde, fue "Ascendiendo las montañas", que le valió en septiembre de 1999 el Premio Literario del Festival de Deauville (Francia).
En dramas y en comedias, en películas de acción o en épicas, siempre se lo vio como un actor de excelentes condiciones: inteligente, flexible, capaz de múltiples caracterizaciones y exhibiendo siempre un rol de hombre vigoroso.
Las distinciones y premios fueron muchos. Por citar algunos, podemos mencionar que en 1979 le otorgaron la Orden de las Artes y las Letras, que en 1981 le concedieron la Medalla Presidencial de la Libertad y que en marzo de 1990 le fue impuesta la Medalla de la Legión de Honor Francesa.
Además, claro, del Premio Anual del Cine Estadounidense en 1988, el Premio al Progreso del Cine en el Festival Internacional de Troja, Portugal (junio de 1989) y la entrega del citado "Oscar a la trayectoria" en marzo de 1996, por sus cincuenta años como actor y sus setenta y seis películas filmadas.
En 1999, Kirk Douglas volvió al cine, protagonizando junto a Lauren Bacal, "Diamonds" (Diamantes).

Pregunta
El primer matrimonio lo celebró con Diana Dill (con la que estuvo casado entre 1943 y 1951). El 25 de septiembre de 1944 nació su hijo Michael -quien es hoy también un muy consagrado actor-. Su segundo matrimonio, con Anne Buydens, se llevó a cabo en 1954 (Kirk Douglas tenía entonces 37 años de edad). Con ella continúa desde hace más de medio siglo, y sigue declarándose enamorado de su esposa.
Fue su hijo Michael, quien siendo niño lo sorprendió una mañana, al preguntarle: "¿De dónde vienen nuestros ancestros?". Kirk quiso pensar como Isur, pero antes que nada sintió el impacto de la pregunta. Sabía que los suyos venían de un lugar de Rusia llamado Mogilev, pero se deprimió al observar que ya habían muerto los antepasados que podían explicárselo mejor. Fue entonces que sintió necesidad de saber sobre su identidad, reprochándose que un hombre que no conoce a sus antepasados, tampoco sabe bien quién es él.
Hacía dos largas décadas que había huido de los estudios de la Torá, sintiéndose perseguido por quienes querían para él un futuro como rabino. En sus comienzos había ensayado para el teatro idish neoyorquino. Claro que con poca suerte, porque así como los rabinos querían retenerle, aquí, en cambio, se sintió expulsado cuando alguien reparando en su rubia cabellera, le espetó: "Cuando tengamos un papel de nazi, te convocaremos".

Chagall en la habitación
Ya en plena crisis de identidad luego de la pregunta de su hijo Michael, se hallaba inmerso en sus pensamientos cuando encontró la respuesta en su propia habitación. En uno de los muros colgaban las litografías de la serie de la Biblia de Marc Chagall. Allí, en esa vista, en ese mismo instante entendió que había recuperado a sus antepasados. Abraham, Yaakov, Moisés, Salomón, David, Rivka, Rajel, Lea, Rut, Ester… ¡ellos eran los ancestros! ¡de ellos tenía que contarles a su hijo Michael!
Siempre expresaría su agradecimiento a Chagall por hacerle recordar el hermoso linaje del que descendía. Más aún, Kirk descubriría que este eximio artista abandonó la misma región de Rusia que su padre, y por la misma época. Su padre intentaría como ropavejero en Nueva York, por los mismos días que Chagall se convertiría en famoso pintor en París.

Jerusalem
No bien recuperado del accidente aéreo, Kirk Douglas viajó a Israel -donde filmó cuatro películas-, tras doce años de ausencia. Cuando llegó con su esposa a la habitación del Hotel "King David" en Jerusalem, se aproximó a la ventana y se quedó absorto mirando la excepcional vista que ofrece el casco antiguo de la Ciudad. Y volvió a recordar la primera vez que vio Jerusalem desde esa ventana, cuarenta años más joven. Eran todavía los días en que los soldados árabes marchaban allí y lo mantenían alejado de la Ciudad Vieja, sin que pudiese llegar al "Kotel" (El Muro de los Lamentos).
Impulsado por una fuerza milenaria, no esperó siquiera a cambiar su ropa y corrió fuera, justo a la hora en que el sol se ponía. Buscó hasta hallar el sitio con la grieta para colocar su papel en el sacro muro, y depositar allí su oración. "Dios responde a todos los rezos -aseguró-, aunque a veces la respuesta sea ´no´".

Reencuentro
El actor comenta a menudo el especial momento emotivo vivido en Monte Moriah, cuando con suave voz la joven guía indicó: "Aquí es donde todo empezó" y relató la historia que tanto le impactó a él a sus catorce años de edad, del sacrificio que Dios exige a Abraham. "Ese lugar -reflexiona Kirk Douglas- representaba el comienzo de mis dudas. Y el final de ellas" y concluye "… en el oscuro túnel, tocando la piedra de Monte Moriah, crecí…". Viviendo el "shabat" en una casa del corazón del barrio judío, esa noche Kirk cerró sus ojos y se reencontró con Isur; y, a través del candelabro, vio el rostro de su madre y sintió que había retornado a casa.

Conciencia del mundo
Kirk Douglas enfatiza que en el momento histórico en el que con mayor decisión a causa de las ideas iluministas, los judíos nos asimilábamos y nos estábamos yendo del Judaísmo, fue bajo dicha circunstancia que nos alcanzó la mayor y más cruel persecución, sufrida por la criminalidad de la Alemania nazi.
Por ello en sus reflexiones, afirma que debemos agradecer a los judíos piadosos, ya que esos hombres de las oscuras gabardinas que tanto le asustaron en su pubertad, son los que han mantenido vivo al judaísmo a través de los siglos.
Y también destaca que él aún necesita que Dios le dé el tiempo suficiente para aprender todo lo que hace falta y poder comprender qué es lo que hace que los judíos seamos la conciencia del mundo.
Como vemos, Kirk Douglas -Isur Danielovitz Demsky- no es sólo "una cara bonita" en el celuloide, sino un judío comprometido con su identidad, y con la tradición, la historia y el porvenir de su pueblo.

Fuente: delacole.com

Salamo Arouch

Ciertamente cada historia de vida de aquellos que sobrevivieron a la Shoá posee el sello propio de lo irrepetible, ya que tanto las experiencias vividas bajo el yugo nazi, como los modos de atravesarlas y las circunstancias azarosas que sobrevinieron en cada derrotero de la supervivencia, son sin lugar a dudas particulares. Sin embargo, algunas de esas particulares historias adquieren además el carácter de singularidad, y esto es debido a la radicalidad de lo vivido que hace que quienes se encuentran con su relato, sean conmovidos en su fuero más íntimo.
Hoy quisiera destacar en las líneas que siguen, desempolvándola del olvido, una de esas historias de vida que considero propia de un personaje singular: el boxeador griego Salamo Arouch.
Hace un tiempo ya, en 1989, el film que ilustró su vida y su supervivencia en Auschwitz bajo el título: "El triunfo del espíritu", protagonizada por William Defoe, me hizo rememorar su historia. Desde aquel entonces, estas palabras a modo de homenaje, tanto por su talento como pugilista, como por las abismales penurias atravesadas en el campo de concentración y exterminio, habían quedado pendientes.
Adentrándose tanto en los padeceres que allí sufrió, como en aquello que debió hacer para sobrevivir, uno comprende y comparte la elección del título de la película: en su vida y supervivencia encontramos el triunfo del espíritu por sobre la brutalidad de la voluntad de exterminio nazi. Y de seguro aquí cabe la pregunta, ¿con qué otra cosa podían triunfar aquellos seres despojados de todo?
 

Antes de la guerra: Grecia
Nacido en 1923 en Salónica -Grecia-, Salamo proviene de una familia de pescadores, tanto su padre como su hermano menor Abraham (se lo llamaba AVRUM), trabajaban como estibadores. Desde pequeño Salamo cultiva un sueño: desea ser boxeador.
Fue su padre quien lo entrenó y en 1937, a los 14 años de edad, lo condujo al ring. Su debut en su ciudad natal fue exitoso, mostrando además las semillas de aquello que sería su estilo propio, un "jab y cross" que le valdrían luego el apodo en su país natal de "el bailarín de ballet".
En aquellos tiempos de infancia y juventud, Jacko Razon -quien también devendría después un reconocido pugilista- era su amigo y "partenaire" de entrenamiento.
En 1939 cuenta con el récord de 24 triunfos por nocaut; combatiendo por el título Medio Pesado de los Estados Balcánicos, lo gana también por nocaut. En ese mismo año es seleccionado para integrar el plantel olímpico griego de boxeo.
Luego, advino la Segunda Guerra Mundial trayendo consigo la ocupación nazi en Grecia y su próspera carrera profesional de boxeador se vio truncada por la catástrofe.

Salamo contaba con 20 años cuando el 15 de marzo de 1943, él y su familia toda son trasladados a Auschwitz.
 

Ni Salamo, ni su padre, así como tampoco su hermano, recién arribados al campo de concentración, lo sabrán sino hasta mucho tiempo después, pero la pesadilla nazi había comenzado la matanza de su familia el mismo día del arribo: todas las mujeres y los niños habían sido enviados directamente a las cámaras de gas - encontrándose entre ellos también la recién desposada mujer de su hermano.
"Seleccionados" en la entrada al campo para realizar trabajos forzados, los tres hombres restantes de la familia, se encontrarán de diversas maneras con la abismal crueldad.
Al poco tiempo, Avrum es designado para integrar uno de los fatídicos grupos de judíos encargados de los cuerpos ya sin vida, desde las cámaras de gas hasta los crematorios. La labor de los denominados "sonderkomando" era de las más siniestras, Avrum no pudo tolerarla y fue asesinado por rehusarse a realizarla.
Salamo fue obligado a participar de combates de boxeo para entretenimiento de los nazis debido a que uno de los oficiales se enteró de que él era pugilista.
Los combates eran dos veces por semana. Las reglas no eran las del ring; no existían allí rounds, los combates sólo finalizaban cuando uno de los contrincantes no podía continuar. Quien vencía recibía pan y sopa, quien perdía era asesinado primero y luego, corría igual destino que los demás en el campo.
A estos combates de vida o muerte eran obligados judíos y gitanos de Auschwitz. Entre los boxeadores judíos que también debieron combatir en estos infames "matches" se encuentran "Young" Péres, Leone Efrati y Kid Francis.
El padre de Salamo no logró pasar una de las tantas "selecciones", y declarado "inepto para el trabajo" fue muerto en las cámaras de gas. Es profundamente emotiva la manera en la cual la mencionada película muestra el intento desesperado y frustrado de Salamo de interceder para salvarlo. Ya no quedaba nadie vivo de su familia.
Por casi dos años logró sobrevivir; se estima que fueron alrededor de 200 las peleas que ganó. La más difícil de ellas fue contra el judío alemán Klaus Silber oriundo de Dusseldorff quien contaba con 44 combates como amateur antes de la guerra. Cuando se encontró en el ring con Arouch en Auschwitz, arribó invicto con 100 combates realizados. Tan ardua fue la pelea que en un momento ambos cayeron juntos fuera del ring. Silber golpea y derriba a Salamo, pero finalmente éste se repone y lo noquea.
Quien también se encontraba en Auschwitz, pero que el azar o el destino quiso que no se encontraran para pelear allí, era su amigo de infancia Jacko Razon, que también había ganado fama de ser invencible en el cuadrilátero. A tiempo para ellos, no así para los suyos, llegó la liberación y ambos lograron sobrevivir.
 

fuente: delacole.com

Sara Bernhardt

Sarah Bernhardt nació el 22 de octubre de 1845 en el nº 5 de la calle École de Medecine, París. Su nombre real era Rosine Bernardt. Su madre era una mujer de religión judía, de origen holandés y llamada Julie Bernardt, alias Youle. Se ganaba la vida como prostituta de lujo junto con su hermana, Rosine Bernardt. Julie tuvo varias hijas más: en Abril de 1843 tuvo dos niñas gemelas que fallecieron a las dos semanas. Tras Sarah, tuvo a Jeanne (fecha de nacimiento desconocida) y a Régine en 1855, que falleció de tuberculosis en 1873. Todas fueron hijas de padres distintos y desconocidos. Sarah Bernhardt nunca supo quién era su padre biológico.

Sarah pasó los primeros 4 años de su vida en Bretaña al cuidado de una ama de cría. La primera lengua que Sarah conoció fue el bretón y es por esta razón que al iniciar su carrera teatral, adoptó la forma bretona de su apellido: Bernhardt. En esta época sufrió un accidente que muchos años después le acarrearía graves problemas de salud. Cayó por una ventana rompiéndose la rodilla derecha. Aunque sanó sin problemas, la rodilla le quedó delicada para siempre y en 1914 a causa de una dolorosísima inflamación de esa misma rodilla tuvieron que amputarle la pierna derecha. Tras el accidente, su madre la llevó consigo a París donde permaneció dos años. A punto de cumplir 7 años ingresó en la Institución Fressard un internado para señoritas próximo a Auteuil. Permaneció allí dos años. En 1853 ingresó en el colegio conventual Grandchamp, cercano a Versalles. En este colegio participó en su primera obra teatral, "Tobías recupera la vista", escrita por una de las monjas. También aquí fue bautizada e hizo la primera comunión. El ambiente místico del colegio le hizo plantearse el hacerse monja.

Tras abandonar Grandchamp a los 15 años, su madre trató de introducirla en el mundo galante para que se ganara la vida como prostituta de lujo. Pero Sarah, influenciada por su educación conventual, se negó repetidamente a ello. Julie Bernard tenía un salón en su piso parisiense donde se reunían sus clientes. Entre ellos estaba el hermanastro de Napoleón III, el duque de Morny. Morny aconsejó que Sarah se inscribiera en el Conservatoire de Musique et declamation. Gracias a los contactos del duque, Sarah entró sin dificultad en 1859. En 1861 ganó un 2º premio en tragedia y una mención honorífica en comedia. Finalizados sus estudios en el Conservatorio, entró, de nuevo gracias a los influyentes contactos de Morny, en la Comédie-Française. Debutó el 11 de agosto de 1862 con la obra "Iphigénie" de Jean Racine. Su fuerte carácter le atrajo problemas con sus compañeros lo que provocó que abandonara la Comédie por primera vez en 1863. Tres semanas más tarde fue contratada por el Teatro Gymnase donde hizo 7 pequeños papeles en distintas obras. Actuó por útima vez el 7 de Abril de 1864 con la obra "Un mari qui lance sa femme". Ese mismo año conoció a uno de los grandes amores de su vida, Charles-Joseph Lamoral, príncipe de Ligne. Inició una apasionada relación con él, hasta que quedó embarazada y el príncipe la abandonó. El 22 de Diciembre de 1864 dio a luz a su único hijo, Maurice Bernhardt. Sin un oficio y habiendo fracasado momentáneamente en el mundo del teatro, siguió los pasos de su madre convirtiéndose en una cortesana de lujo. Sarah no abandonó su actividad como cortesana hasta que su carrera teatral se hubo afianzado con éxito y pudo mantenerse sólo con el trabajo que le reportaba el teatro.

Tres años más tarde, en 1867 debutó en el Teatro del Odéon con "Las sabihondas" ("Les femmes savantes") de Molière. Aquí empezó su verdadera carrera profesional. Participó en muchos montajes teatrales, alternando la vida teatral con la vida galante. La fama le llegó repentinamente en 1869 con "Le Passant" de François Coppée, una obra en verso de un solo acto. Sarah, además, hizo por primera vez en esta obra un papel masculino, el del trovador Zanetto. Repetiría más veces haciendo de hombre en varias obras más: Lorenzaccio, Hamlet y L´Aiglon.

En 1870, durante la Guerra Franco-Prusiana, habilitó el Odeón como hospital para convalecientes, donde cuidó con dedicación a los heridos de guerra. En 1871 el improvisado hospital tuvo que ser cerrado por problemas de salubridad. Tras la derrota francesa y la caída de Napoleón III, muchos intelectuales exiliados por estar en contra del emperador, pudieron regresar a Francia, entre ellos Victor Hugo. El regreso de Hugo fue trascendental en la vida de Bernhardt ya que el escritor la eligió para protagonizar el reestreno de su obra Ruy Blas. Bernhardt además protagonizó otra obra de Hugo, Hernani. Ruy Blas la encumbró a cotas de éxito inimaginables. Regresó a la Comédie-Française como una gran estrella y allí afianzó su repertorio y sus múltiples registros como actriz.

El estilo de actuación de Bernhardt se basaba en la naturalidad. Detestaba profundamente las viejas normas del teatro francés donde los actores declamaban histriónicamente y hacían gestos sobreactuados. Rompió con todo lo establecido profundizando en la psicología de los personajes. Estudiaba cada gesto y cada entonación del texto que debía decir buscando la perfección natural sin que se notara ningún tipo de artificio. Destaca en su arte que representando siempre a grandes heroínas de tragedia o reinas, siempre huyó de la sobreactuación y de la afectación. Son famosas sus escenas de muerte, en las que en vez de según sus propias palabras, "ofrecer toda una retahíla de patologías" tales como estertores, toses, gemidos agónicos, profundizaba en el acto de morir desde el punto de vista psicológico y sentimental.
Sarah Bernhardt

A parte de su profesión de actriz, se interesó por la escultura y la pintura, llegando a exponer en el Salón de París varias veces, entre los años 1874 y 1896. Recibió distintos premios y menciones honoríficas en ambas disciplinas. Escribió también tres libro: su autobiografía titulada "Ma double vie", "Petite Idole" y "L´art du Théâtre: la voix, la geste, la pronontiation".

Bernhardt se especializó en representar las obras en verso de Jean Racine, tales como "Iphigénie", "Phédre" o "Andromaque". Destacó especialmente, entre muchas otras, en "La Dame aux Camélies", de Dumas hijo, "Théodora", de Sardou, "L´Aiglon", de Edmond Rostand, "Izéïl", de Silvestre y Morand, "Macbeth", de Shakespeare, "Jeanne D´Arc" de Jules Barbier...

En 1879 realizó su primera salida de Francia, concretamente a Inglaterra donde estuvo 6 semanas haciendo dos representaciones diarias y obtuvo un éxito rotundo. Al llegar al país fue recibida espectacularmente, lo que indica que su fama había cruzado las fronteras de Francia. Esta primera visita conoció a un joven escritor llamado Oscar Wilde. Años más tarde, en 1893, Bernhardt aceptaría representar su obra "Salomé". También, ese mismo año, Sarah fue ascendida a "Socio Pleno" de la Comédie-Française. Los "Socios Plenos" son la jerarquía más alta de esta institución.


Tras su espectacular éxito en Inglaterra decidió hacer su primera gira americana. Partió a los Estados Unidos el 15 de Octubre de 1880. El éxito fue total. Bernhardt haría repetidas giras por los Estados Unidos (sus famosas "Giras de despedida") y también recorrió toda América del Sur, llegando a actuar en Brasil, Argentina, Chile... Viajaba en tren y en barco y llegó a cruzar el Cabo de Hornos. En Estados Unidos su éxito era tal que le habilitaron un tren con siete vagones de lujo llamado "Sarah Bernhardt Special" y era de uso exclusivo de la actriz. Sus giras llegaron también a Australia y visitó las islas Hawái y las Islas Sandwich. Actuó en Egipto y en Turquía. También recorrió Europa, actuando en Moscú, Berlín, Bucarest, Roma, Atenas. En su periplo, actuó no sólo en grandes teatros si no también en teatros de ínfima categoría.

Bernhardt tuvo una agitada vida sentimental, en la que destacan nombres como Gustave Doré, Victor Hugo, Jean Mounet-Sully, Jean Richepin, Philippe Garnier, Gabriele D´Annunzio, Eduardo, Príncipe de Gales, entre otros. Se casó una sola vez, con un oficial griego llamado Jacques Aristidis Damala. Damala era hijo de un rico armador y era adicto a la morfina. Nació en El Pireo en 1842. Bernhardt se casó con él el 4 de Abril de 1882 y fue un matrimonio tempestuoso. Sarah intentó convertir en actor a Damala, pero fracasó. La actriz le impartió clases de actuación y le dio el papel de Armand Duval en "La Dame aux Camélies". Se eran infieles mutuamente y un día Damala, abrumado por el éxito de su mujer, por las constantes burlas de los actores de la compañía de Bernhardt y la mala relación con Maurice Bernhardt, se alistó en la Legión siendo destinado a Argelia. Meses más tarde regresó con Sarah. Las separaciones y reconciliaciones fueron continuas hasta que Sarah decidió irse de gira por todo el continente americano en 1887 y Damala ya no la acompañó. Era la separación definitiva. Permanecieron casados hasta la muerte de Damala por los efectos secundarios de abuso continuado de morfina en 1889, a la edad de 42 años. Bernhardt le enterró en Atenas y adornó la tumba con un busto tallado por ella misma.

Sarah Bernhardt fue también la primera actriz-empresaria del mundo del espectáculo. A raíz de una relación muy tensa con el director de la Comédie-Française, Perrin. Bernhardt rompió su contrato y dimitió como "Socio Pleno" el 18 de Marzo de 1880. La Comédie pleiteó contra ella ganando el juicio. Sarah Bernhardt tuvo que renunciar a su pensión de 43.000 francos que hubiera tenido de pensión si hubiese permanecido un mínimo de 20 años en la Comédie y además se la condenó a pagar 100.000 francos de multa. La actriz nunca llegó a pagar la multa. Tras su esplendorosa primera gira americana, que le había hecho ganar una gran fortuna, Bernhardt arrendó el teatro Porte-Saint-Martin en 1883. En este teatro produjo y actuó en obras como "Frou-Frou" y "La Dame aux Camélies", entre otras. Durante sus giras, el teatro permanecía abierto y se estrenaban obras continuamente con distinto éxito comercial. Bernhardt no dudaba en apoyar el teatro de vanguardia, así que además de repertorio clásico, en el Porte-Saint-Martin se estrenaban obras de nuevos autores que rompían con el teatro tradicional. Tras unos años, Bernhardt arrendó del Théatre de la Renaissance, donde representó muchas obras de éxito. En 1899 arrendó por 25 años el enorme Theâtre des Nations, único teatro donde acturaría en Francia durante los últimos 24 años de su vida.

Su vida familiar no fue sencilla. Tuvo una relación tensa y distante con su madre, Julie. Su progenitora nunca fue una madre cariñosa e interesada y ese hecho hizo que Sarah siempre buscase su aprobación y su cariño. Julie Bernard sentía predilección tan sólo por su hija Jeanne y descuidó totalmente la educación de su hija menor, Régine. Sarah Bernhardt sentía predilección por su hermana pequeña Régine y cuando logró ser independiente se la llevó a vivir consigo para alejarla de la madre y de las intenciones de ésta de convertirla también en cortesana. Lamentablemente a causa del abandono afectivo que sufrió y del ambiente del piso de su madre, Régine se convirtió en prostituta a los 13 años. Falleció a los 18, en 1873, a causa de la tuberculosis. Su otra hermana, Jeanne, también fue cortesana durante una época y siempre que tenía necesidad de dinero. Para apartarla de la mala vida, Bernhardt se la llevó consigo con su compañía y la acompañó en varias de sus giras americanas y europeas. Era una actriz mediocre, pero hacía pequeños papeles y vivía una vida de lujo junto a su hermana. Se sabe que sufrió crisis de neurosis a causa de su adicción a la morfina y que estuvo ingresada en el hospital de La Pitié-Salpetrière en París bajo cuidados del doctor Jean-Martin Charcot. En cambio, el hijo de Sarah, Maurice, siempre estuvo muy unido a su madre. Vivió siempre a su sombra, malgastando auténticas fortunas en el juego, en viajes y en una vida regalada.

El siglo XX empezó con un gran éxito, "L'Aiglon", de Edmond Rostand. La obra fue estrenada el 15 de Marzo de 1900 y obtuvo un éxito triunfal sin precedentes. Sarah hizo 250 representaciones de "L'Aiglon" y tras esto, hizo otra gira a Estados Unidos para representarla. En Nueva York representó la obra en el Metropolitan Opera House y cosechó un enorme éxito. Probó suerte también con el recién nacido cine. En 1900 filmó "Le Duel d'Hamlet", haciendo ella de Hamlet. En 1906 rodó "La Dame aux Camélies", con Lou Tellegen, su amante de aquel momento, haciendo de Armand Duval. Bernhardt cuando la vio se horrorizó y mandó destruir el negativo, que afortunadamente todavía existe. Rodó también "Elisabeth, reine d'Anglaterre", dirigida por Louis Mercanton. En 1913 filmó "Jeanne Doré", dirigida por Tristan Bernard. Esta película se considera la mejor rodada por Bernhardt y donde se puede observar mejor su arte interpretativo. La película se conserva en la Cinématèque de Paris.

En 1914 le fue concedida la Legión de Honor. En 1915 la rodilla de su pierna derecha, la misma que se había fracturado de niña, había llegado a provocarle dolores insoportables. Para peor, durante una de sus interpretaciones de la obra dramática "Tosca", la misma que Puccini hizo triunfar en el género operístico, en la última escena, cuando la heroína se lanza desde un barranco, no se tomaron las medidas de seguridad pertinentes; Sarah se lanzó, y se hirió la pierna. Aunque hacía ya varios años que padecía molestias constantes, durante el año 1914 fue empeorando hasta que no hubo otro remedio que amputar en febrero de 1915. Una vez recuperada de la amputación y ya empezada la Primer Guerra Mundial, la actriz decidió hacer una gira tras las trincheras francesas haciendo actuaciones para animar a las tropas. Organizó varias giras con su compañía y recorrió toda Francia. Aun con la pierna amputada, Sarah Bernhardt siguió actuando. Recitaba monólogos, poemas o representaba actos famosos de su repertorio de obras en las que no debía estar de pie. Siguió también participando en películas tras la guerra. Su salud fue empeorando hasta sufrir un gravísimo ataque de uremia que estuvo a punto de matarla. En 1922, vendió su mansión en el campo de Belle-Ile-en-Mer, donde había rodado años atrás una película-documental sobre su vida. Cuando le llegó la muerte estaba rodando una película, "La Voyante". El rodaje se estaba realizando en su casa, en el Boulevar Péreire, puesto que la actriz estaba ya muy delicada de salud. El 15 de marzo de 1923, tras rodar una escena, quedó totalmente agotada hasta que se desmayó. Nunca se recuperó. Once días más tarde, el 23 de marzo, fallecía en brazos de su hijo Maurice.

Su entierro fue multitudinario: unos 150.000 franceses acudieron a despedirla. Fue inhumada en el cementerio parisino de Pére-Lachaise.

A pesar de ser llamada "La divina Sarah" por su carácter excéntrico y caprichoso, Sarah Bernhardt trabajó en innumerables proyectos teatrales demostrando un carácter perseverante, una gran profesionalidad y dedicación a su arte.

Fue una acérrima defensora de Alfred Dreyfus en el lamentable Affaire Dreyfus, apoyando también abiertamente a Émile Zola en su célebre artículo-denuncia J'accuse donde se denunciaba que el oficial judío Dreyfus era la cabeza de turco de un complot en el seno del ejército y víctima de un exacerbado antisemitismo.

Sarah Bernhardt en Chile